Procesar una fotografía de naturaleza

   
    La fotografía de naturaleza es completamente diferente al resto de disciplinas de la fotografía. En naturaleza, tratamos de mostrar un mundo oculto a la mayoría de las personas, y se trata de mostrar cómo es, tal cual. Por eso, el momento de pasar la fotografía al ordenador y su posterior procesado es crucial.

    Nuestras cámaras no captan toda la profundidad de luz y color que capta nuestro ojo, por eso la fotografía debe pasar por un procesado posterior que tiene como fin mostrar la belleza de lo fotografiado manteniéndonos fieles a la realidad de aquél momento.

¿Qué software usar?

   El procesado se puede hacer mediante el programa propio de la cámara o mediante otro software.

   En mi caso, uso Camera RAW, que está dentro de Photoshop, y que nos servirá, al igual que cualquier otro software, para realizar los pequeños cambios que vamos a hacer.

¿Desde qué formato de archivo procesar?

   Recomiendo vivamente, para no perder información de archivo, hacer nuestra fotografía siempre en RAW, y utilizar este archivo para el procesado. Es la mejor manera de mantener toda la información recogida en nuestra fotografía y trabajar con ella desde la menor pérdida de calidad.

Antes del procesado

   Antes de procesar, debemos tener una fotografía en la que el histograma (que es la gráfica que nos muestra la luz) esté desplazada lo máximo posible hacia la derecha, sin que llegue a tocar el borde. Esto significará que habremos captado toda la información de luz y color de la escena. No importa que esté rozando por la izquierda, pero no debe rozar por la derecha. En ocasiones, la fotografía resultante estará muy clara y pensaremos que nos hemos pasado de luz, pero si el histograma está bien, hemos hecho la imagen bien. Posteriormente en el procesado lo arreglaremos sin pérdida de calidad.

   Pongo un 2º ejemplo en el que roza por la izquierda. Esto significa que se ha llegado al negro en la sombras. Esto no es problema si está bien expuesta la fotografía. Como veis marca en color azul el triángulo superior de la izquierda, indicándonos que se ha llegado al negro, y una pequeña línea del histograma sube hacia arriba marcando la cantidad de píxeles que se han quedado en negro.

Con la imagen delante: El Procesado

    Una vez que tenemos la imagen delante abierta con el software, tenemos un conjunto de parámetros que debemos conocer bien para saber aprovechar al máximo sus variables.

    Voy a usar imágenes de Camera Raw para explicar los distintos parámetros.

    Cuando pinchamos sobre el archivo RAW se abre nuestro software de procesado. En el caso de Camera Raw tenemos lo siguiente:

       Vamos a hablar de lo esencial. Es importante que abráis la imagen en otra pestaña para que la podáis ver más grande.

       El primer parámetro que encontramos a la derecha es la 'Temperatura'. La temperatura hace referencia al balance de blancos. Lo ideal es elegir la temperatura de color cuando hacemos la fotografía, de modo manual, pero en ocasiones, si la cámara no es muy avanzada, elegir el balance de blancos modificando la temperatura puede ser un autentico calvario. Por eso, si no se puede elegir en el momento podemos modificar este parámetro ahora en el raw. También sucede que al modificar la temperatura descubrimos que queda mejor con otra temperatura que en el momento no habíamos pensado, por tanto, siempre es recomendable ver si este parámetro nos puede ayudar a dar otro ambiente un poco distinto a la toma original.

      Mover la temperatura hacia la izquierda, a valores más bajos, conseguirá enfriar la imagen a tonos azulados, y si lo hacemos al contrario aumentaremos la calidez de la toma.

      El siguiente parámetro también influye en el balance de blancos, es el 'Matiz', que como sus colores nos indican hacen virar el tono general a colores verdes o malvas. No es un parámetro que se toque habitualmente, sin embargo, en ocasiones, la imagen que hemos tomado tiene un cierto color verde que se puede compensar moviendo ligeramente hacia los malvas y viceversa.

     Es muy importante recordar el valor original del parámetro por si los cambios que hemos realizado no nos acaban de convencer y queremos volver al valor original.

     Una vez visto el balance de blancos nos encontramos con el tratamiento de la luz de la imagen.

     La 'Exposición' nos permite subir la luz general de toda la imagen en todas las zonas: luces y sombras. Es el modo correcto de tratar la luz general de la toma.

     Si hemos hecho bien los deberes y nuestro histograma ha quedado a la derecha, nunca tendremos que variar la exposición hacia la derecha. Además, mover la exposición a la derecha hace que se vaya perdiendo calidad en el conjunto, sobre todo en las sombras.

     En muchas ocasiones lo tendremos que mover hacia la izquierda porque habiendo expuesto correctamente, debemos adecuar la luz a como estaba realmente en el momento de la toma.

     El parámetro 'Recuperación' intenta recuperar la imagen si nos hemos pasado en las altas luces. No suele utilizarse mucho porque la imagen pierde viveza.

     'Luz de Relleno' ilumina los tonos oscuros, pero puede posibilitar la aparición de ruido en esas zonas, por lo que es mejor usarlo poco o con prudencia y control.

     El parámetro 'Negros' oscurece los tonos medios y oscuros. Acostumbro a dejarlo a 0 casi siempre y tocar estos tonos más adelante mediante la curva que ya explicaremos.

     El 'Brillo' es un parámetro desconocido, pues aparentemente hace la misma función que el parámetro exposición, pero no es exactamente así. Con la exposición, si la aumentamos, las luces aumentarán hasta la sobrexposición. El parámetro brillo aumenta también el conjunto, pero las luces nunca las quema o sobrexpone. El efecto de exposición y brillo, además se puede compaginar de manera que podemos subir la exposición sin sobrexponer, y si luego queremos subir más las luces podemos utilizar el parámetro brillo. Es bueno saberlo, aunque en fotografía de naturaleza puede que lo utilicemos poco.

     El 'Contraste' nos permite oscurecer los tonos oscuros y aclarar los tonos claros. Este parámetro hay que modificarlo en pequeñas dosis, y puede dar mucha vida a una fotografía si sabemos usarlo con moderación. Es muy útil.

     El siguiente parámetro es 'Claridad'. Este parámetro añade o resta profundidad a la fotografía realizando un contraste local. Es un parámetro que se usa poco en fotografía de naturaleza. Si se abusa crea halos en los bordes. Si lo modificamos hacia la izquierda da un aire idílico algo borroso.

     La alteración del color viene dada por los 2 siguientes parámetros. 'Intensidad' modifica los tonos de manera que tiene menor efecto en los que ya están saturados y altera más los tonos suaves. 'Saturación' altera los colores por igual y es un parámetro más agresivo.
   
     Un exceso en estos parámetros no da como resultado imágenes más bonitas, sino más artificiales, así que deberemos contener la emoción de sobresaturar nuestras imágenes y buscar un aspecto real para nuestras fotografías.

     Hasta ahora hemos visto los parámetros que contienen la pestaña 'Básico'. Ahora veremos la pestaña siguiente, que es 'Curva de Tonos'. En esta pestaña podemos modificar las luces, tonos claros,  oscuros y sombras mediante parámetros

      o mediante modificación de puntos que podemos mover y ubicar como queramos

       La modificación por puntos es más compleja. Yo aconsejo dividir la línea en 3 puntos, y modificar los puntos de los extremos, dejando quieto el del centro. Es un parámetro que requiere práctica y cambios pequeños para que no se alteren los tonos perdiendo calidad.

       La siguiente pestaña es muy importante, pues puede hacer que nuestra imagen gane en calidad. Hablamos de la pestaña 'Detalle'. Para utilizarla bien acercaremos la imagen al 100% hacia una zona oscura. Vemos una imagen de muestra:

      En la imagen a tamaño real, vemos que en la zona oscura tiene una mezcla de ruido debido a la luz y al color. Con los siguientes parámetros podemos modificarlo.

      Antes de esto tenemos el 'Enfoque'. Conviene que la pestaña enfoque esté entre 15 y 30 como algo normal. Si le damos más valor acentuará también los defectos. Hay que tener cuidado. Cada imagen aguanta más o menos valor de Enfoque. 'Radio', 'Detalle' y 'Máscara' nos ayudarán a afinar el enfoque.

      Vamos a arreglar ese ruido del que hablábamos. En primer lugar, subiendo la 'Luminancia' eliminaremos el ruido. Tampoco debemos pasarnos, pues le restamos nitidez. Con 'Detalle de luminancia' y 'Contraste de luminancia' afinamos el efecto del parámetro. Vemos que mejora un poco, aunque casi no se nota, porque la mayoría del ruido es de color:

       Los puntos de colores que forman parte del molesto ruido los disimularemos con el parámetro 'Color' y afinaremos más con 'Detalle de color'. Vemos el ejemplo:

       Como veis ha mejorado bastante.

       Seguimos ahora y pasamos a la cuarta pestaña, que se llama 'HSL / Escala de grises'. Esta pestaña modifica el color minuciosamente. Se divide en 3 pestañas. La primera es 'Tono', que hace variaciones en los tonos. Es una pestaña que conviene no tocar, y por otro lado no es necesaria en fotografía de naturaleza.

      La 'Saturación' nos puede venir muy bien para alzar o rebajar un color que molesta. Las cámaras de fotografía suelen sobresaturar el rojo y el amarillo. Usar este parámetro puede devolver una imagen a su color real.

     La 'Luminancia' aporta o resta luz a un color concreto. Puede ser interesante en un momento dado.

     Si os habéis fijado hay una pestaña que pone 'Convertir a escala de grises'. Con esa pestaña haremos nuestro blanco y negro siempre que queramos.

      Si modificamos los colores oscureceremos o aclararemos los tonos. Hay que hacerlo con prudencia. Yo no pasaría de un valor de 30 o -30 porque deja ruido en la fotografía. Os pongo un ejemplo exagerado para que veáis lo que puede cambiar una fotografía.

     La siguiente pestaña es 'Dividir tonos'. Yo no la uso para nada en fotografía de naturaleza. Cambia el aspecto general. Puede servirnos para blanco y negro si queremos darle un pequeño matiz de color.

      La pestaña 'Correcciones de lente' es muy importante, corrige las aberraciones cromáticas y el viñeteo. De hecho, manejar bien esta pestaña es fundamental. En esta imagen no había aberraciones, pero he movido la pestaña superior para crear aberraciones y sepáis a qué me refiero.

     Las aberraciones suelen aparecer en los extremos de la fotografía, y se corrigen con las 2 pestañas de halo que veis en la fotografía. Es muy importante aumentar la imagen al 100% porque sino se ven mal. Corregirlas es síntoma de un buen procesado. Muchas fotografías de usuarios en internet no se corrigen y las aberraciones, para el que sabe ver una fotografía, saltan a la vista.

    En la siguiente imagen vamos a ver lo que es el viñeteo y cómo corregirlo.

    En esta imagen he forzado un viñeteo artificial que se ve en el oscurecimiento de las esquinas. Cuando las esquinas de nuestras fotografías están oscuras tenemos lo que se conoce como viñeteo, y suele ser porque el objetivo lo produce o porque hemos puesto delante un filtro excesivamente grueso o un portafiltros. Podemos atenuarlo con los parámetros 'Viñeta de lente', sobre todo con el parámetro 'Cantidad'.

    Veremos ahora la pestaña 'Efectos'.

    Como veis he creado un efecto de grano en la fotografía. El otro efecto que puede crear es el de viñeta. Ambos son efectos que prácticamente no se emplean en fotografía de naturaleza.

     Tampoco se usan mucho 'Calibración de cámara', 'Ajustes preestablecidos' e 'Instantáneas'

      Si os habéis fijado, en la esquina superior derecha de cada pestaña hay un menú de opciones:

    Dicho menú nos permite volver a los ajustes originales de la fotografía, a un ajuste anterior, o nos permite crear ajustes que podemos guardar y aplicar luego a varias fotografías. Son los ajustes que aparecen en la pestaña que acabamos de ver que se llamaba 'Ajustes preestablecidos'.

     Debajo de la fotografía encontraremos también esto:

     Si lo pulsamos encontraremos los siguientes valores:

    El perfil de color, que deberá ser Adobe RGB por ser el más amplio. Si nuestra cámara lo permite, debe fotografiar de manera que el archivo resultante se muestre siempre en Adobe RGB, sino podemos estar perdiendo color. Para eso deberemos mirar la configuración de nuestra cámara.

    La profundidad en bits, que debe ser de 16 para todas estas modificaciones que estamos haciendo, pues nos permite no perder calidad en los ajustes,  y el resto que debe ser lo que ponga por defecto.

    Pues bien, este es un pequeño tutorial de iniciación al procesado de fotografía de naturaleza que he querido compartir con vosotros y que espero que os haya ayudado.

¿Que necesito para hacer Macrofotografía?

   Una de las disciplinas más cercanas de la fotografía de la naturaleza es la fotografía de la vida en miniatura. Basta una pequeña salida al campo para encontrar saltamontes, flores, arañas, setas, líquenes, escarabajos y toda clase de seres vivos que nos permiten acercarnos más que lo que nos permitiría un zorro o un roedor. Esta característica hace que la macrofotografía sea, junto a la fotografía de paisaje, una de las preferidas por los fotógrafos que comienzan a manejar una cámara.

   Desgraciadamente, cuando uno busca información en internet, encontramos una profusión ingente de artículos en los que, salvando algunos muy elaborados e interesantes, se pueden llegar a ofrecer datos poco contrastados y se repiten otros artículos que contenían información no muy acertada. 

   Con ánimo de reunir una información útil respecto al material para iniciarse en la macrofotografía, quisiera presentaros una introducción a la fotografía macro o macrofotografía, sin grandes tecnicismos, pues ya hay algunos buenos artículos en la red, sino en un lenguaje asequible para poder comprender a grandes rasgos lo que nos ocupa y saber qué necesitamos.

Empezando

    La primera pregunta de obligada respuesta es: ¿Qué objetivo me compro?

    En fotografía veréis que hay una amplia gama de objetivos macro que podéis comprar. Son objetivos que tienen la característica de enfocar desde muy cerca y que habitualmente generan una imagen que va desde la mitad del objeto (1:2), hasta el objeto a tamaño real (1:1).

    En los objetivos macro suele poner la palabra 'Macro' en el objetivo. Esta es la manera de diferenciarlos del resto.

Focal angular o tele

    Cuando nos pongamos a mirar qué tipos de macros hay, veremos que los hay de distinta focal, desde 24mm. hasta 200mm. La diferencia está en que para sacar un objeto a igual tamaño con uno y otro objetivo deberás acercarte mucho con el de 24mm. y el de 200mm. te permitirá estar alejado, es más, el de 24mm. ni siquiera te permitirá tener el objeto a tamaño real (1:1), solo hasta 1:2,7. ¿Qué quiere decir esto? Que con un objetivo de 24mm. macro se hace un tipo de fotografía macro angular y con el 200mm. harás un tipo de fotografía macro de teleobjetivo.

    Un ejemplo: imaginaos que tenéis delante una Mantis religiosa que se ha quedado quieta como defensa para no ser localizada. 

          - Con un 24mm. macro os acercaríais casi hasta tocarla (18cm.) y sacaríais la mantis con todo el entorno que la rodea, plantas, cielo, etc. Son imágenes espectaculares en el que la Mantis aparece grande. Son objetivos que se pueden utilizar a mano, pues pesan poco.

          - Con un 200mm. macro y un trípode solido podríamos hacer un acercamiento a cierta distancia (50cm.) y sacaríamos solo la cabeza de la Mantis con un esquisto detalle, aislándola de lo que lo rodea. La Mantis podría estar en un entorno feo y nadie lo sabría. Son los objetivos de mayor calidad y mejor construcción.

Focal fija o zoom

      Otra elección que vamos a tener que hacer es si compramos un objetivo fijo o un objetivo zoom, pues hay objetivos macro de ambos tipos. 

      Mi recomendación es no comprar nunca un objetivo zoom macro, pues su calidad, por lo general, es muy inferior a la de un objetivo fijo. Los zoom son mucho más baratos, claro.

Con estabilizador o sin estabilizador

      Algunos objetivos macro tienen estabilizador de imagen para fotografías en las que, objetivo en mano, necesitamos disparar a menor velocidad para conseguir una luz adecuada. Puede ser recomendable si nunca vas a disparar con flash y no vas a utilizar trípode. Sin embargo yo recomiendo tanto el uso de flash como el de trípode para la fotografía macro, pues incrementa las posibilidades de este tipo de fotografía. Y usando flash y trípode no necesitaremos un estabilizador de imagen, que en la mayoría de los casos repercutirá en una peor calidad de imagen.

Marcas y focal definitiva

     Una vez que podemos imaginar el tipo de fotografía macro que vamos a hacer, que por lo general no suele ser la fotografía macro angular, lo habitual es que nos dejemos guiar por el precio, encontrando objetivos de entre 200 a 450€ que nos parecerán muy atractivos, con focales de 60 a 100mm.

     Aquí tenemos que tomar una primera y muy importante decisión que es la respuesta a la siguiente pregunta ¿Para qué voy a hacer fotografía macro, con qué fin? Dependiendo de la respuesta recomendaré un objetivo u otro.

     Si vas a hacer fotografía macro para ver las fotografías en el ordenador no necesitarás grandes objetivos y te podrá valer cualquier objetivo macro de la marca que sea. Aunque recomiendo por lo menos 100mm.

     Si vas a hacer fotografía macro para hacer alguna ampliación a papel, ya te merecerá la pena buscar la calidad y no te valdrá cualquier objetivo.

     Si además te gustaría presentar tus fotografías a buenos concursos de naturaleza, hacer alguna exposición, y que cuando veas tus imágenes quedes gratamente satisfecho, entonces deberás buscar gran calidad.

     Os pongo un ejemplo:

     Esta es una fotografía con un Canon 180mm. f/3.5L USM Macro, uno de los mejores objetivos macro que hay. (Tenéis que ver las fotografías a su tamaño real para apreciar la diferencia)

      

      Aunque he reducido a 1200 píxeles el tamaño de lado máximo y el original tiene 5616 podemos apreciar la gran calidad que hace que se vean detalles increíbles.

       Con un objetivo normal de gama media el resultado de la nitidez sería el siguiente siendo generosos:

      Se notaría poco si la vemos en el ordenador. Es cierto que un objetivo normal quizá no diera la calidad de este desenfoque o el color, pero si nos fijamos solo en la nitidez, aparentemente se nota poco si la vemos de lejos, por eso, si tu fin es verlas en el ordenador o hacer pequeñas impresiones caseras, no necesitarás un gran objetivo.

     Acerquémonos al 100%. Con un objetivo corriente, y siendo generosos, tendríamos este resultado (vedlas a tamaño real):

      Y con un macro de calidad este:

    Aunque no he querido exagerar mucho la diferencia, en las pruebas reales, si que aumentaría esta diferencia en muchos objetivos. Un objetivo corriente no nos valdría para concursos serios ni exposiciones y mucho menos para ver nuestras fotos y quedar plenamente satisfechos de su calidad.

    Por eso la respuesta a la pregunta sobre cuál va a ser el fin de nuestra fotografía macro es crucial.


    La calidad de un objetivo depende de muchos factores. Mucha gente por error, cuando piensa en calidad de un objetivo, piensa en su nitidez, y no es solo esto. La calidad de un objetivo reside en diversos factores como pueden ser la rapidez en el enfoque (que en fotografía macro es un poco irrelevante, ya que en la mayoría de las veces se enfoca manualmente o por acercamiento y alejamiento del objetivo), si el enfoque es interno (evita la entrada de polvo), si la construcción es de gran calidad (evita rozamientos, holguras y entrada de humedad o polvo), si las lentes son de la mejor calidad (evitan aberraciones, reflejos de luz, proporcionan gran nitidez y gran contraste), cómo están dispuestos sus botones, el diámetro de la focal, la construcción del parasol y de la anilla de sujeción a la zapata (si lleva anilla), etc. Todo esto son factores que harán que tu objetivo tenga la mayor versatilidad en el campo y la mayor calidad en el resultado final.


   Los mejores objetivos macro que se suelen encontrar son los propios de la marca de tu cámara, y casi siempre son los macros más caros. Las mejores construcciones y calidades de objetivos las encontraréis en las dos grandes marcas, Canon y Nikon.


   Marcas como Olympus, no tienen un macro 100mm. actual propio de la marca. La marca Pentax y Sony si tienen macro 100mm. de la marca. Y luego, dentro de las marcas que fabrican para otras monturas, tenemos la marca Zeiss, Sigma, Tamron, Tokina y alguna otra más, que tiene 90 o 100mm. macro.


   Dentro de las focales que debemos comprar, en seguida, si preguntáis en un foro, te recomendarán un 100mm. macro alegando su calidad y su manejabilidad. Son dos verdades. Se encuentran macros 100mm. de calidad y además se pueden utilizar para fotografiar macro a mano. Sin embargo, si queremos pedirle todo el rendimiento a un objetivo macro, no solo debemos buscar calidad y manejabilidad, sino también versatilidad. Es decir, que no tengamos que necesitar otro macro para hacer un tipo de fotografía que podríamos resolver con un solo objetivo.


   Un macro 100mm. consigue el tamaño real del objeto a unos 30cm., un 150mm. a unos 40cm. y un 180mm. a unos 50cm. Esto significa que a mayor focal podremos ubicarnos más alejados del sujeto en cuestión. Si es un insecto, tendremos menos posibilidades de asustarlo con una focal larga que con una de 100mm.


   Otro gran problema en la fotografía macro son los fondos. Muchas veces no conseguimos el fondo tan desenfocado como queremos, porque si lo hacemos, perdemos profundidad de campo en el sujeto principal. Con una focal larga, tipo 200mm o 180mm. la apariencia del fondo será más desenfocada que si lo hacemos con un 100mm., lo cual embellecerá nuestras fotografías y salvará muchas fotos que, de otra manera, quizá no nos valdrían.


   En el tema de la iluminación también será decisivo el tener una focal larga. Veamos porqué.


Iluminación


   Más tarde o más temprano nos daremos cuenta de que muchas veces, la iluminación no es la que deseamos, y nos estropea una fotografía que de haber tenido otra luz habría sido estupenda.


   Si queremos progresar en la calidad de nuestra fotografía macro, necesariamente vamos a necesitar aportar luz en muchas ocasiones.


   Uno de los flashes más recomendados en fotografía macro es el flash anular. Un tipo de flash que produce luz desde el objetivo. En mi opinión, un flash anular no es lo más indicado para fotografía macro. Podría valer para retratos en primer plano, pero para fotografía macro yo nunca lo utilizaría. El motivo es que o bien no crea sombras y elimina el volumen, o bien, si se tata de un flash anular doble, crea unas sombras con una mínima capacidad de colocación. En definitiva, es altamente desaconsejable para este tipo de fotografía. pues genera imágenes muy planas.


   Mi recomendación es utilizar flashes normales, o bien sincronizados por cable o bien por infrarrojos, lo cual es mucho mejor, y no ubicados sobre la cámara, sino de forma que creen volumen. Aquí es donde influirá el tener un 100mm. o un 180mm.


   Con un 100mm. tendremos posibilidades más reducidas de colocar los flashes, como es el caso del flash de contraluz, que se puede poner para resaltar desde atrás el insecto o la flor y que aporta una belleza especial al sujeto a la hora de resaltar su forma o sus bordes. Con un 100mm. muy probablemente se cuele luz en forma de resplandor o flare en nuestro macro con este tipo de iluminación trasera respecto al sujeto (es decir, con el flash de frente casi). Con un 180mm. o un 200mm no pasará.


   Normalmente empezaremos comprando un flash. Mi recomendación es tener flashes de la marca, del máximo alcance posible, pues nunca sabemos el área que debemos iluminar y cuánto debe predominar el flash sobre la luz natural. Estos flashes deberían poder sincronizarse entre ellos, poderlos programar a distintas intensidades y poder girar el cabezal de luz en todas las direcciones.


   El nº de flashes aconsejable es de 3 flashes. Uno para crear iluminación principal, otro para un contraluz y otro para iluminar el fondo. Como en todo, hay que empezar siempre poco a poco y nunca comprar nada que no se haya echado de menos antes.


Tubos de extensión y Convertidores de focal


   Un tubo de extensión aumenta un poco el aumento del objetivo y reduce la distancia de enfoque. Se pone entre la cámara y el objetivo. No lleva cristal. Lo único que hay que asegurarse es de que es un material de calidad y de que es perfectamente compatible con nuestra cámara y objetivo. Con él puesto perdemos el enfoque a infinito, esto quiere decir que solo lo podemos utilizar para hacer macrofotografía.


   Un convertidor de focal multiplica la focal de nuestro objetivo. Tienen cristal de por medio, pues es una lente, y debemos buscar el propio de la marca si es posible para que sea de la mejor calidad, pues al unirlo a nuestro objetivo perderá un poco de calidad. El convertidor de focal 2x duplicará nuestra focal. Si estamos utilizando un 100mm. lo convertiremos en un 200mm. bajando un poco la calidad y duplicando también el nºf mínimo. Si nuestro 100mm. era 2.8, lo convertimos en 5,6.


   En canon, por ejemplo, los convertidores de focal propios de la marca solo se pueden usar, en los objetivos macro, para el 180mm, porque funcionan a partir de 135mm. Esto significa que si al 180mm. le añadimos el convertidor de focal 2x, tendremos un 360mm. macro. En el caso de Canon, de altísima calidad.


   A parte de las principales marcas, hay otras marcas menores que también tienen convertidores de focal, como Kenko o Sigma. Aquí se resentirá un poco la calidad de nuestro macro.


   De nuevo vemos un motivo más de porqué no recomiendo macros de 100mm. si buscamos versatilidad y calidad, pues al añadir un convertidor de focal como el 2x, o nuestro objetivo tiene una calidad excepcional, o la imagen no será del todo nítida y al final no usaremos el convertidor de focal.
 
   Con el convertidor de focal 2x conseguimos un aumento de 2:1, es decir, de 2 veces su tamaño, en muchos objetivos.


   Gran parte de mis fotografías macro están a 360mm.


Soportes


    Uno de los temas más importantes en fotografía macro si lo utilizamos, es el trípode. Nuestro trípode debe ser muy robusto y con una rótula de 3 ejes (esto es lo más habitual y recomendable) o si solo vamos a hacer macro, de cremallera, que es más precisa.
 
    Un trípode de macro debe ser robusto, fuerte y bueno. Que además pueda bajar mucho hasta el suelo y poderle poner en multitud de posiciones. no existe el trípode perfecto, pero los hay que se le acercan.
    Mi recomendación es el Manfrotto 055XPROB u otros de igual calidad y distinta marca, y la rótula de 3 ejes, no es necesario que sea la mejor del último modelo, simplemente que cumpla su función y sea precisa para bloquearla y desbloquearla.


     Existe un tipo de zapata para la rótula que se llama plato micrométrico y que nos permite, con un pequeño movimiento de rosca, desplazar la cámara adelante o hacia atrás en cuestión de milímetros con un perfecto control. Esto se usa para enfocar en el punto exacto que queremos, lo cual, sin este tipo de zapata, es muy difícil, ya que la profundidad de campo de los objetivos macro es muy pequeña.


Reflectores y difusores


     Para reflejar la luz cuando usamos un solo flash o cuando queremos dar una luz suave, usamos un reflector o un difusor. El reflector rebota la luz y el difusor hace que pase la luz a través de él. Yo uso un reflector plegable 5 en 1 de 100cm. Tiene reflector dorado, blanco, plateado y difusor, y es altamente recomendable, pues además es barato. Lo podemos encontrar fácilmente en Ebay


    También uso muy a menudo como difusor de mis flashes, un folio pegado con celo. Es una maravilla para suavizar la luz.


Recomendaciones finales


    Os recomiendo ahora los objetivos suponiendo que buscáis la mejor calidad y versatilidad o lo más aproximado para vuestra marca.


    Si usas Nikon, recomiendo el Nikon 200mm. f/4 Micro, o si no hubiera más remedio, el Sigma 150.


    Si eres de Canon, el Canon 180mm. f/3.5L USM, o si no hubiera más remedio, el Sigma 150.


    Si eres de Sony recomendaría el Sigma 150mm. o el Sony 100mm.


    Si eres de Olympus hay un Sigma 105 para 4/3 y objetivos antiguos.


    Si eres de Pentax te recomiendo el Sigma 150 o el 100mm de Pentax. También estaría el carísimo Zeiss 100mm. entre los de buena calidad.


    Otras marcas muy extendidas como Tokina o Tamron, no las recomiendo como primera opción para macrofotografía. El Tamron 90 es un objetivo que da buena nitidez, pero sufre de aberraciones cromáticas. Su construcción no es de gran objetivo, pero las aberraciones cromáticas es muy probable que se puedan solucionar con Photoshop. Es un objetivo que no recomiendo por lo corto de la focal, por las aberraciones y por su construcción, que hace que el objetivo se alargue y acorte al enfocar.


     Si vuestra fotografía macro no va a ser elaborada o no le vais a exigir mucho. Cualquier macro 100mm. os vale, sabiendo que hay mejores calidades y peores. Intentad ir primero al propio de la marca de vuestra cámara, y sino a Zeiss, Sigma, Tamron o en último caso Tokina. 


    Lo que considero un error grave es comprar un macro pensando que más adelante compraréis uno bueno. En mi opinión es un error, porque por no esperar, te gastas el doble de dinero. Es mejor esperar e ir a por el bueno más adelante. Las prisas en fotografía suelen desembocar en errores. Se ha de pensar  cada compra con gran detenimiento.

Naturforo: El foro de Fotografía de Naturaleza

       

        Os presento el primer foro de Fotografía de Naturaleza de ámbito nacional de España. Inaugurado hace apenas unas horas, pretende ser un centro de unidad e información de todos los fotógrafos de naturaleza profesionales y aficionados.

        En el foro encontraréis información sobre el material necesario para la fotografía de naturaleza, así como técnicas sobre cómo fotografiar en cada ámbito. Se pondrán las últimas noticias sobre fotografía de naturaleza, así como cursos y concursos, vídeos de formación, tutoriales, asociaciones y sus actividades, entrevistas a los fotógrafos más importantes de España y artículos suyos... en definitiva, todo lo que necesitamos para estar relacionados entre nosotros y para ayudarnos mutuamente.

        No es un foro corriente, no encontraréis fotografías comentadas, para eso ya existen otros foros de fotografía. Además, se ha seguido una ordenación desde cero, sin tomar como referencia la ordenación habitual de todos los foros. En seguida percibiréis que es muy fácil llegar al tema concreto que necesitamos, sin tener que acudir a los molestos buscadores, que nos devuelven cientos de referencias de las que uno no sabe realmente por cuál empezar. Para favorecer esto, cada tema tiene su lugar, sin aglutinar temas. 

        Varios ejemplos, si queremos buscar una capa de camuflaje para hacer fotografía de aves, podremos ir directamente a la carpeta 'Camuflaje' del apartado 'Material de Fotografía de Naturaleza'. Si queremos hacer una pregunta sobre cómo hacer fotografía macro, iremos a 'Modalidades y Técnicas' y a la carpeta 'Fotografía macro'. Si queremos buscar qué concursos de calidad de fotografía de naturaleza va a haber en 2012, en su momento aglutinaremos toda esta información en la carpeta 'Noticias sobre concursos y exposiciones', de la carpeta general 'Noticias'.

        Algo muy interesante es que la iniciativa de 'Un Año de Fotografía' tiene su propia carpeta con todas las sesiones colgadas, para que no tengáis que dar vueltas por internet. La encontraréis en la sección de 'Modalidades y Técnicas', en la carpeta 'Fotografía de Naturaleza en general', en 'Tutoriales', y ahí encontraréis la carpeta de 'Un Año de Fotografía'.

        De momento solo hay unos 150 temas empezados, porque esto acaba de empezar, pero con vuestra ayuda y el trabajo de todos, vamos a hacer de Naturforo, algo útil e interesante.

        Como siempre os pido vuestra ayuda para que le deis el máximo de publicidad a todos aquellos que les pueda interesar, en vuestro Facebook, Twitter, etc...

        El enlace,... pinchando el logo de Naturforo de arriba, claro.

        Gracias por vuestra fidelidad.

Práctica Fotográfica nº13

Ya está disponible al Práctica Fotográfica nº13, esta vez por Cantabria y Asturias.

Espero que os guste

Expresión de Autor: Ana Retamero

    Ana Retamero es profesora de Biología. No es profesional de la fotografía, sin embargo, si lo fuera, la única diferencia, es que tendría más tiempo para hacer fotografía, pero nada más, pues actualmente atesora en su haber una larga lista de premios justamente recibidos por su gran trabajo fotográfico.

    Aún con todo, no son los premios lo que me ha llevado a incluir a Ana Retamero en esta exclusiva lista de fotógrafos de la sección 'Expresión de Autor', sino su virtud fotográfica más destacada: Su visión fotográfica.

    No es fácil definir a una fotógrafa por su trabajo, pero si tuviera que definir la característica más importante de esta autora, es que: 'Sabe ver'. Sabe ver lo que a muchos se nos escaparía, los pequeños detalles, la relación entre las formas, lo que la naturaleza esconde.

    Como veréis, al igual que Jonathan Lhoir, la fotografía de Ana Retamero no es por lo general un tipo de fotografía que requiera materiales fotográficos tan caros que podamos pensar que su trabajo está reservado solo para los que tienen un buen desahogo económico, no. La fotografía de Ana es sencillez, elegancia y estilo, y eso no se compra, se lleva dentro y se puede educar. De ahí que haya elegido a esta estupenda fotógrafa para que juntos podamos aprender un poco de ella.

    Como hice en mi primer post de 'Expresión de Autor' empezaremos por las fotografías más asequibles para todos, e iremos poco a poco creciendo en complejidad.

    Ana Retamero

     Paisajes

     Empezaremos por la sección de espacios naturales

     Primera

 

     Una sencilla toma en la que la combinación de varios factores produce un resultado muy satisfactorio.

     Para hacer una fotografía así, o bien te la encuentras ya, o bien se encuentra el lugar y luego más tarde se acude con la luz que uno busca. Según ella misma nos cuenta, le gusta esperar a tener la luz adecuada a lo que ella pretende expresar.

     La luz de esta fotografía es una luz lateral de atardecer o amanecer. Este tipo de luz, además de embellecer el conjunto con tonos cálidos, produce sombras muy alargadas y laterales, que combinadas con las formas, pueden crear escenas muy peculiares donde a penas unas horas antes no parecía haber nada interesante. Ya tenemos nuestra primera enseñanza para hoy: En la medida de lo posible, debemos hacer la fotografía solo con la luz adecuada a nuestros fines. Debemos buscar esa luz o esperar a que se dé el momento, y no aventurarnos a hacer la fotografía con la luz que tenga. Hay que preguntarse si con una luz distinta la escena mejoraría.

    Pero no solo la luz es un valor en esta fotografía. El sujeto principal, la planta, está ubicada en el primer plano, jugando con la cercanía a la cámara y con las líneas que la propia duna tiene. Las líneas nos crean sensación de profundidad, y dirigen la mirada desde la planta hasta que la vista termina con la parte superior de la fotografía, como indicando que la duna continúa. Esas líneas, además, nos indican soledad, aislamiento, pues no hay ninguna pisada ni ningún otro ser vivo salvo la planta del primer plano.

    Esta fotografía, puede lanzar un mensaje de angustia, si a uno le causa dificultad la soledad, o de paz, si uno disfruta en ella, por eso, las fotografías no acaban en la cámara, sino que continúan formándose hasta llegar al espectador, que es quien las acaba con el resultado final que ha producido dicha fotografía en él. Lo que a uno le ha sugerido angustia, a otro le ha sugerido miedo, y a otro paz o serenidad. Esto es muy importante conocerlo, pues la fotografía no es hacer 'click' con la cámara. Eso es hacer fotos, pero no fotografía. La fotografía es arte si se cuida y se trabaja, y el arte es comunicación y mensaje, ya sea para bien o para mal.

     Fijaos que manera más sencilla de mandar un mensaje el de esta fotografía. Simplemente tenemos que cuidar los detalles, fijarnos y pensar qué nos sugiere una situación concreta que vemos en la naturaleza o de qué manera podríamos expresar algo concreto modificando la ubicación de la composición o la luz.

     Respecto al material para hacerla, no necesitaremos mucho. Podríamos hacerla con una compacta, y de ahí para arriba, claro. Una fotografía al alcance de todos si vamos aprendiendo poco a poco a saber ver.

Segunda

   

      Vemos ahora una fotografía de bosque. Las fotografías de bosque siempre son difíciles, pues la maraña de árboles dificulta mucho una composición ordenada de los elementos, y todo resulta más caótico para nuestra percepción. Dentro de esa complejidad, estamos ante una fotografía que ha sabido ordenar los factores individuales hacia una sensación de conjunto muy interesante.

       Lo primero que percibimos, es que la fotografía está dividida por el verde de los alcornoques y el amarillo de los helechos. Todo ello salpicado por los troncos descorchados y oscuros que rompen la horizontalidad en favor de trazos verticales que no son al hazar. Si os dais cuenta, Ana se ha posicionado de tal manera que los troncos, por un lado forman como un triángulo que dirige nuestra vista hacia el centro, y por otro crean una línea de izquierda a derecha, que se aleja y consigue que acabemos mirando al árbol de la derecha. Una composición que no es fácil de ver.

       Es importante la división entre los 2 colores, porque eso crea una sensación de sencillez en el conjunto, que un bosque, por la maraña de árboles, no tiene habitualmente. Hay una armonía en el conjunto que ha sido buscada adrede para estabilizar un poco la imagen.

      Quizás no lo habéis notado, pero parte de la calma que transmite esta foto, a parte de ser por la simetría creada, le viene dada por la luz de día nublado que tiene. Esta misma fotografía, con luz dura de medio día, habría sido terrible. Esas luces también las debemos buscar y esperar a que sucedan.

       Esta es otra toma que se puede hacer con una compacta, pero ahora bien, hay que saber verla. Podríamos pasar por este sitio y no ver esta fotografía. La experiencia y el ir muy muy atentos a todo lo que nos rodea, nos llevará a descubrir lo que está oculto a los ojos inexpertos.

      Nuestro posicionamiento en el lugar es crucial. No es lo mismo un lugar, que un paso más adelante o hacia atrás, o desplazarse un poco a la izquierda o agacharse para cambiar el punto de vista. Hay que probarlo todo en cada ubicación e ir descubriendo cada posible imagen en la naturaleza. Siempre valorando mucho cómo va a quedar el fondo respecto al motivo principal.

      Detalles

      Si hay algo en lo que  destaque la fotografía de Ana Retamero es en los detalles, es quizás el motivo por el que ha entrado en esta selección, por su capacidad para recoger el detalle con gran inteligencia.

      El detalle es un tipo de fotografía al alcance de todos, quizás más destinado a las reflex, pues con las compactas podemos acceder al detalle, pero con mucha profundidad de campo. Hay que saber buscar y encontrar. Una cámara reflex normal nos permitirá acceder al detalle, sin embargo, si no hemos visto lo oculto, perderemos ese momento. La cuestión es ejercitarse en mirar detenidamente todo en nuestras salidas al campo, y ver la relación de las cosas en su entorno.

Tercera

 

     Esta fotografía es un acercamiento macro, pero no es una fotografía sencilla como pudiera parecer a simple vista. No consiste en verlo, acercarse y pulsar el botón. La fotografía lleva la perfecta melodía de la composición, algo que debemos aprender a tocar.

     Fijémonos lo primero en la luz. Una luz extremadamente suave, perfecta, que invita a algo agradable, muy acorde con lo que estamos viendo. Esta armonía encaja perfectamente con la textura. La planta tiene una textura como de algo suave, como algodón o seda. Una luz dura no hubiera favorecido nada esta sensación. Si nos encontramos esta planta en agosto a las 16:00 de la tarde podemos poner un difusor encima y nos suavizará la luz. Esa es la ventaja de poder modificar los parámetros de luz en los objetos pequeños. Algo que muchas veces es recomendable: cambiar la luz que hay.

     El tono también favorece el conjunto. Es un color ocre apagado, claro, sin sombras.

     El fondo grisáceo también acompaña a toda la fotografía y encaja hasta confundirse con la misma planta.

     Otro factor interesante, la disposición de los tallos, que crean líneas que dirigen la mirada hacia un punto concreto, fuera ya de la imagen, pero alineado en perfecta armonía, que nos indica que toda la planta surge de un único tallo.

      La profundidad de campo permite un cierto desenfoque del fondo, que hace que se pierda la imagen hacia un infinito. Es una imagen etérea, que da paz, armónica, en abanico.

      En definitiva, una fotografía trabajada.

      En todos estos factores tenemos que poner la atención antes de que la adrenalina del momento nos haga disparar nuestra cámara. Hay que pararse, pensar, buscar distintos fondos, distintos puntos de vista y alturas. Crear distintas composiciones, sin el conformismo de hacer la primera fotografía que hayamos visto. Pararse, intentar descubrir si podemos crear expresividad, mensaje, comunicar algo.

       La fotografía es esto, un trabajo anterior al momento del disparo. Un trabajo que no se ve, pero que en el resultado final se percibe y hace transmitir algo en la fotografía final.

Cuarta

   

      Esta fotografía es también otro de esos detalles que hay que saber ver. Aparentemente es una situación que estamos hartos de ver en los campos. En este caso, en un campo de trigo, sin embargo, sabiendo componer adecuadamente, podemos resaltar algo que en el conjunto pasa desapercibido, pero que ante los ojos que lo saben ver, descubre la belleza de la naturaleza.

      De nuevo la luz es suave, y da un aspecto pictórico a la escena. Ante un campo seco de trigo, una pequeña zona tiene todavía color, el color verde, rojo y amarillo que podríamos encontrar a principios de Junio en nuestros campos.

      La reducida profundidad de campo nos ayuda a crear profundidad, con espigas desenfocadas en primer plano y al fondo.

      De alguna manera, el color seco de las espigas rodea al verde. El color verde nos habla de esperanza, de ilusión, a cada uno le transmite sentimientos diferentes. Si os dais cuenta, de nuevo la imagen comunica un mensaje. Algo seco que rodea a algo con vida. Los significados acabarán con lo que a nosotros nos transmita.

      La foto está aislada del resto del paisaje, porque el resto no importa, ni cielo, ni caminos, lo que importa es esa pequeña parte. Para este tipo de fotografías yo uso mucho el Canon 70-200 f/2.8, que da gran nitidez y desenfoca con muchísima belleza. Aquí un teleobjetivo medio nos será muy útil.

     Esta fotografía no es apta para todos los tipos de cámaras, porque solo con una reflex y un teleobjetivo en condiciones conseguiremos esa reducida profundidad de campo.

Quinta

     

       Esta tampoco es una fotografía al alcance de todas las cámaras. Se necesitará una reflex. Está realizada con un teleobjetivo de focal larga, así se consigue una mínima profundidad de campo. Es muy probable que con el diafragma totalmente abierto.

      De nuevo, el sujeto principal queda aislado mediante el pasto seco que lo rodea. La mínima profundidad de campo ha hecho que todo esté desenfocado, salvo una pequeña parte del sujeto principal.

      Como recomendación para estas fotografías, debemos procurar que el sujeto esté perpendicular a nosotros, para que, aunque todo esté desenfocado, el plano que forme el sujeto principal esté enfocado. Si la planta estuviera en el mismo eje que nosotros, veríamos enfocada solo una flor, y el resto estarían totalmente desenfocadas.

       Otra recomendación para la composición es intentar que los distintos elementos queden separados siempre que sea posible. En este caso, cada flor está prácticamente separada de la otra, y no se interponen o se ocultan unas a otras. Hay veces en las que no es posible, pero si lo es, debemos procurar que el resultado final no cree confusión y no se mezclen elementos.

       De nuevo vemos que Ana ha elegido la luz suave, que es la que más conecta con esta imagen tan delicada.

Sexta

   

       Ahora subimos en complejidad. Ya para los fotógrafos de aves.

       Vemos una imagen sencilla en elementos. Se ven 2 alcatraces con su magnífico plumaje.

       La gran virtud de esta fotografía es el paralelismo entre ambos ejemplares, que se complementan y dejan cerrada la imagen, es decir completa. No es necesario ningún elemento más.

       Para hacer este tipo de imágenes hay que tener equipo en condiciones para estar camuflado y poder llegar con tu focal al animal y a sus detalles, y requiere mucha paciencia y tiempo empleado. No son fotografías casuales, sino buscadas en las que se han previsto las condiciones y se ha preparado todo a conciencia.

       Normalmente requerirá de una cámara que pueda disparar ráfagas de fotos y procesarlas internamente de modo rápido.

Séptima

     

        También sobre aves. Con esta fotografía Ana me ha dejado boquiabierto. Cuando escribía este post puse que era un detalle muy interesante el que se vieran las nubes detrás de las cigüeñas, que indicaba que era un lugar alto. Cuál fue mi sorpresa, cuando al pedirle permiso a Ana Retamero para utilizar sus fotografías me explica que lo que se ve al fondo no son nubes... sino olas, espuma de las olas del mar. Ciertamente me quedé impresionado. La intención de Ana era crear el efecto de nubes, y ya lo creo que lo ha conseguido. Es imposible saber que son olas. Además, da la sensación de estar en un lugar altísimo, situación no muy habitual en un nido de cigüeña.

        Como veis, la inteligencia aplicada a la fotografía es un factor crucial para una buena fotografía.

        La composición con el motivo principal entra por la zona inferior derecha hasta la mitad de la fotografía, y permite que se vean las olas por la izquierda y por arriba. La disposición de los nidos y de las cigüeñas crea una línea que sube de izquierda a derecha, en una estampa muy típica de estas aves, salvo por la sensación de altura que da.

        En este caso tenemos luz dura, que permite resaltar más todavía el volumen de las nubes del fondo y el color de los picos y las patas.

       Sin duda, una toma ingeniosa al máximo.

Octava

        


        Otra fotografía de aves. Vemos como juega con el reflejo, parte muy importante de esta fotografía. pero además, ha captado la pata trasera saliendo del agua, lo que crea la sensación real de que el correlimos está corriendo, a parte de que está en el aire. La luz del sol ha iluminado perfectamente al correlimos, y toda la escena rebosa sencillez captando rápidamente la atención hacia el sujeto principal y lo que está haciendo.

         Como veis, la sencillez es una virtud de buen fotógrafo.

Novena

     

         Esta fotografía rebosa ingenio. Ved como, alterando la luz, ha conseguido crear un centro de interés magnífico. La flor no está captada en su totalidad, Ana ha preferido jugar con tres líneas de sus colores de manera que creen una composición que parte de la zona de luz y se expande hacia afuera.

         El enfoque está perfectamente ubicado para que se vea la textura de las paredes de la corola de la flor, resaltada por esa luz que sale de dentro, como si fuera el paso a otra dimensión. Es una fotografía espectacular. Me parece de un ingenio tremendo.

Décima

        Esta fotografía no es tan espectacular como otras, pero su composición merece un comentario. Son hojas de nenúfar, pero Ana ha jugado con el agua alrededor e incluso con el agua que ha entrado en una de las hojas. Las líneas o mejor dicho, curvas, tienen un orden, se nota que la fotografía está realizada con intención y que la autora ha buscado esa sensación. Si nos ponemos a imaginar, puede parecernos la silueta de un ave en vuelo.

        Debemos preocuparnos mucho de la composición de nuestras fotografías. Si os dais cuenta conseguiréis buenas fotografías donde aparentemente no hay nada.

 Acabando

        Aunque Ana Retamero tiene muchas más fotografías, no os voy a comentar todas. Entrad en su web e id analizando su trabajo, ya veréis como con ingenio y visión fotográfica, conseguimos aprender mucho de su forma de fotografiar.

        Con esta autora, hoy os he querido mostrar principalmente la importancia de saber ver los detalles y de no incluir muchos elementos en una fotografía.

        Os dejo el enlace a la página de Ana Retamero:

        http://www.anaretamero.com


        Un Saludo a todos y mi agradecimiento a Ana por la colaboración con sus fotografías.

Nuestra obra en papel

   
     Recomiendo leer mejor este otro artículo que he actualizado posteriormente y que os ayudará más:

     http://fotografiacarlosdorado.blogspot.com.es/2013/05/impresion-de-nuestra-obra.html

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     Una de las batallas pendientes que desde hace tiempo tenía, era la impresión de mi propia obra a papel.
     Es una tarea que da pereza hacer por primera vez, pues aunque he leído algo en la teoría, la práctica siempre me cuesta mucho.
     Ahora, en estos días, he tenido la oportunidad de informarme de primera mano, y he ido a una de las tiendas más importantes de impresión fotográfica de Madrid: Fotosíntesis (también conocida como Clorofila Digital).

     Había una imagen que desde hace tiempo quería imprimir, y un buen día, cogí el coche, me acerqué a Madrid y llegué a la tienda.

     No sé porqué razón pensé que al ser tan novato me tratarían mal, y sin embargo, fue todo lo contrario. No intenté dármelas de sabiondo y nada más llegar dije sin más miramientos:

    - Buenos días, venía a informarme sobre tipos de impresión digital sobre papel y soportes. No tengo ni idea sobre el tema.

    Inmediatamente me sacaron una carpeta en la que iban impresas distintas fotografías, cada una en uno de los papeles que trabajan, con la información de qué tipo de papel era y qué gramos tenía.

     En esta tienda trabajan con las marcas Camson y Hahnemühle. Yo les pregunté por la marca Endura, y me dijeron que Endura no es una marca, sino un tipo de papel de Kodak. Con lo cual dejé patente no solo mi inexperiencia, sino también mi ignorancia. Aunque no trabajan con Kodak,  puedes llevar el papel que quieras que te lo imprimen.

     Afortunadamente, las distintas visitas a esta tienda me han servido para aprender ciertas cosas que sin duda, os servirán a vosotros para tomar decisiones o tener un primer acercamiento a la impresión a papel.

     Una de las chicas que atiende me explicó que en cuestión de marcas, todas tienen sus papeles estrella que tienen garantía de durabilidad y calidad en el acabado final, con lo que la diferencia entre marcas es mínima, ya que todas compiten por tener papeles de alta calidad.

     Tras una detenida observación de cada papel viendo su brillo, su tonalidad, su rugosidad y grosor, elegí el papel a mi gusto e hice la impresión, que quedó magnífica.

     Ahora bien, tranquilos que no os voy a dejar así sin explicaciones.

PRESENTACIONES

     Poniendo el baremo en conseguir un acabado óptimo de calidad, podemos decir que para la presentación de nuestra obra tenemos 2 tipos de papeles:

     - Papeles RC.
     - Papeles de algodón.

     El papel RC se presenta en brillo o en mate y es más barato. Es el papel fotográfico por excelencia, sin rugosidad. Da calidad suficiente como para exposición o venta de obra al público. Es el elegido por muchos fotógrafos de naturaleza para venta de sus obras.

     El papel de algodón puede ser más o menos liso o presentar rugosidad. Es más caro, incrementa un poco los tonos cálidos en el acabado final (lo cual hay que contrarrestarlo en el jpg que entreguemos). Es más elegante y da sensación de lienzo. Es extremadamente delicado, pues ponerle un dedo encima implica una posible mancha de grasa, y un pequeño roce crea facilmente un rayajo blanco. Es recomendado para exposición siempre que el autor vigile la manipulación de la obra en todo momento para que nadie la toque sin guantes ni la golpee, así como para exposiciones donde la obra esté protegida del público para que no la toque.
     En el papel de algodón encontramos diferentes gramos de grosor, pero todos tienen igual precio.

     Dependiendo de cómo sea nuestra fotografía le pegará más un RC o un Algodón. Con la experiencia veremos qué colores destacan más en un papel u otro, y cual se adecua más a nuestros gustos.

     Una vez que hemos elegido donde queremos imprimir nuestra obra, podemos decirle a la tienda que se encarguen de elegir el perfil de color (que lo hacen muy bien), o preguntarles qué perfil usan y llevar nuestra foto con ese perfil (lo cual es más complicado aunque nos aseguramos de que quedará exactamente igual que como lo hemos visto en casa. Para esto debemos tener un monitor bien calibrado en casa, claro). Yo recomiendo darles una primera oportunidad, y si lo hacen bien, trabajar siempre de manera que se encarguen ellos del color.

      Debemos entregar nuestro jpg en AdobeRGB98 si queremos que se encarguen ellos.

      Sobre la pregunta de si imprimir en brillo o en mate, la respuesta irá a gusto del autor. Se recomienda no usar brillo para obra fija, pues se crean brillos difíciles de evitar. Sin embargo para un portfolio, el brillo incrementa la belleza de la obra, y siempre la podemos mover con la mano para mostrarla.

SOPORTES

      El siguiente paso es ver qué soporte queremos para nuestra obra. Podemos llevarnos la fotografía tal cual, y luego en la tienda que más nos guste enmarcarla a sangre (a ras de foto) o ponerle paspartú, que queda más elegante, o podemos hacerlo todo directamente en la tienda para asegurarnos de que nadie más va a tocar nuestra obra con el correspondiente peligro de dañarla.

      Los acabados son numerosos, pero los que más nos pueden interesar son el enmarcado a sangre (que no queda muy bien). El enmarcado con paspartú, que queda más elegante, o dejar la fotografía sin marco. Sea como sea, la fotografía tiene que ir pegada sobre un soporte para darle consistencia. Ese soporte puede ser de 2 tipos:

      - Foam
      - Dibond  (algo más caro y más resistente)

     El Foam no es más que cartón pluma. Un tipo de cartón que pesa muy poco y provee de un soporte a nuestra obra.
     El Foam sin marco no queda bien, pues se ve el cartón, sin embargo, para una exposición en la que nuestro presupuesto esté ajustado, puede hacerse sin marco. No es lo mejor, pero es lo más económico.

     El Dibond es un soporte de 2 láminas de aluminio cuyo interior va en polietileno y le da una consistencia rígida, con cierto peso y durabilidad. Suele ser el elegido para venta de obra, y se puede presentar con marco, lo cual es algo absurdo, pues se puede hacer más barato con Foam, o se puede presentar con bastidor, que es una especie de marco de madera u otros materiales que va detrás del dibond y no se ve. Su función es separar nuestra obra de la pared y a la par poder colgarla. Queda muy elegante.

      En el caso de que quisiéramos tener un portfolio para presentar, con tener las fotografías en papel RC, sin ningún tipo de soporte nos bastaría.

PRECIOS APROXIMADOS

      Hablemos de precios aproximados. A continuación os pongo lo que cuesta hacer este tipo de impresiones con sus soportes, e incluso lo que costaría un portfolio y las reproducciones de una hipotética exposición fotográfica.

     Copia RC 50x70:  35-40€
     Copia RC 70x100: 75-80€

     Papel Algodón 50x70: 70€
     Papel Algodón 70x100: 110€

     Si queremos poner nuestra obra sobre un soporte tendremos unos precios aproximados a esto:

     Copia RC 50x70 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio:  100-105€
     Copia RC 70x100 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio:  180-185€

     Papel Algodón 50x70 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio: 135-140€  (precio similar al Dibond)
     Papel Algodón 70x100 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio: 215-220€

     Papel Algodón 50x70 sobre Dibond 3mm. con bastidor de madera:  135-140€
     Papel Algodón 70x100 sobre Dibond 3mm. con bastidor de madera: 230-235€ 

     El Papel RC no lo montan sobre Dibond con bastidor.

     Como veis no estamos hablando precisamente de precios asequibles, sin embargo, la calidad de la obra vale el precio que pagas.

      En el caso de que quisiéramos hacernos un portfolio para llevar nuestras fotografías en una carpeta adecuada y poder presentarlas, un precio orientativo sería el siguiente para, por ejemplo, 15 fotografías:

      15 Copias RC 30x40: 300-305€

      Y en el caso de que quisiéramos hacer una exposición en el soporte más barato que hay, que es foam, y sin marco, tendríamos un aproximado como el siguiente. Pongamos para 15 fotografías:

      15 Copias RC 60x80 sobre foam 10mm: 1165-1170€

      He aquí la importancia de conseguir patrocinadores para nuestras exposiciones.

      Respecto a la manera de entregar la fotografía en la tienda, podemos hacer la fotografía sin márgenes, es decir, a sangre, o incluir en nuestra imagen un borde blanco a nuestro antojo, imitando un paspartú, midiendo bien la cantidad de borde blanco que ponemos y sus proporciones, para que haga de fondo a nuestra fotografía y la separe de la textura y color de la pared en la que la colguemos, o para que se vea la textura del papel si utilizamos papel de algodón. La inclusión o no de un marco vendrá determinado por nuestros gustos, aunque es recomendable que si lo hacemos, tenga un color de la gama que incluye nuestra fotografía.

      PREFERENCIAS SOBRE ACABADOS

      Mis preferencias sobre acabados es papel de algodón montado sobre dibond con bastidor, en el que la fotografía que entrego, tiene un borde ancho blanco proporcional en toda la fotografía, que permite ver la textura del papel y su calidad.

      Así es como quedaría:

         
        Esta imagen que veis, mide, incluido el borde blanco, 66x90 y lo que es la fotografía mide unos 50x76. Es un papel de algodón Hahnemühle German Etching (310gr.) montado sobre un dibond con bastidor. Ha costado en total unos 230€.

       No lo haría de esta manera para una exposición, pues sería cuestión de minutos que alguien arruinara la obra al tocarla o que un transportista o la persona encargada de ponerla la rayara con una hebilla de la chaqueta. La calidad es altísima, pero también su fragilidad. Solo haría una exposición así si me aseguraran que la manipulación va a ser por profesionales y la gente no va a poder tocar la obra. En caso de que estas condiciones no fueran posibles, es mejor hacerlo en papel RC, que siempre se puede limpiar algo con una toallita de microfibra para gafas.

        Os pongo un par de fotografías para que veáis lo que es un bastidor, una especie de marco que va detrás del dibond y separa la fotografía de la pared.

     

   

        Otro acabado muy elegante es con papel de algodón, un pequeño borde blanco después de la fotografía para mostrar el papel, paspartú en consonancia con la tonalidad de la fotografía y enmarcado en madera o aluminio de un color acorde al conjunto. En este caso podemos utilizar de soporte un foam o un dibond, pues no se va a ver. Elegiríamos el foam si va a ir colgado desde el marco o dibond si vamos a ponerle bastidor.

      PROTECCIÓN Y TRANSPORTE
   
        Si vendemos nuestra obra deberemos enviarla de manera que esté muy protegida, no solo con papel acolchado, sino incluso con estuche protector que se puede hacer comprando a parte foam.

        Muy importante la empresa de mensajería por la que lo mandamos. Lo ideal es llevarlo nosotros, pues aún con estuche, el conjunto es muy muy delicado. Si podemos hacer un seguro de paquete con la mensajería con la que lo mandamos, tanto mejor. Sin las precauciones adecuadas, nuestra obra puede llegar marcada y totalmente estropeada, pues un simple arañazo implicará la devolución de la obra. Así que hay que tener extremo cuidado con esto.

        En fin, espero haber aclarado algunas dudas que pudierais tener sobre este tema y animaros a hacer vuestras propias ampliaciones.