lunes, 26 de noviembre de 2012

Tu Foto Comentada


AUTOR: Antonio Martínez Tomás


Cámara: Sony Cybershot DSC-HX9V
Focal: 4,3mm (equivalente a 24mm en un sensor de 35mm)
Abertura:  F/8
Velocidad: 1/30
ISO: 100

Balance de blancos en nublado
Luz suave de un día nublado.
Sin trípode

Especie: Diplotaxis erucoides

Sus páginas:

         http://jumillanatural.blogspot.com.es/

         Facebook

         http://whytake.net

         http://www.fotonatura.org

         http://www.fotonat.org



COMENTARIO

    Hoy, Antonio nos presenta una fotografía diferente, original y elaborada. 

    Ha realizado una toma con una compacta aplicándole movimiento giratorio y acercándose mientras la hacía. El resultado es excepcional, porque compositivamente es perfecta. Ha tenido la genialidad de no centrar el eje de giro y éste queda a un lado, resaltando más si cabe la espiral que se forma al realizar la toma a 1/30, así consigue crear interés donde no lo había, pues era un día nublado y a la vez, la especie no es de especial belleza. Sin embargo el resultado final es impactante y supera la realidad, porque este efecto no es visible en la realidad, hay que crearlo. Es este el momento en el que la fotografía se convierte en arte, porque ya no vemos solo lo que hay, sino lo que ha creado el autor. Su expresión.

    No tengo más que palabras de alabanza ante esta fotografía, pues es un poco lo que busco que aprendamos todos, la creatividad en la sencillez, y la toma expresa precisamente esto.

    Como una idea por si puede ayudar, yo realzaría el contraste para destacar más las líneas de fuerza que crean las sombras, de este modo:


    Así potenciamos la sensación de impacto y vida de la toma.

    Una manera de hacer una versión que os animo a todos a realizar, es hacer una fotografía como esta con flores de diferentes colores. Ya veréis qué resultado más impresionante.

    Siempre debéis cuidar que la luz no sobrexponga y no sea excesivamente dura. Es mejor que sea suave para luego poder contrastar, o que apliquéis ligeramente luz de flash.

    Mi más sincera enhorabuena a Antonio.

    Un saludo a todos.

200 Seguidores


    Ya se ha superado la friolera de 200 seguidores en el blog.

    Os doy las gracias a todos los que seguís mis recomendaciones fotográficas y divulgáis el blog. Sin vosotros, esto no tendría sentido.

    UN FUERTE ABRAZO A TODOS!!

domingo, 18 de noviembre de 2012

Tu Foto Comentada


AUTOR: Rosa Rodríguez

Cámara: Canon EOS 1000D
Objetivo: 70-300
Focal: 70mm.
Abertura: f/4
Velocidad: 1/1000
ISO: 200

Sin trípode

Lugar: Lagunas del Ruidera.


COMENTARIO

    Tenemos hoy una fotografía de las que solemos hacer cuando vemos algo que nos gusta y queremos llevarnos el recuerdo. Lo primero que debemos recordar es que no es lo mismo lo que sentimos ante un paisaje en el mismo momento en que lo estamos viendo, oyendo y oliendo, que cuando luego vemos la fotografía que hemos hecho en aquél momento. La realidad es mucho más que la ficción, aunque en la ficción se pueden destacar aspectos que no eran perceptibles en la realidad, por eso la fotografía puede abrirnos a un mundo distinto.

    En una fotografía, es muy, muy importante que haya un sujeto extraordinario o una situación fuera de lo común, porque sino la fotografía no tiene atracción. En el caso de esta fotografía vemos que es un paisaje bonito, pero normal, con luz normal y sujetos normales, lo que hace que no tenga una especial atracción al ojo humano.

    Normalmente lo que tiene menos interés y no cabe otra forma que dejarlo en el encuadre, debe ocupar el menor espacio posible. Aquí no hay nada con especial interés, con lo que es difícil decir que podría quedar fuera. La composición, en este sentido, podría estar así bien. Lo que más valoro en la fotografía es que al dejar el primer plano, aunque se ve poco, desenfocado, conseguimos que la fotografía de sensación de profundidad. Es el valor más importante a destacar.

    En los embalses y lagunas debemos buscar lo extraordinario, que muchas veces viene marcado por un amanecer enrojecido o un atardecer sublime, pero poco más, pues un pinar, aporta un color muy pobre a la fotografía. Además la tierra se ve muy seca, lo que le resta belleza al conjunto.

    Respecto a la luz, al ser directa del sol, es muy dura, y eso genera sombras excesivas que también le restan belleza.

    Ante la pregunta sobre porqué esta fotografía no acaba de trasmitir fuerza, debemos ver todo este conjunto de factores que comento: falta de sujeto principal, luz dura, paisaje seco, empobrecido, árboles muy parduzcos, falta de un punto especialmente atrayente o de interés.

    Es una fotografía de las muchas que hacemos al principio de aprender fotografía. Yo tuve muchas como esta, cuando no sabía porqué unas fotografías funcionan y otras no. Ahora, sabiendo esto, podemos ir buscando en nuestras fotografías, estos factores que os he comentado. Seguro que si lo hacéis así poco a poco iréis comprendiendo qué hace grande a una fotografía y lograréis fotografías llenas de vida. Ánimo y un saludo.

domingo, 14 de octubre de 2012

Tu Foto Comentada


Autor:  KINOUE OCHIHA

Cámara: Nikon D7000
Objetivo: 18-105mm.
Focal: 18mm.
Abertura: f/11
Velocidad: 1/100
ISO: 200

Sin trípode

WEB: http://quehorasson.blogspot.com.es/


COMENTARIO

        Qué alegría me da el volver a esta sección. Por fin alguien recuerda que existe. Ja, ja. Y no es porque no tuviera tiempo de hacerla, sino porque nadie mandaba fotografías.

        Finalmente Kinoue se ha decidido valientemente a retomar esta sección, y por ello le doy las gracias.

        Hoy os muestro una fotografía bonita. Un paisaje al que vamos a ir desgranando para encontrar una composición adecuada.

        En primer lugar, para afrontar una fotografía tenemos que buscar si hay algún punto de interés que, como tal, destaque con diferencia del conjunto, o si por el contrario estamos ante una fotografía que busca crear una sensación de un lugar concreto. A primera vista no encontramos un sujeto destacable sobre el conjunto, por lo que estamos ante un paisaje que busca la sensación de lugar.

        Lo segundo que debemos buscar, dividiendo la fotografía por zonas, es qué partes son las más fuertes en cuanto a belleza e impacto visual:

        - El cielo no es un cielo especial. Las nubes lo embellecen un poco por la zona de la derecha, sobre todo al fondo, pero no aportan una gran belleza.

        - Los 2 árboles principales tienen belleza, no excesiva como para impactar, pero tienen belleza.

        - El caballo es uno de esos factores cruciales que rompen la monotonía de un paisaje. Nos crea una sensación de que es un lugar de paz. Al ver un caballo comiendo plácidamente hierba pensamos en la paz del lugar. A ninguno se nos ocurriría pensar (que podría ser), que detrás del caballo hay una central nuclear o un nucleo urbano densamente poblado. No, el caballo aporta sensación de paz al conjunto, con lo cual, aún siendo pequeño en el encuadre, vamos a otorgarle un punto importante dentro de la composición.

        - El agua con el reflejo de los árboles y las hierbas asomando es un factor muy importante de relleno, que aporta belleza, sobre todo por el reflejo, que siempre es un factor a destacar.

        - El primer plano con el cardo intenta aportar sensación de profundidad, sin embargo, es un elemento carente de belleza, y el resultado final va a ser que reste belleza al conjunto, con lo que sería mejor no incluirlo. El primer plano es lo primero que vemos. Si es una planta, es mejor que tenga flores. Si es una piedra es mejor que tenga brillos o líquenes que aporten color. Es decir, el primer plano no debe dejar indiferente, sino que, al ser lo primero que vemos, debe impactar más para predisponer al espectador para una gran fotografía.

        Resumiendo, el primer plano nos resta belleza y sería deseable dejarlo fuera de nuestro encuadre. El cielo tampoco aporta mucho, con lo que es mejor evitar las zonas sin nubes.

         El exceso de luminosidad del cielo se puede embellecer y oscurecer con un polarizador. Dando un poco de efecto, pero sin que se queden las esquinas negras, pues eso denotaría un exceso de polarizador y una falta de dominio de éste. También, aunque menos deseable en este caso, se podría dar un poco de efecto en el cielo con un filtro degradado, aunque ennegrecería mucho por arriba y sería demasiado evidente su uso.

          La solución más efectiva es reducir el tamaño de cielo que sacamos en el encuadre.

          ¿Qué zonas tienen todo el interés? Los árboles y su reflejo y el caballo.

          Así, la composición que os propongo, basándome en esta fotografía, sería esta:




         
             Si os fijáis, incluimos solo los motivos que tienen más fuerza en la composición. Si además llevara polarizador, el resultado hubiera sido muy satisfactorio en la zona del cielo, aunque hubiéramos podido perder los reflejos. Habría que probar en el lugar y en ese momento para saber a ciencia cierta cuánto polarizador podríamos poner.

            Me pedía Kinoue que comentar algo sobre el límite de sobrexposición de las cámaras.

            Cuando hacemos una fotografía en RAW, la fotografía resultante y el histograma que vemos en nuestra cámara son de un JPG que hace el software de la cámara desde nuestro RAW, ya que el RAW son solo datos sin imagen de salida con los colores como los vemos en la realidad. Esto quiere decir que aún cuando en nuestra cámara pone que estamos en el límite de sobrexposición, todavía podemos darle uno o varios pasos más de luz, ya que la información que nos ha dado no es del RAW, sino del JPG, que sobrexpone antes.
             Haciendo estas pruebas y anotándolo para que no se olvide, podemos ver cuántos pasos más aguanta nuestra cámara antes de que verdaderamente sobrexponga. Para eso, primero hacemos una fotografía en el límite de sobrexposición. Nos aseguramos de que no ha sobrexpuesto, y después, bajamos un escalón la velocidad y hacemos la fotografía. La cámara ya nos dirá que sobrexpone, da igual. Bajamos otro escalón la velocidad y hacemos otra foto. Así podemos hacerlo hasta 5 veces.
             Una vez en casa veremos que usando el camera raw o el programa que usemos, podemos recuperar en la zona de los blancos, varias de las fotografías que la cámara nos decía que estaban sobrexpuestas. Lo mejor es coger la fotografía que más luminosidad haya recogido, porque es la que más información de tonos, color, etc. tendrá. Luego, en el procesado ya bajaremos la luz hasta donde queramos, pero sabiendo que hemos aprovechado bien toda la capacidad de captación de nuestro sensor. Ese es el truco de la medición.
             Una vez que sabemos que podemos subir 3 o 4 escalones más a partir de cuando la cámara nos avisa de sobrexposición, ya podemos medir siempre así y aprovechar bien nuestra cámara.

             Y nada más, espero haberos ayudado.

             Un saludo a todos.
           

Limpiar el sensor y cambiar objetivos


En este vídeo os explico cómo saber si necesitamos limpiar el sensor, cómo limpiarlo adecuadamente y cómo cambiar los objetivos con rapidez para que entre la menor cantidad de polvo.

Espero que os ayude.


Magic Lantern. Una aproximación


En esta ocasión os acerco a Magic Lantern, un programa de firmware, es decir, lo que controla nuestra cámara. Está operativo para algunos modelos de Canon y merece mucho la pena instalarlo.

En este vídeo os explico cómo y os muestro alguna de sus muchísimas funcionalidades.




lunes, 24 de septiembre de 2012

¿Problemas con la distancia hiperfocal?


   En el mundo de la fotografía de naturaleza hay algunos conceptos que se suelen atravesar al entendimiento y a la práctica. Uno de ellos es la distancia hiperfocal, que nos sirve para saber, al enfocar a algo concreto con un diafragma concreto, qué va a salir enfocado y qué no.

   Muchos fotógrafos llevan tablas y programas en el móvil que les dicen, para un objetivo y una focal, cual es la distancia correcta en cada caso.

   La experiencia me ha enseñado a desechar todo aquello que se pueda suplir de manera más sencilla, por eso no suelo usar tablas ni programas en el móvil.

   Habitualmente la distancia hiperfocal la uso para fotografía de paisaje, con el 17-40mm. y es muy normal que utilice más los 17mm. del objetivo.

   Como nº f empiezo siempre por f/8, ya que da la mayor calidad del objetivo. En un paisaje normal en el que enfocamos unos metros por delante, este nº f os valdrá para muchas fotografías. El fondo no estará perfectamente nítido, pero por la pequeñez de los detalles de las cosas lejanas, al ver la fotografía no lo notaremos salvo que queramos hacer grandes ampliaciones.

   Si quiero incluir un elemento en primer plano, subiré primero a f/13, y si el fondo queda demasiado desenfocado llegaré hasta f/16 y nunca más, porque además de no ser necesario, empeora la calidad de la imagen con efectos que a veces resultan desagradablemente patentes.

   Ahora bien, el truco de la cuestión es enfocar bien para maximizar la profundidad de campo, es decir, lo que vamos a percibir como 'enfocado'.

   Para enfocar, tenemos que enfocar un poquito después del objeto en cuestión.

   Por ejemplo, para un primer plano con una roca, debo enfocar 30 o 40cm. después de la roca. Nos sorprenderá ver que en la fotografía resultante, la roca está enfocada. Esto es porque, aunque el enfoque más nítido lo hemos puesto después de la roca, el desenfoque producido hacia nosotros ha sido mínimo todavía en la zona de la roca, y nos da sensación de estar perfectamente enfocado.

   Otro ejemplo, imaginemos que no tenemos un primer plano, sino que es una fotografía para crear sensación de lugar. Podemos enfocar 4 o 5 metros delante nuestro y ver el resultado. Normalmente, nos quedaremos con esa fotografía, porque la sensación de conjunto es de que está perfectamente enfocada.

   La práctica os hará ver que esto se repite casi siempre y que se hacen innecesarias las tablas y diversos programas en los móviles en la mayoría de las situaciones. Cuando hayáis ensayado bien esto, podréis saber si algo va a salir enfocado a un determinado nº f solo con evaluar la escena, incluso si es de noche.

   Así, resolvemos los dolores de cabeza que puedan derivarse del lío de las distancias hiperfocales.



   EJEMPLOS:

    - 37mm.   f/13



     - 17mm.   f/4



       - 17mm.   f/8



         - 70mm.  f/13



          - 17mm.   f/14



          - 23mm.   f/8





      Un saludo a todos.


sábado, 22 de septiembre de 2012

sábado, 15 de septiembre de 2012

I Edición Premio Naturforo 2012



Se convoca la I Edición Premio Naturforo 2012 de Fotografía de Naturaleza. Un concurso nuevo que pretende reunir lo mejor de vuestro trabajo.

Entrad en la web e informaros, porque este promete ser un gran concurso.

viernes, 14 de septiembre de 2012

Construir un Teleflash

   Hace tiempo que colgué un post sobre cómo construir un teleflash, ahora os dejo la versión definitiva, mejorada y funcional. Su precio en el mercado es de unos 65€. Con este invento nos costará unos 3€.

   Espero que os guste:

domingo, 19 de agosto de 2012

Fotografía Submarina

   La fotografía submarina es otra de esas modalidades fotográficas que requiere saber antes de fotografiar, la disciplina de saber hacer submarinismo. Este tipo de fotografía nos puede desanimar al pensar que tendremos que aprender 2 cosas muy diferentes, pero merece la pena si se tiene algo de tiempo, y sobre todo, si se vive en la costa.

   Para aprender, hoy os recomiendo el blog de Victor Tabernero. Con él no solo se 'aprende', sino que se 'sabe', que no es lo mismo. En cuanto entréis a su blog os daréis cuenta de que sabe muchísimo de lo que habla y enseña muchísimo de lo que sabe.

   Aún sin tener pensado aprender fotografía submarina, se aprenden cosas útiles para la fotografía, por eso os lo recomiendo vivamente, así como ver sus fotografías.

   - Fotografía Submarina

Fotografía de Cuevas

   El mundo de la fotografía de naturaleza abarca muchos, muchísimos ámbitos del tesoro natural que tenemos en el mundo. Uno de estos ámbitos que es muy desconocido, y sin embargo espectacular, es la fotografía de cuevas: La Espeleofotografía.

   Es una modalidad que requiere no solo conocimientos de fotografía y del manejo de la luz, sino también, de conocimientos reales de espeleología.

   Para iniciarse en este mundo, lo mejor es conocer a alguien que comparta ambas aficiones y las practique con autoridad. Por eso hoy os quiero presentar Espeleofoto, un blog en el que podréis ver el estupendo trabajo de un grupo de espeleólogos fotógrafos, que sin mayores pretensiones que las de mostrarnos el mundo oculto que se esconde bajo nuestros piés, intentan mostrar que el suelo no solo son piedras, y que la belleza no solo está en el exterior.

   Con ellos, podréis iniciaros en este tipo de fotografía y os podrán asesorar para fotografiar cuevas con seguridad en los lugares en los que viváis.

   Espero que os guste:

   - Espeleofoto

jueves, 9 de agosto de 2012

¿Para qué sirven los ppp (dpi)?

   Os dejo un excelente artículo de Daniel Arenas Pintado sobre los puntos por pixel de una foto, más conocidos por ppp o dpi.

   Merece la pena conocerlo.

   - El Mito de los 72 dpi

sábado, 16 de junio de 2012

¿Porqué mis fotografías no son tan buenas como las de los demás?


INTRODUCCIÓN

      Comenzar en el apasionante mundo de la fotografía de la naturaleza supone, la mayoría de las veces, una batalla que se libra muy en soledad. A pesar de los mil y un trucos sobre cómo aprender fotografía que deambulan por Internet, la verdad es que no es como aprender inglés o piano. Normalmente no hay academias de fotografía en nuestras calles, y mucho menos, que sean económicas. Si uno se deja aconsejar por foros y amigos, conseguiremos aprender muchas reglas y trucos que, mezclados, pueden acabar desembocando en que aprendamos a un ritmo lento y desordenado.

      Yo en mis comienzos tuve suerte. Un fotógrafo me regaló el libro “El Fotógrafo en la Naturaleza” y eso me enganchó definitivamente. La paciente guía de su autor me ha ido llevando en estos 3 años y medio, y la iniciativa “Un Año de Fotografía” ha conseguido afianzar con mayor seguridad los primeros conocimientos que tenía. Esto me ha hecho avanzar más de lo que hubiera pensado en un principio, y aunque mi obra probablemente no llegue a estar nunca a la altura de la de un buen fotógrafo de naturaleza, ahora, cuando veo mi fotografía, ya no tengo la sensación de que es un desastre, sino que me emociona como cuando veo imágenes de mis autores favoritos.

      Queriendo encontrar qué ha cambiado en mi manera de ver y fotografiar, escribo este sencillo post, pues puede ser un apoyo y ayuda a nuestra fotografía, sobre todo si estamos empezando o si estamos algo estancados.

      Me pregunto ¿Qué tiene una fotografía para que nos llegue al interior? Porque en nuestra fotografía concebimos las imágenes no como instantáneas aisladas de un momento, sino como instantáneas en las que queremos dejar una huella personal, y una huella en el espectador, una reflexión, es decir, que pretendemos acercarnos al arte, pero a la vez lanzar un mensaje para que la gente ame y conserve lo que mostramos. Para llegar a esto, una imagen memorable debe tener algo que siempre perdure.

      Dentro de esta búsqueda, hay una frase que siempre me ayuda a no perderme en fotografías sin alma, cuando el panorama a mi alrededor me desespera y trato de hacer una imagen cueste lo que cueste: “Si no hay belleza… no hay belleza”. Nos puede suceder que el día no nos ofrezca las imágenes que deseábamos y es entonces cuando forzamos la imagen para llevarnos ‘algo’. Cuando he hecho esto, al final acabo borrando aquella imagen forzada, que con el paso del tiempo, y una vez asumido que esa fotografía no trasmite nada, nos hace darnos cuenta de que fue una imagen nacida del empeño, pero no de la belleza de un momento.

      Fruto de un momento forzado, por ejemplo, es esta imagen:


 


      La fotografía está forzada. Cegado por buscar una composición con perspectiva, olvido que no hay belleza ni en el suelo, ni en los árboles, ni mucho menos en el cielo. Un suelo verde no justifica una fotografía. Si no hay belleza… no hay belleza. Este puede ser un punto donde abrir camino. Si aprendemos bien esta frase, no exagero al decir que nos ahorraremos tres cuartas partes de nuestras fotografías. Sobre todo en los comienzos.

      La fotografía hay que buscarla. Puede que nos la encontremos de golpe, pero lo habitual es salir a buscarla o prepararla adecuadamente. Volveremos muchas veces al mismo sitio y nos iremos sin una fotografía que nos satisfaga, pero si sabemos buscar con perseverancia el momento de luz y del sujeto, la composición adecuada y encontramos la belleza que buscamos, tendremos esa fotografía que al principio parece imposible y un día acaba en tu cámara.

      Dando un paso más, supongamos que hemos encontrado belleza en una flor, en un paisaje o en un animal. Esto abre la posibilidad de que podamos hace una buena fotografía, pero para nada lo asegura. Otra frase para recordar podría ser "Una zona bonita no significa que sea fotografiable".

      ¿Quién no se ha maravillado ante la vista de un puerto de montaña, un bosque o un paisaje nevado? Hacemos la fotografía, y al llegar a casa y verla en el ordenador, notamos que ha perdido toda la fuerza. Pensemos que en el momento de hacer la fotografía no solo percibimos con la vista, sino con el resto de sentidos, y a la vez que vemos el paisaje o el ave o la flor, estamos oliendo, sintiendo el aire, escuchando la naturaleza… la imagen siempre será menos, por eso no podemos dejarnos llevar simplemente por la belleza y el conjunto, sino que es necesario expresar en la fotografía la sensación del momento, y eso no siempre se puede.

      Un ejemplo de entorno bonito, con belleza, pero que le falta algo, sería este:


       


        En esta fotografía vemos belleza, una cierta composición, pero le falta algo, algo importante. 

    Viendo esta realidad, que es muy común, y que impide avanzar a muchos fotógrafos en sus comienzos y a otros les deja estancados durante años, veo que en toda fotografía hay factores que se repiten. ¿Qué encuentro siempre en las imágenes que me atraen?

      En las fotografías que me atraen encuentro siempre: Belleza, Composición y un concepto amplio que podría llamar Momento. Estas 3 características juntas nos pueden proporcionar una gran fotografía, a mi entender.


BELLEZA


      La belleza es fundamental en una fotografía. Si lo que vamos a fotografiar no tiene una gran belleza, no hagas la fotografía más que como mero documento. Por ejemplo, una zona típica de pinar español. El pino tiene un color pardo, oscuro, sin vida. Los bosques de pinos son bonitos a la vista, pero no tienen gran belleza. Una fotografía sin más de un bosque de pinos te defraudará como norma general.

      Otro ejemplo son las zonas de montaña como las que normalmente hay a lo largo de la península ibérica. Una fotografía de las montañas sin más, simplemente porque están bonitas, nos dejará una fotografía corriente que no dirá nada, salvo que la zona sea de especial altura, como el Pirineo, los Picos de Europa, etc, pero tampoco será una maravilla si no contamos con más factores.

      En esta fotografía tomada desde el mirador de Arenas de Cabrales (Asturias), tenemos belleza y composición, pero el momento no acompaña. Una foto que solo se puede salvar haciendo un virado a blanco y negro, y aún así, no será una gran fotografía.


    



COMPOSICIÓN


      La composición nos enseña a ubicar los elementos en nuestro encuadre. Se aprende composición viendo buenas composiciones, comprendiendo los conceptos y practicando mucho.

      Para componer, aconsejo ver la imagen como un conjunto de geometrías. La composición lanza un mensaje subliminal a nuestro cerebro, que nosotros no sabemos percibir más que con detenimiento, pero que nuestra consciencia percibe en el mismo instante de ver una fotografía. Esto hace que nos atraiga de sopetón, o que no nos diga nada.

      ¿Qué vemos en la anterior imagen del mirador de Arenas de Cabrales? El macizo principal forma claramente un triángulo al que se le ha cortado el extremo superior. Las luces y las sombras también forman parte de la composición, y sería un error pasarlas por alto. El sol crea una especie de 'C' estirada en la zona derecha del macizo, y la sombra le corresponde con la misma forma. Eso, que a simple vista no se percibe, nuestro cerebro lo ve ordenado o desordenado, según compongamos. Si nos paramos a pensar, una 'C' tiene un extremo que empieza por la derecha y acaba por la derecha, es decir, las dos puntas de una 'C' miran a la derecha, señalan a la derecha. Uniendo cabos, vemos también que el corte superior del macizo es de izquierda a derecha (que es como leen nuestros ojos) y va subiendo. Esto significa que también se crea una línea que señala a la derecha. Por eso, nuestra fotografía está pidiendo que se vea la zona de la derecha, porque el objeto principal de la fotografía tiende a dirigir la mirada a la derecha.

      ¿Podemos componer la fotografía de manera que se vea la zona de la derecha? Habrá que analizar qué tenemos a la derecha. Vemos que la zona de la derecha también tiene líneas que acompañan a lo dicho anteriormente, con lo cual, reforzaremos esta sensación visual sin problemas. Si a pesar de lo dicho, la zona derecha no reforzara al macizo principal, tendríamos un problema, y la imagen perdería fuerza, por eso no siempre se debe componer así, sino cuando todos los factores acompañan.

      Por otro lado, y dependiendo del caso, es interesante que se vea lo que rodea al objeto principal, con lo cual podemos afrontar la imagen en vertical o en horizontal. Hacerla en horizontal habría supuesto más de lo mismo: montañas y más montañas. Como la imagen no tiene 'momento', trato de buscar factores que añadan interés al conjunto. Para eso, hago la fotografía en vertical, intentando mostrar la profundidad. Al hacerla vertical puedo captar más variedad, e incluso cosas más cercanas, como el bosque. Sin embargo, el bosque está muy feo, y no me interesa que destaque mucho, pero sí que se vea algo para crear un cambio de tono que rompa con la monotonía azulada de las montañas y el cielo.

      Del cielo, también incluyo una parte proporcional, aunque veis que no tiene ninguna belleza. Ni éste, ni el bosque.

      La composición de esta fotografía está bien, pero nos falta belleza y momento... pero ¿Qué es el momento?


MOMENTO


      El momento es lo que hace que la fotografía tenga algo especial. La belleza puede haberla o no, componer lo podemos hacer siempre mejor o peor, pero el momento es crucial, y se da en contadas ocasiones. Aquí, el fotógrafo aficionado tiene las de perder, pues el momento se encuentra con mayor frecuencia en quien más sale a fotografiar, y en quién sabe buscar con inteligencia y preparación. El fotógrafo profesional que se dedica a ello, si sabe buscar, encontrará momento en más ocasiones.

      El momento no es solo una cabra montés justo en el momento de saltar, o una araña en el momento de cazar. El momento comprende muchos factores. De los más importantes son: cómo incide la luz en la escena y qué tipo de luz tenemos.
      En paisaje, el momento puede ser una ola que estalla en los acantilados, puede ser un cielo encendido en naranjas y rojos, o un increíble cielo azul que hemos acentuado (con discreción) mediante un polarizador. Una espesa niebla es un factor creador del más interesante de los momentos. El momento nos habla de algo ‘poco habitual’ pero real. Algo que hace que la persona que ve la fotografía sienta que lo que ve es importante para la vida y debe preservarse.












     En fotografía de fauna, el momento puede ser una expresión animal, un momento de caza, pero no solo. Puede ser una luz especial que incide sobre el animal, o puede ser ese mismo animal bajo las gotas de lluvia.

      La fotografía de aves desde hide está muy controlada, y debemos aprovechar los flashes para iluminar fondos y para resaltar a los sujetos evitando luces excesivamente duras de sol directo, o luces excesivamente planas de flash frontal, así crearemos una luz natural que realce la belleza del fondo y a la vez dé volumen al sujeto principal.

      En muchas ocasiones no podremos controlar la luz, y dependerá solo de nuestro ingenio y de nuestros intentos. No es lo mismo fotografiar un animal con luz de amanecer, con cielo nublado o sol, o incluso por la noche. Podremos sacar momento de cada situación si verdaderamente lo hay o si verdaderamente podemos crearlo.









      En fotografía de flora e insectos es más difícil encontrar el momento, y para ello recomiendo crear el momento mediante luz. Muchas fotografías macro, por no decir la mayoría de lo que vemos por internet, son planas, insulsas, como bajo un interminable cielo nuboso. A veces uno se escuda en que queremos una luz suave, pero si no creamos algo de volumen en el sujeto principal, todo parecen fotografías como sin vida, sin alma. Crear volumen no está reñido con las luces suaves, pero hay que saber hacerlo. Realzar la figura de una flor o un insecto con flashes, de forma discreta, creará momento en nuestra fotografía, al igual que cuando se hace fotografía a una persona en estudio.

      También, en este tipo de fotografía, el fondo nos ayudará a crear el momento, dejándolo más claro o más oscuro mediante flash o mejor aún subiendo el ISO y aprovechando la luz natural, eligiendo una zona en la que el fondo no reste belleza al conjunto.

      Aunque es bastante feo un fondo nítido y distractivo, tampoco es obligatorio dejarlo siempre totalmente difuso. En unas fotografías ayudará, pero en otras ayudará crear un fondo menos difuso cerrando un poco más el diafragma y así permitimos que las líneas del fondo acompañen a la composición. Para saber qué le viene mejor, podemos hacer ambas fotografías: con el fondo difuso y menos difuso. Una cosa tenemos que tener en cuenta, el fondo nunca puede distraer del sujeto principal, y además, no solo no debe distraer, sino que tiene que acompañar, crear armonía con sus líneas, para que sea complemento y ayuda al momento general de la fotografía.

      Todo esto nos ayudará a crear lo que es un verdadero momento en nuestra fotografía.












      Por último, debemos saber que un buen fotógrafo de naturaleza no es solo el que hace fotografías buenas, sino el que además, sabe seguir sorprendiendo con el paso de los años.

      Es importante que nuestras galerías, exposiciones y publicaciones no sean un compendio de buenas fotografías todas iguales o similares que nos acaben encuadrando en ‘El fotógrafo de amaneceres’, ‘El fotógrafo de las arañas’ o el ‘Fotógrafo de la niebla’.

      La belleza, composición y momento están también en el conjunto de nuestra obra, no solo en cada fotografía indivicualmente. Buscar nuevas luces, nuevos colores, nuevos sujetos y una nueva expresión, será una riqueza para el fotógrafo y para la fotografía de la naturaleza.

      Afortunadamente, todos tenemos mucho que ofrecer.









sábado, 2 de junio de 2012

Práctica Fotográfica nº15 en HD

   Ya está publicada la Práctica Fotográfica nº 15, esta vez en HD para aquellos que preferís verlo en el televisor de casa. Lo he tenido que dividir en 3 partes, porque la duración total es de 1 Hr y 47 m. y salían muchos Gb. de datos.

   Espero que os guste y os ayude.

   Aquí os dejo el enlace:

   http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

miércoles, 23 de mayo de 2012

Calidad del Canon 400mm. f/5.6L USM

 
    Algunos de vosotros me habéis preguntado por la calidad de este maravilloso objetivo.

    Os dejo 2 muestras a tamaño real con la Canon 5D Mark II. (Las pongo en Flickr, porque blogger las reduce de calidad).

    La primera es sin convertidor de focal. Tal y como da la calidad el objetivo:

 
    La segunda es con el convertidor de focal 2x de Canon:

    Canon 400mm. f/5.6L USM + Canon 2x converter

    Podéis ver la gran calidad que da este objetivo.

    Aunque parezca increíble, yo he tenido en mis manos un Canon 300 f/2.8L y todavía mejora la calidad mucho, pero el 400 es más asequible económicamente, claro.

    Como divertimento os propongo que busquéis una abeja en la primera fotografía. A ver si la encontráis.

    Un saludo a todos.

Práctica Fotográfica nº 14

Ya está subida la Práctica Fotográfica nº 14.

Espero que os ayude.

Un Saludo

jueves, 26 de abril de 2012

¿Ajuste zonal o ajuste de niveles?

   Uno de los temas más controvertidos y debatidos en el mundo de la fotografía de naturaleza es el momento después de la fotografía: el procesado. Dado que la fotografía de naturaleza es muy distinta a otro tipo de fotografía, el momento del procesado es crucial para sacar el máximo provecho a nuestras fotografías, pero ¿Dónde ponemos el límite en el procesado? ¿Debe haber límite con respecto a otras modalidades fotográficas?

   Uno de los fines comunes que más buscan los fotógrafos de naturaleza es mostrar la realidad. Pero este no es el único fin. Otros, fotógrafos buscan crear una realidad distinta a la que había alterando la luz y tonos puntualmente. En la derivación de uno u otro fin encontraremos nuestro procesado. En ambos procesados encontraremos quién nos publique las fotografías y quién nos permita participar en concursos. Encontraremos también quién nos permita hacer exposiciones y podremos encontrar quién reconozca el mérito de nuestra obra.

    En este sentido, encuentro 2 formas (mayoritarias) de procesar nuestras fotografías de naturaleza:

    - El ajuste de niveles (Promovido por José B. Ruiz)
    - El ajuste por zonas (Promovido por José Mª Mellado)

    El ajuste de niveles trata de mostrar la realidad de lo que había, intentando mejorar lo que la cámara no ha sabido captar por los límites de la tecnología.

    El ajuste por zonas trata de crear una nueva realidad en la luz y tonos de la escena, para impactar al espectador y conectar con él, intentando generar una sensación fuerte.

    El ajuste por zonas suele ser impactante en las luces, mientras que el ajuste de niveles busca el impacto en la escena tomada en el momento de hacer la fotografía.

    Yo me decanto por el ajuste de niveles para fotografía de naturaleza, pues intento mostrar lo que hay, pero eso no significa que sea mejor o peor. Es una manera de hacerlo, que a mi juicio, requiere más de la pericia y el mérito de quién no tiene más estrategia que la cámara y lo que pueda captar en el momento con los medios que tiene. Es un reto, un juego, es lo más parecido a la fotografía en sí, sin alteraciones posteriores.

    Os pongo un ejemplo de 3 fotografías. La primer muestra la imagen tal y como sale de la cámara:


    La segunda es la que yo haría, eliminando el viñeteo y dándole el color que había en el momento de la toma, ajustando también el contraste de la escena para que se asemeje a la realidad:


   El tercer ejemplo es el ajuste por zonas, en el que se controla luz, color, tono y todos los factores zonalmente, es decir, el cielo por un lado, las rocas por otro, el agua por otro lado y el suelo por otro. Permite controlar la imagen a la perfección y alterar cada factor dando un aspecto impresionante, pero alejado de la realidad:


    Como veis, el ajuste zonal es muy tentador y puede crear un estilo propio en nuestra fotografía de naturaleza. A mi me gusta emplearlo más en fotografía no de naturaleza, en la que no busco mostrar la realidad. Hoy en día, muchas exposiciones de autores famosos utilizan esta técnica.


CONCLUSIÓN

    Elegir un estilo u otro dependerá del fin que queramos conseguir. A mí me gustan mucho ambos estilos, y no pienso renunciar a ninguno de los 2, por lo que utilizaré lo que convenga a cada tipo de fotografía que haga, creo que es la opción más inteligente y os invito a conocer ambas sin hacerse esclavo de una solo.
 



martes, 17 de abril de 2012

Expresión de Autor: Isabel Díez

 
   Seguimos completando nuestra sección de fotógrafos interesantes con Isabel Díez. Una fotógrafo aficionada que crea fotografía al más alto nivel profesional.

   Al igual que Ana Retamero, es Bióloga. En mis búsquedas de buenos fotógrafos encuentro muchos que son biólogos o que casi fueron biólogos, como José B. Ruiz o sin ánimo de comparaciones... yo mismo.

   Isabel no es una fotógrafo cualquiera. Como he ido aprendiendo de la fotografía femenina, la sensibilidad de las mujeres para captar los detalles y la belleza, es un ejemplo que es necesario que todos aprendamos. No sabría decir si es mi preferida entre los fotógrafos españoles, pero no anda lejos.

   Como es intención en esta sección del blog, nuestra autora de hoy tiene fotografía asequible en cuanto a material, y factible en cuanto a posibilidades. Esto es un aliciente extraordinario para todos, pues viendo su fotografía tenemos la sensación de decir: "Esto podría llegar a hacerlo yo", y esta es la intención de este análisis, no solo buscar grandes fotógrafos, sino fotógrafos cuya grandeza, además, se plasma en saber ver la belleza cercana a nosotros. Evidentemente también tiene fotografía más compleja, pero nos ceñiremos más a lo asequible incluso para los que lleváis muy poco en fotografía.


Isabel Díez

   Isabel es básicamente una fotografo de paisaje y detalles. Vamos a hacer una visita a sus galerías que nos pueden resultar más cercanas fotográficamente.

   La galería 'Susurros desde el hielo' y 'De arena y viento' son de zonas polares y desérticas, por tanto, nos resultan muy específicas y os animo a verlas con detenimiento, pero no las trataremos aquí.

   Su siguiente galería es 'Las Montañas', una galería muy bien elaborada y muy difícil de hacer, pues en todas las fotografías se reflejan momentos de luz y nubes muy especiales. Esta galería tampoco la comentaremos, pues vamos a ceñirnos a lo que es más sencillo para nosotros.

   La siguiente es 'Materia Onírica' una galería que nos interesa mucho, pues son fotografías de olas rompiendo en la orilla a velocidades lentas. La originalidad reside en mostrar el movimiento en algo estático como es una fotografía. A la vez, huye de la nitidez habitual con la que hacemos nuestras fotografías y crea una expresión viva de la imagen que casi podríamos decir que roza la categoría de vídeo, pues tiene como movimiento y vida propia.

   Como veis, el trabajo de Isabel Díez no se mide en fotografías sueltas, como otros autores, sino que se mide en galerías, y en formas de expresar una misma idea en distintas composiciones, algo muy interesante que nos puede ayudar a nosotros a indagar sobre temas concretos en la naturaleza y técnicas específicas.

   En esta galería, la técnica del obturador lento convierte las fotografías casi en pinturas, algo que aporta belleza y que interactúa con la percepción personal de cada uno de los que lo vemos. A cada uno le puede sugerir sensaciones diferentes, y esto es algo deseable siempre en nuestras fotografías. No solo muestra la naturaleza, sino que la muestra con parte de su movimiento, generando una sensación en el espectador que le hace recordar las veces en las que ha visto esa escena a la orilla de una playa, y esto puede generar melancolía, alegría, etc..., de manera que contacta con nuestros sentimientos. A mí, personalmente me produce melancolía, pues me encanta el mar, el recuerdo de las olas, me hace recordar buenos momentos con la cámara, y desde Madrid, que está tan lejos del mar, me hace pensar en las vacaciones, en las que, si Dios quiere, volveré a encontrarme con el mar.

   La técnica para hacer estas fotografías es mediante un teleobjetivo largo y una velocidad por debajo de 1sg. El método de prueba y error nos determinará cuál es el resultado final que queremos conseguir. Se pueden hacer sin trípode, o con trípode. Se puede hacer dejando la rótula suelta, de manera que la cámara la movemos libremente con las manos, y eliminamos ciertos temblores no deseados o se puede dejar el trípode fijo en una zona concreta e ir 'cazando' olas a una determinada velocidad, para que no haya más movimiento en la fotografía que el producido por el movimiento del mar. Estoy por asegurar que este ha sido el método empleado por Isabel, aunque, con buen pulso se podrían hacer sin trípode.

   Es importante que la luz con la que trabajemos sea lateral de amanecer o atardecer, para que se cree volumen con luces y sombras. Si la luz es muy plana, el efecto queda muy reducido y poco visible. Para conseguir estas fracciones de segundo podemos utilizar un filtro de densidad neutra, o más sencillo aún, cerrar el diafragma lo que sea necesario, pues aquí no buscamos nitidez, sino el propósito del movimiento y el contraste.

   La siguiente galería es 'Bosque Templado y Lluvioso'. Es una galería de la que podríamos pasar de largo al estar hecha en una selva tropical, que nos resulta tan lejana, sin embargo, no quisiera pasar de largo sin destacar que, posiblemente, la fotografía más difícil en naturaleza, es la fotografía de bosques, pues encontrar una composición adecuada exige una práctica y buen ojo muy bien entrenados.

  Si examináis con atención cada fotografía de esta galería, encontraréis que son composiciones que agradan a la vista, pero con composiciones complejas, con muchos elementos y líneas que hacen difícil la composición en esas circunstancias. Esta es una galería para destacar especialmente por esta razón. No está de más que intentemos ver cuales son los puntos fuertes de cada fotografía de esta galería y la relación existente entre todos sus elementos. Así aprenderemos de la forma de mirar de Isabel Díez y nos servirá para intentar hacer ejercicios de composición en nuestros bosques.

   La galería 'El Borde del Mar' podría pasar como la típica galería de paisaje costero de cualquier fotógrafo, pero parémonos un momento, porque hay más de lo que se ve.

   En primer lugar vemos que no todo son amaneceres y atardeceres, como en muchos fotógrafos que solo aprovechan ese tipo de luces impactantes para realzar sus fotografías. Vemos que hay nubes voluminosas, algo muy interesante para el cielo, abundando una preferencia especial por las luces suaves. Sí es cierto que echo en falta luces duras con cielos sin nubes en prácticamente todos los fotógrafos, no solo en Isabel, que tiene alguna. Es una pena, pero también es un reto que os animo a practicar a todos: Paisajes con luces de las 12 de la mañana, no más tarde, para evitar la falta de volumen, pero desde el amanecer hasta las 12:00 de la mañana podremos realizar nuestros ejercicios y ver qué situaciones resultan. Un polarizador, discretamente ubicado, sin que los bordes del cielo azul se oscurezcan en exceso, nos ayudará mucho a embellecer las escenas ya de por sí bellas.

   Vemos también que la fotografía de Isabel Díez no consiste en un esquema fijo de una piedra u objeto aislado en primer plano y el resto después, sino que tiene primeros planos más complejos creando profundidad que se potencia con las tomas verticales. En ocasiones, el cielo ocupa solo 1/4 parte de la totalidad. Cuando hagamos este tipo de fotos debemos considerar qué parte es la interesante y qué parte tiene simplemente la función de completar la información de toda la fotografía, así no daremos excesiva importancia a algo que no debe tenerla.

   Las galerías 'Momentos de Islandia' y 'Lapland' a pesar de ser estupendas las dejamos atrás para intentar ir a la fotografía más accesible.

   'La Serie Malva' es una galería de detalles muy accesible para nosotros si encontramos una zona parecida. Es un ejercicio interesantísimo de realizar el irse fijando en distintos encuadres de detalles para ir entrenando la percepción fotográfica. Si os dais cuenta tienen pocos elementos pero perfectamente ubicados compositivamente para que guíen la vista. Lo más importante en este tipo de fotografías son las líneas que se forman y a donde llevan la vista. Incluso los cantos rodados crean senderos en formas y líneas que ayudan a la composición. Tened siempre en cuenta cada línea que se forma.

   La galería del proyecto 'Objetivo Pura Vida' también conviene verla con detenimiento, pero no nos detendremos en ella por ser de una zona selvática.

   'Conversando con el Bosque' es una galería exclusiva de bosque. La mayoría de las fotografías es en época invernal y otoñal. Como os comentaba antes, la fotografía de bosques, a mi juicio, es de lo más difícil en fotografía de naturaleza. Es raro encontrar buena fotografías de bosque que no sean con niebla, nieve o con hojas otoñales. Un aliciente para que busquemos hacer este tipo de fotografía también nosotros.

   En los bosques, las líneas las forman las ramas y los troncos. Su dirección y forma determinarán la composición a elegir. Normalmente o ponemos muchas líneas en la composición, o intentamos destacar claramente una línea que forma un árbol, que será la principal, intentando que el resto de formas de alrededor no le reste protagonismo. La manera de añadir belleza a estas composiciones tan austeras, es la coloración del otoño, la nieve y la niebla, que son las que pueden salvar una fotografía de estas características. Si no es así, necesitaremos algo que potencie la toma para crear belleza, como por ejemplo, que el suelo del bosque esté lleno de narcisos o violetas, algo que no es tan raro. Incluir un río puede ayudar a potenciar la imagen.

   La luz en este tipo de fotografías no puede ser dura, porque el rango dinámico excede la capacidad de los sensores de las cámaras. Por ejemplo, si hay nieve y un río, pero no hay niebla y luce el sol. La fotografía casi al 99% será catastróficamente común. Si no hay nieve, pero entra un sol alto, nos puede pasar algo parecido si el sol entra en el río. Es decir, los días nublados son buenos días para la fotografía de bosques.

   La última galería es la que más me gusta: 'La Fusión de los Elementos'. Es una galería de detalles de unas rocas cargadas de belleza en las que Isabel ha buscado composiciones claras jugando con el agua y una velocidad lenta de obturador, la forma y color de las rocas y los cantos rodados.

   Son todas impresionantes, y las podemos hacer con cualquiera de nuestros equipos reflex y un buen trípode. Solo hay que saber componer adecuadamente. Fijaos bien en lo que os decía de cómo las líneas juegan un papel fundamental, incluso las imaginarias creadas por el recorrido de los cantos rodados. Esta galería es de aplauso.

   Pues nada más, espero que hayáis disfrutado de la fotografía de Isabel Díez y aquí os dejo su web:

   http://isabeldiez.com/

lunes, 26 de marzo de 2012

¿Una compacta para fotografía de naturaleza?

   Estos días he tenido un viaje muy interesante, y he renovado mi compacta. No me gusta llevar la Canon 5D Mark II y todo el pesado equipo cuando salgo de viaje no fotográfico, y tampoco quiero prescindir de la oportunidad de fotografiar lo que veo, así que estuve mirando una cámara que me permitiera tener la mayor versatilidad posible para hacer fotografía de naturaleza.

   Buscando en la red he conocido http://snapsort.com/ , una web en donde poder comparar los cientos de modelos de cámaras fotográficas de las marcas más representativas, creando filtros según las características que buscamos, y ordenándolas según esos criterios de mayor a menor calidad. Todo un tesoro de web que deberíamos tener en favoritos. Quizás para fotografía reflex, que no solo dependemos de la cámara, pueda ser solo indicativo, pero en cuestión de compactas, que todo lo tenemos en la cámara, podemos encontrar en esta web una ayuda definitiva para la compra de una compacta.

    ¿Qué buscar en una compacta para poder hacer fotografía de naturaleza y qué no debemos buscar?

    Lo primero que debemos tener claro, es que una compacta no va a dar la calidad de una reflex. Esto es muy importante, porque en una compacta no buscaremos, como criterio principal, una extraordinaria calidad, sino simplemente, que sea aceptable para el tipo de cámara que vamos a elegir.

    Hay modalidades de la fotografía de naturaleza que serán difíciles de hacer, y a la vez conseguir buenos resultados, como la fotografía nocturna o la fotografía de aves en vuelo. La primera porque exige un ISO de gran calidad para poder sacar imágenes limpias, y la segunda, porque el enfoque de las compactas tiene sus limitaciones, aunque podremos hacer fotografías de aves en vuelo con práctica y destreza, ya que los enfoques contínuos están mejorando considerablemente.

    Tampoco podremos hacer fotografía macro convencional, pues aunque toda compacta tiene la función de macro, los fondos no quedan difuminados, y esto hará que nuestra fotografía macro quede reducida a unas pocas composiciones efectistas que nos resultarán buenas.

     No son cámaras de grandes procesadores, por lo que siempre tardan un poco entre fotografía y fotografía cuando se acumula trabajo en el grabado en tarjeta.

     Estos son algunos inconvenientes de las compactas.

     Ahora bien, tienen unas virtudes que hacen que para cierto sector de los fotógrafos de naturaleza, estas cámaras estén recomendadas incluso por encima de una reflex. ¿A qué personas recomendaría una compacta? A fotógrafos de naturaleza que no exijan una calidad como para hacer exposiciones, sino para ver las fotografías en el ordenador o en internet. A fotógrafos que salen y aprovechan los momentos cuando están con la familia y los niños. Es en esos momentos, cuando una reflex será más una cámara que acorte tus posibilidades fotográficas, y queda en desventaja frente a una compacta.

    No nos engañemos, en esta situación hay muchos aficionados a la fotografía de naturaleza, que se llevan su reflex en los pequeños momentos que pueden: con la familia principalmente, y que en muchas ocasiones se llevan fotografías, con su reflex, en las que los cielos quedan expuestos o los primeros planos subexpuestos. O cámaras reflex que por su peso necesitan de un trípode muy estable con el que no se puede cargar.

    En estos viajes, vacaciones  y salidas, que muchas veces son las únicas oportunidades de tener un mínimo contacto con la naturaleza, una buena compacta puede darnos tomas que jamás habríamos imaginado.

    Lo primero que he buscado en la compra de mi compacta es que tenga la capacidad de grabar los ficheros en RAW. Esto es importante para el posterior procesado.

    Lo segundo, y no menos importante, es que tenga un largo zoom, que nos permitirá hacer extracciones del paisaje sin tener que desviarnos de nuestra ruta o sin tener que acercarnos al lugar en concreto.

    Un tercer elemento a valorar, en mi caso, es que grabe en HD 1080p para poder grabar los vídeos de mi canal sin necesidad de usar la 5D. A vosotros os servirá para llevar recuerdos familiares como 2ª función, y como 1ª función os permitirá grabar comportamientos animales, que podemos captar desde lejos debido al largo zoom.

    Es importante que llegue a 1600 o 3200 ISO, aunque la calidad de estos sensores es muy limitada. También que tenga buena resolución, alto nº de megapíxeles, buena calidad imagen dentro de lo que hay, y como último requisito, me puse un límite de bolsillo para no gastar más de 400 o 450€.

    El resultado que me dio en la web fue este: http://snapsort.com - Resultado

    Me recomendaba la Fujifilm Finepix HS22, que en España se llama HS20 y es la misma.

    El segundo paso es buscar buenas reviews de esta cámara. Viendo que tenía buenas críticas, al final me decidí a comprarla y probar suerte. Ahora, he estado 4 días en Portugal haciendo fotografías y podido comprobar que esta cámara es mucho más de lo que me podía imaginar.

    Como grandes virtudes, tiene la característica de tener un zoom 4.2-126mm., que con el factor de recorte se convierte en un 24-720mm. Es tan largo el zoom, que cuando uno pasa de angular al máximo zoom, parece que nunca va a acabar. Sin embargo, lo que le convierte en un sistema especial, es que el zoom se mueve manualmente, como en una reflex, y así no gasta batería y va tan rápido como tu mano lo pueda mover. Esto es algo grandioso en esta compacta.

    La otra gran virtud es el sistema EXR, un sistema que convierte los 16 megapíxeles en 8, y en compensación, incrementa el rango dinámico hasta un punto que supera a todas las reflex conocidas. Es algo impresionante ver como una imagen, que ves perfectamente con tus ojos que tiene un exceso de sombras y de luces, que parecería imposible de fotografiar, queda resuelta perfectamente para asombro del fotógrafo. Parece una especie de HDR, aunque no toma más que una imagen. Aquí lo explica un poco.

    La pantalla digital externa se mueve en vertical. Es una lástima que no tenga movimiento en horizontal, es decir, para todos los lados, como otras, pero es así. Esto nos permitirá hacer tomas muy bajas o muy altas sin perder la composición.

    Tiene un sistema, que ya están incorporando algunas cámaras, en el que la cámara empieza a realizar fotografías desde el momento en el que se pulsa el enfoque, hasta unos instantes después de haber hecho la fotografía, para poder incrementar las posibilidades de captar el mejor momento de una escena.

     También llega a disparar hasta 11fps, lo cual nos posibilitaría hasta hacer fotografía desde hide, si en un ataque de locura nos aventuráramos a ello.

     Antes he comentado que las compactas para macro se quedan cortas, pues no desenfocan los fondos, sin embargo, a pesar de ello, la compacta de que os hablo enfoca a 0cm. , es decir, justo desde el cristal. Para que os hagáis una idea, si el cristal está con motas o sucio, puedes hacer una fotografía con las motas enfocadas. Lo que nos permitirá, aún sin poder desenfocar el fondo, buenas ampliaciones macro.

     Evidentemente tiene incomodidades, como el enfoque manual que es lioso. Sin embargo le puedes decir que enfoque a un lugar concreto de la pantalla o que busque el enfoque en el sujeto que se mueve, etc.

      Al ser lentes de calidad menor a los objetivos reflex, presentan flare con luces frontales y aberraciones en las esquinas, algo que se pueden solucionar sin problema con software.

      Además presenta las características habituales en las buenas compactas, como bloqueo de exposición, bloqueo de enfoque (algo muy útil), disparo a 2 o 10 segundos o disparo al detectar movimiento. Es perfectamente manejable con todas sus características en manual.

      Algo interesante es que usa pilas. Con unas pilas recargables podrás funcionar sin problema, algo que al no ser específico siempre lo puedes encontrar en tiendas.

      Tiene alguna otra característica curiosa como la grabación en alta velocidad, que si bien reduce la calidad, capta movimientos rapidísimos que luego reproduce a cámara lenta. Interesante para captar el vuelo de un ave.

Conclusión

   Esta compacta nos salvará de multitud de circunstancias que nos pueden surgir en fotografía de naturaleza. Podremos hacer paisaje, extracciones de paisaje, fauna lejana o incluso aves. Se puede hacer cierto tipo de macro, pues aumenta bastante, aunque con fondos nítidos.

   En definitiva, una cámara que puede cubrir todas las necesidades de un fotógrafo de naturaleza aficionado que vaya a tener sus fotografías colgadas en internet o para verlas en el ordenador y no necesite de la calidad de una reflex, y una cámara muy recomendable para el que no puede disponer de tiempo en solitario pero aún así le apasiona la fotografía de naturaleza.

    A muchos fotógrafos esta compacta les servirá perfectamente sin necesidad de más. Esto conlleva mucho menos dinero invertido en cámaras reflex y objetivos de calidad, y una manejabilidad del 100%, ya que ocupa muy poco espacio, y con un trípode pequeño podemos hasta tener estabilidad asegurada.

    En fín, aquí os dejo esta recomendación por si pudierais considerarlo como opción para vuestra fotografía. Muchas personas estarían más que satisfechas.

Muestras

    Os dejo unas muestras de fotografías tomadas con esta cámara. No son todas de fotografía de naturaleza, porque ha sido un viaje diverso, pero nos vale para hacernos una idea de lo que se puede conseguir. Muchas de las fotografías que veis estaban pasadísimas de luz con altos rangos dinámicos que el sistema EXR ha resuelto sorprendentemente:

    Muestras en Flickr

lunes, 19 de marzo de 2012

Procesar una fotografía de naturaleza

   
    La fotografía de naturaleza es completamente diferente al resto de disciplinas de la fotografía. En naturaleza, tratamos de mostrar un mundo oculto a la mayoría de las personas, y se trata de mostrar cómo es, tal cual. Por eso, el momento de pasar la fotografía al ordenador y su posterior procesado es crucial.

    Nuestras cámaras no captan toda la profundidad de luz y color que capta nuestro ojo, por eso la fotografía debe pasar por un procesado posterior que tiene como fin mostrar la belleza de lo fotografiado manteniéndonos fieles a la realidad de aquél momento.

¿Qué software usar?

   El procesado se puede hacer mediante el programa propio de la cámara o mediante otro software.

   En mi caso, uso Camera RAW, que está dentro de Photoshop, y que nos servirá, al igual que cualquier otro software, para realizar los pequeños cambios que vamos a hacer.

¿Desde qué formato de archivo procesar?

   Recomiendo vivamente, para no perder información de archivo, hacer nuestra fotografía siempre en RAW, y utilizar este archivo para el procesado. Es la mejor manera de mantener toda la información recogida en nuestra fotografía y trabajar con ella desde la menor pérdida de calidad.

Antes del procesado

   Antes de procesar, debemos tener una fotografía en la que el histograma (que es la gráfica que nos muestra la luz) esté desplazada lo máximo posible hacia la derecha, sin que llegue a tocar el borde. Esto significará que habremos captado toda la información de luz y color de la escena. No importa que esté rozando por la izquierda, pero no debe rozar por la derecha. En ocasiones, la fotografía resultante estará muy clara y pensaremos que nos hemos pasado de luz, pero si el histograma está bien, hemos hecho la imagen bien. Posteriormente en el procesado lo arreglaremos sin pérdida de calidad.


   Pongo un 2º ejemplo en el que roza por la izquierda. Esto significa que se ha llegado al negro en la sombras. Esto no es problema si está bien expuesta la fotografía. Como veis marca en color azul el triángulo superior de la izquierda, indicándonos que se ha llegado al negro, y una pequeña línea del histograma sube hacia arriba marcando la cantidad de píxeles que se han quedado en negro.



Con la imagen delante: El Procesado

    Una vez que tenemos la imagen delante abierta con el software, tenemos un conjunto de parámetros que debemos conocer bien para saber aprovechar al máximo sus variables.

    Voy a usar imágenes de Camera Raw para explicar los distintos parámetros.

    Cuando pinchamos sobre el archivo RAW se abre nuestro software de procesado. En el caso de Camera Raw tenemos lo siguiente:


       Vamos a hablar de lo esencial. Es importante que abráis la imagen en otra pestaña para que la podáis ver más grande.

       El primer parámetro que encontramos a la derecha es la 'Temperatura'. La temperatura hace referencia al balance de blancos. Lo ideal es elegir la temperatura de color cuando hacemos la fotografía, de modo manual, pero en ocasiones, si la cámara no es muy avanzada, elegir el balance de blancos modificando la temperatura puede ser un autentico calvario. Por eso, si no se puede elegir en el momento podemos modificar este parámetro ahora en el raw. También sucede que al modificar la temperatura descubrimos que queda mejor con otra temperatura que en el momento no habíamos pensado, por tanto, siempre es recomendable ver si este parámetro nos puede ayudar a dar otro ambiente un poco distinto a la toma original.

      Mover la temperatura hacia la izquierda, a valores más bajos, conseguirá enfriar la imagen a tonos azulados, y si lo hacemos al contrario aumentaremos la calidez de la toma.

      El siguiente parámetro también influye en el balance de blancos, es el 'Matiz', que como sus colores nos indican hacen virar el tono general a colores verdes o malvas. No es un parámetro que se toque habitualmente, sin embargo, en ocasiones, la imagen que hemos tomado tiene un cierto color verde que se puede compensar moviendo ligeramente hacia los malvas y viceversa.

     Es muy importante recordar el valor original del parámetro por si los cambios que hemos realizado no nos acaban de convencer y queremos volver al valor original.

     Una vez visto el balance de blancos nos encontramos con el tratamiento de la luz de la imagen.

     La 'Exposición' nos permite subir la luz general de toda la imagen en todas las zonas: luces y sombras. Es el modo correcto de tratar la luz general de la toma.

     Si hemos hecho bien los deberes y nuestro histograma ha quedado a la derecha, nunca tendremos que variar la exposición hacia la derecha. Además, mover la exposición a la derecha hace que se vaya perdiendo calidad en el conjunto, sobre todo en las sombras.

     En muchas ocasiones lo tendremos que mover hacia la izquierda porque habiendo expuesto correctamente, debemos adecuar la luz a como estaba realmente en el momento de la toma.

     El parámetro 'Recuperación' intenta recuperar la imagen si nos hemos pasado en las altas luces. No suele utilizarse mucho porque la imagen pierde viveza.

     'Luz de Relleno' ilumina los tonos oscuros, pero puede posibilitar la aparición de ruido en esas zonas, por lo que es mejor usarlo poco o con prudencia y control.

     El parámetro 'Negros' oscurece los tonos medios y oscuros. Acostumbro a dejarlo a 0 casi siempre y tocar estos tonos más adelante mediante la curva que ya explicaremos.

     El 'Brillo' es un parámetro desconocido, pues aparentemente hace la misma función que el parámetro exposición, pero no es exactamente así. Con la exposición, si la aumentamos, las luces aumentarán hasta la sobrexposición. El parámetro brillo aumenta también el conjunto, pero las luces nunca las quema o sobrexpone. El efecto de exposición y brillo, además se puede compaginar de manera que podemos subir la exposición sin sobrexponer, y si luego queremos subir más las luces podemos utilizar el parámetro brillo. Es bueno saberlo, aunque en fotografía de naturaleza puede que lo utilicemos poco.

     El 'Contraste' nos permite oscurecer los tonos oscuros y aclarar los tonos claros. Este parámetro hay que modificarlo en pequeñas dosis, y puede dar mucha vida a una fotografía si sabemos usarlo con moderación. Es muy útil.

     El siguiente parámetro es 'Claridad'. Este parámetro añade o resta profundidad a la fotografía realizando un contraste local. Es un parámetro que se usa poco en fotografía de naturaleza. Si se abusa crea halos en los bordes. Si lo modificamos hacia la izquierda da un aire idílico algo borroso.

     La alteración del color viene dada por los 2 siguientes parámetros. 'Intensidad' modifica los tonos de manera que tiene menor efecto en los que ya están saturados y altera más los tonos suaves. 'Saturación' altera los colores por igual y es un parámetro más agresivo.
   
     Un exceso en estos parámetros no da como resultado imágenes más bonitas, sino más artificiales, así que deberemos contener la emoción de sobresaturar nuestras imágenes y buscar un aspecto real para nuestras fotografías.

     Hasta ahora hemos visto los parámetros que contienen la pestaña 'Básico'. Ahora veremos la pestaña siguiente, que es 'Curva de Tonos'. En esta pestaña podemos modificar las luces, tonos claros,  oscuros y sombras mediante parámetros



      o mediante modificación de puntos que podemos mover y ubicar como queramos


       La modificación por puntos es más compleja. Yo aconsejo dividir la línea en 3 puntos, y modificar los puntos de los extremos, dejando quieto el del centro. Es un parámetro que requiere práctica y cambios pequeños para que no se alteren los tonos perdiendo calidad.

       La siguiente pestaña es muy importante, pues puede hacer que nuestra imagen gane en calidad. Hablamos de la pestaña 'Detalle'. Para utilizarla bien acercaremos la imagen al 100% hacia una zona oscura. Vemos una imagen de muestra:


      En la imagen a tamaño real, vemos que en la zona oscura tiene una mezcla de ruido debido a la luz y al color. Con los siguientes parámetros podemos modificarlo.

      Antes de esto tenemos el 'Enfoque'. Conviene que la pestaña enfoque esté entre 15 y 30 como algo normal. Si le damos más valor acentuará también los defectos. Hay que tener cuidado. Cada imagen aguanta más o menos valor de Enfoque. 'Radio', 'Detalle' y 'Máscara' nos ayudarán a afinar el enfoque.

      Vamos a arreglar ese ruido del que hablábamos. En primer lugar, subiendo la 'Luminancia' eliminaremos el ruido. Tampoco debemos pasarnos, pues le restamos nitidez. Con 'Detalle de luminancia' y 'Contraste de luminancia' afinamos el efecto del parámetro. Vemos que mejora un poco, aunque casi no se nota, porque la mayoría del ruido es de color:



       Los puntos de colores que forman parte del molesto ruido los disimularemos con el parámetro 'Color' y afinaremos más con 'Detalle de color'. Vemos el ejemplo:


       Como veis ha mejorado bastante.

       Seguimos ahora y pasamos a la cuarta pestaña, que se llama 'HSL / Escala de grises'. Esta pestaña modifica el color minuciosamente. Se divide en 3 pestañas. La primera es 'Tono', que hace variaciones en los tonos. Es una pestaña que conviene no tocar, y por otro lado no es necesaria en fotografía de naturaleza.


      La 'Saturación' nos puede venir muy bien para alzar o rebajar un color que molesta. Las cámaras de fotografía suelen sobresaturar el rojo y el amarillo. Usar este parámetro puede devolver una imagen a su color real.


     La 'Luminancia' aporta o resta luz a un color concreto. Puede ser interesante en un momento dado.

     Si os habéis fijado hay una pestaña que pone 'Convertir a escala de grises'. Con esa pestaña haremos nuestro blanco y negro siempre que queramos.


      Si modificamos los colores oscureceremos o aclararemos los tonos. Hay que hacerlo con prudencia. Yo no pasaría de un valor de 30 o -30 porque deja ruido en la fotografía. Os pongo un ejemplo exagerado para que veáis lo que puede cambiar una fotografía.


     La siguiente pestaña es 'Dividir tonos'. Yo no la uso para nada en fotografía de naturaleza. Cambia el aspecto general. Puede servirnos para blanco y negro si queremos darle un pequeño matiz de color.


      La pestaña 'Correcciones de lente' es muy importante, corrige las aberraciones cromáticas y el viñeteo. De hecho, manejar bien esta pestaña es fundamental. En esta imagen no había aberraciones, pero he movido la pestaña superior para crear aberraciones y sepáis a qué me refiero.


     Las aberraciones suelen aparecer en los extremos de la fotografía, y se corrigen con las 2 pestañas de halo que veis en la fotografía. Es muy importante aumentar la imagen al 100% porque sino se ven mal. Corregirlas es síntoma de un buen procesado. Muchas fotografías de usuarios en internet no se corrigen y las aberraciones, para el que sabe ver una fotografía, saltan a la vista.

    En la siguiente imagen vamos a ver lo que es el viñeteo y cómo corregirlo.


    En esta imagen he forzado un viñeteo artificial que se ve en el oscurecimiento de las esquinas. Cuando las esquinas de nuestras fotografías están oscuras tenemos lo que se conoce como viñeteo, y suele ser porque el objetivo lo produce o porque hemos puesto delante un filtro excesivamente grueso o un portafiltros. Podemos atenuarlo con los parámetros 'Viñeta de lente', sobre todo con el parámetro 'Cantidad'.

    Veremos ahora la pestaña 'Efectos'.


    Como veis he creado un efecto de grano en la fotografía. El otro efecto que puede crear es el de viñeta. Ambos son efectos que prácticamente no se emplean en fotografía de naturaleza.

     Tampoco se usan mucho 'Calibración de cámara', 'Ajustes preestablecidos' e 'Instantáneas'




      Si os habéis fijado, en la esquina superior derecha de cada pestaña hay un menú de opciones:


    Dicho menú nos permite volver a los ajustes originales de la fotografía, a un ajuste anterior, o nos permite crear ajustes que podemos guardar y aplicar luego a varias fotografías. Son los ajustes que aparecen en la pestaña que acabamos de ver que se llamaba 'Ajustes preestablecidos'.

     Debajo de la fotografía encontraremos también esto:


     Si lo pulsamos encontraremos los siguientes valores:


    El perfil de color, que deberá ser Adobe RGB por ser el más amplio. Si nuestra cámara lo permite, debe fotografiar de manera que el archivo resultante se muestre siempre en Adobe RGB, sino podemos estar perdiendo color. Para eso deberemos mirar la configuración de nuestra cámara.

    La profundidad en bits, que debe ser de 16 para todas estas modificaciones que estamos haciendo, pues nos permite no perder calidad en los ajustes,  y el resto que debe ser lo que ponga por defecto.

    Pues bien, este es un pequeño tutorial de iniciación al procesado de fotografía de naturaleza que he querido compartir con vosotros y que espero que os haya ayudado.