viernes 17 de febrero de 2012

¿Que necesito para hacer Macrofotografía?



   Una de las disciplinas más cercanas de la fotografía de la naturaleza es la fotografía de la vida en miniatura. Basta una pequeña salida al campo para encontrar saltamontes, flores, arañas, setas, líquenes, escarabajos y toda clase de seres vivos que nos permiten acercarnos más que lo que nos permitiría un zorro o un roedor. Esta característica hace que la macrofotografía sea, junto a la fotografía de paisaje, una de las preferidas por los fotógrafos que comienzan a manejar una cámara.

   Desgraciadamente, cuando uno busca información en internet, encontramos una profusión ingente de artículos en los que, salvando algunos muy elaborados e interesantes, se pueden llegar a ofrecer datos poco contrastados y se repiten otros artículos que contenían información no muy acertada. 

   Con ánimo de reunir una información útil respecto al material para iniciarse en la macrofotografía, quisiera presentaros una introducción a la fotografía macro o macrofotografía, sin grandes tecnicismos, pues ya hay algunos buenos artículos en la red, sino en un lenguaje asequible para poder comprender a grandes rasgos lo que nos ocupa y saber qué necesitamos.

Empezando

    La primera pregunta de obligada respuesta es: ¿Qué objetivo me compro?

    En fotografía veréis que hay una amplia gama de objetivos macro que podéis comprar. Son objetivos que tienen la característica de enfocar desde muy cerca y que habitualmente generan una imagen que va desde la mitad del objeto (1:2), hasta el objeto a tamaño real (1:1).

    En los objetivos macro suele poner la palabra 'Macro' en el objetivo. Esta es la manera de diferenciarlos del resto.

Focal angular o tele

    Cuando nos pongamos a mirar qué tipos de macros hay, veremos que los hay de distinta focal, desde 24mm. hasta 200mm. La diferencia está en que para sacar un objeto a igual tamaño con uno y otro objetivo deberás acercarte mucho con el de 24mm. y el de 200mm. te permitirá estar alejado, es más, el de 24mm. ni siquiera te permitirá tener el objeto a tamaño real (1:1), solo hasta 1:2,7. ¿Qué quiere decir esto? Que con un objetivo de 24mm. macro se hace un tipo de fotografía macro angular y con el 200mm. harás un tipo de fotografía macro de teleobjetivo.

    Un ejemplo: imaginaos que tenéis delante una Mantis religiosa que se ha quedado quieta como defensa para no ser localizada. 

          - Con un 24mm. macro os acercaríais casi hasta tocarla (18cm.) y sacaríais la mantis con todo el entorno que la rodea, plantas, cielo, etc. Son imágenes espectaculares en el que la Mantis aparece grande. Son objetivos que se pueden utilizar a mano, pues pesan poco.

          - Con un 200mm. macro y un trípode solido podríamos hacer un acercamiento a cierta distancia (50cm.) y sacaríamos solo la cabeza de la Mantis con un esquisto detalle, aislándola de lo que lo rodea. La Mantis podría estar en un entorno feo y nadie lo sabría. Son los objetivos de mayor calidad y mejor construcción.

Focal fija o zoom

      Otra elección que vamos a tener que hacer es si compramos un objetivo fijo o un objetivo zoom, pues hay objetivos macro de ambos tipos. 

      Mi recomendación es no comprar nunca un objetivo zoom macro, pues su calidad, por lo general, es muy inferior a la de un objetivo fijo. Los zoom son mucho más baratos, claro.

Con estabilizador o sin estabilizador

      Algunos objetivos macro tienen estabilizador de imagen para fotografías en las que, objetivo en mano, necesitamos disparar a menor velocidad para conseguir una luz adecuada. Puede ser recomendable si nunca vas a disparar con flash y no vas a utilizar trípode. Sin embargo yo recomiendo tanto el uso de flash como el de trípode para la fotografía macro, pues incrementa las posibilidades de este tipo de fotografía. Y usando flash y trípode no necesitaremos un estabilizador de imagen, que en la mayoría de los casos repercutirá en una peor calidad de imagen.

Marcas y focal definitiva

     Una vez que podemos imaginar el tipo de fotografía macro que vamos a hacer, que por lo general no suele ser la fotografía macro angular, lo habitual es que nos dejemos guiar por el precio, encontrando objetivos de entre 200 a 450€ que nos parecerán muy atractivos, con focales de 60 a 100mm.

     Aquí tenemos que tomar una primera y muy importante decisión que es la respuesta a la siguiente pregunta ¿Para qué voy a hacer fotografía macro, con qué fin? Dependiendo de la respuesta recomendaré un objetivo u otro.

     Si vas a hacer fotografía macro para ver las fotografías en el ordenador no necesitarás grandes objetivos y te podrá valer cualquier objetivo macro de la marca que sea. Aunque recomiendo por lo menos 100mm.

     Si vas a hacer fotografía macro para hacer alguna ampliación a papel, ya te merecerá la pena buscar la calidad y no te valdrá cualquier objetivo.

     Si además te gustaría presentar tus fotografías a buenos concursos de naturaleza, hacer alguna exposición, y que cuando veas tus imágenes quedes gratamente satisfecho, entonces deberás buscar gran calidad.

     Os pongo un ejemplo:

     Esta es una fotografía con un Canon 180mm. f/3.5L USM Macro, uno de los mejores objetivos macro que hay. (Tenéis que ver las fotografías a su tamaño real para apreciar la diferencia)

      
      Aunque he reducido a 1200 píxeles el tamaño de lado máximo y el original tiene 5616 podemos apreciar la gran calidad que hace que se vean detalles increíbles.

       Con un objetivo normal de gama media el resultado de la nitidez sería el siguiente siendo generosos:


      Se notaría poco si la vemos en el ordenador. Es cierto que un objetivo normal quizá no diera la calidad de este desenfoque o el color, pero si nos fijamos solo en la nitidez, aparentemente se nota poco si la vemos de lejos, por eso, si tu fin es verlas en el ordenador o hacer pequeñas impresiones caseras, no necesitarás un gran objetivo.

     Acerquémonos al 100%. Con un objetivo corriente, y siendo generosos, tendríamos este resultado (vedlas a tamaño real):


      Y con un macro de calidad este:


    Aunque no he querido exagerar mucho la diferencia, en las pruebas reales, si que aumentaría esta diferencia en muchos objetivos. Un objetivo corriente no nos valdría para concursos serios ni exposiciones y mucho menos para ver nuestras fotos y quedar plenamente satisfechos de su calidad.

    Por eso la respuesta a la pregunta sobre cuál va a ser el fin de nuestra fotografía macro es crucial.


    La calidad de un objetivo depende de muchos factores. Mucha gente por error, cuando piensa en calidad de un objetivo, piensa en su nitidez, y no es solo esto. La calidad de un objetivo reside en diversos factores como pueden ser la rapidez en el enfoque (que en fotografía macro es un poco irrelevante, ya que en la mayoría de las veces se enfoca manualmente o por acercamiento y alejamiento del objetivo), si el enfoque es interno (evita la entrada de polvo), si la construcción es de gran calidad (evita rozamientos, holguras y entrada de humedad o polvo), si las lentes son de la mejor calidad (evitan aberraciones, reflejos de luz, proporcionan gran nitidez y gran contraste), cómo están dispuestos sus botones, el diámetro de la focal, la construcción del parasol y de la anilla de sujeción a la zapata (si lleva anilla), etc. Todo esto son factores que harán que tu objetivo tenga la mayor versatilidad en el campo y la mayor calidad en el resultado final.


   Los mejores objetivos macro que se suelen encontrar son los propios de la marca de tu cámara, y casi siempre son los macros más caros. Las mejores construcciones y calidades de objetivos las encontraréis en las dos grandes marcas, Canon y Nikon.


   Marcas como Olympus, no tienen un macro 100mm. actual propio de la marca. La marca Pentax y Sony si tienen macro 100mm. de la marca. Y luego, dentro de las marcas que fabrican para otras monturas, tenemos la marca Zeiss, Sigma, Tamron, Tokina y alguna otra más, que tiene 90 o 100mm. macro.


   Dentro de las focales que debemos comprar, en seguida, si preguntáis en un foro, te recomendarán un 100mm. macro alegando su calidad y su manejabilidad. Son dos verdades. Se encuentran macros 100mm. de calidad y además se pueden utilizar para fotografiar macro a mano. Sin embargo, si queremos pedirle todo el rendimiento a un objetivo macro, no solo debemos buscar calidad y manejabilidad, sino también versatilidad. Es decir, que no tengamos que necesitar otro macro para hacer un tipo de fotografía que podríamos resolver con un solo objetivo.


   Un macro 100mm. consigue el tamaño real del objeto a unos 30cm., un 150mm. a unos 40cm. y un 180mm. a unos 50cm. Esto significa que a mayor focal podremos ubicarnos más alejados del sujeto en cuestión. Si es un insecto, tendremos menos posibilidades de asustarlo con una focal larga que con una de 100mm.


   Otro gran problema en la fotografía macro son los fondos. Muchas veces no conseguimos el fondo tan desenfocado como queremos, porque si lo hacemos, perdemos profundidad de campo en el sujeto principal. Con una focal larga, tipo 200mm o 180mm. la apariencia del fondo será más desenfocada que si lo hacemos con un 100mm., lo cual embellecerá nuestras fotografías y salvará muchas fotos que, de otra manera, quizá no nos valdrían.


   En el tema de la iluminación también será decisivo el tener una focal larga. Veamos porqué.


Iluminación


   Más tarde o más temprano nos daremos cuenta de que muchas veces, la iluminación no es la que deseamos, y nos estropea una fotografía que de haber tenido otra luz habría sido estupenda.


   Si queremos progresar en la calidad de nuestra fotografía macro, necesariamente vamos a necesitar aportar luz en muchas ocasiones.


   Uno de los flashes más recomendados en fotografía macro es el flash anular. Un tipo de flash que produce luz desde el objetivo. En mi opinión, un flash anular no es lo más indicado para fotografía macro. Podría valer para retratos en primer plano, pero para fotografía macro yo nunca lo utilizaría. El motivo es que o bien no crea sombras y elimina el volumen, o bien, si se tata de un flash anular doble, crea unas sombras con una mínima capacidad de colocación. En definitiva, es altamente desaconsejable para este tipo de fotografía. pues genera imágenes muy planas.


   Mi recomendación es utilizar flashes normales, o bien sincronizados por cable o bien por infrarrojos, lo cual es mucho mejor, y no ubicados sobre la cámara, sino de forma que creen volumen. Aquí es donde influirá el tener un 100mm. o un 180mm.


   Con un 100mm. tendremos posibilidades más reducidas de colocar los flashes, como es el caso del flash de contraluz, que se puede poner para resaltar desde atrás el insecto o la flor y que aporta una belleza especial al sujeto a la hora de resaltar su forma o sus bordes. Con un 100mm. muy probablemente se cuele luz en forma de resplandor o flare en nuestro macro con este tipo de iluminación trasera respecto al sujeto (es decir, con el flash de frente casi). Con un 180mm. o un 200mm no pasará.


   Normalmente empezaremos comprando un flash. Mi recomendación es tener flashes de la marca, del máximo alcance posible, pues nunca sabemos el área que debemos iluminar y cuánto debe predominar el flash sobre la luz natural. Estos flashes deberían poder sincronizarse entre ellos, poderlos programar a distintas intensidades y poder girar el cabezal de luz en todas las direcciones.


   El nº de flashes aconsejable es de 3 flashes. Uno para crear iluminación principal, otro para un contraluz y otro para iluminar el fondo. Como en todo, hay que empezar siempre poco a poco y nunca comprar nada que no se haya echado de menos antes.


Tubos de extensión y Convertidores de focal


   Un tubo de extensión aumenta un poco el aumento del objetivo y reduce la distancia de enfoque. Se pone entre la cámara y el objetivo. No lleva cristal. Lo único que hay que asegurarse es de que es un material de calidad y de que es perfectamente compatible con nuestra cámara y objetivo. Con él puesto perdemos el enfoque a infinito, esto quiere decir que solo lo podemos utilizar para hacer macrofotografía.


   Un convertidor de focal multiplica la focal de nuestro objetivo. Tienen cristal de por medio, pues es una lente, y debemos buscar el propio de la marca si es posible para que sea de la mejor calidad, pues al unirlo a nuestro objetivo perderá un poco de calidad. El convertidor de focal 2x duplicará nuestra focal. Si estamos utilizando un 100mm. lo convertiremos en un 200mm. bajando un poco la calidad y duplicando también el nºf mínimo. Si nuestro 100mm. era 2.8, lo convertimos en 5,6.


   En canon, por ejemplo, los convertidores de focal propios de la marca solo se pueden usar, en los objetivos macro, para el 180mm, porque funcionan a partir de 135mm. Esto significa que si al 180mm. le añadimos el convertidor de focal 2x, tendremos un 360mm. macro. En el caso de Canon, de altísima calidad.


   A parte de las principales marcas, hay otras marcas menores que también tienen convertidores de focal, como Kenko o Sigma. Aquí se resentirá un poco la calidad de nuestro macro.


   De nuevo vemos un motivo más de porqué no recomiendo macros de 100mm. si buscamos versatilidad y calidad, pues al añadir un convertidor de focal como el 2x, o nuestro objetivo tiene una calidad excepcional, o la imagen no será del todo nítida y al final no usaremos el convertidor de focal.
 
   Con el convertidor de focal 2x conseguimos un aumento de 2:1, es decir, de 2 veces su tamaño, en muchos objetivos.


   Gran parte de mis fotografías macro están a 360mm.


Soportes


    Uno de los temas más importantes en fotografía macro si lo utilizamos, es el trípode. Nuestro trípode debe ser muy robusto y con una rótula de 3 ejes (esto es lo más habitual y recomendable) o si solo vamos a hacer macro, de cremallera, que es más precisa.
 
    Un trípode de macro debe ser robusto, fuerte y bueno. Que además pueda bajar mucho hasta el suelo y poderle poner en multitud de posiciones. no existe el trípode perfecto, pero los hay que se le acercan.
    Mi recomendación es el Manfrotto 055XPROB u otros de igual calidad y distinta marca, y la rótula de 3 ejes, no es necesario que sea la mejor del último modelo, simplemente que cumpla su función y sea precisa para bloquearla y desbloquearla.


     Existe un tipo de zapata para la rótula que se llama plato micrométrico y que nos permite, con un pequeño movimiento de rosca, desplazar la cámara adelante o hacia atrás en cuestión de milímetros con un perfecto control. Esto se usa para enfocar en el punto exacto que queremos, lo cual, sin este tipo de zapata, es muy difícil, ya que la profundidad de campo de los objetivos macro es muy pequeña.


Reflectores y difusores


     Para reflejar la luz cuando usamos un solo flash o cuando queremos dar una luz suave, usamos un reflector o un difusor. El reflector rebota la luz y el difusor hace que pase la luz a través de él. Yo uso un reflector plegable 5 en 1 de 100cm. Tiene reflector dorado, blanco, plateado y difusor, y es altamente recomendable, pues además es barato. Lo podemos encontrar fácilmente en Ebay


    También uso muy a menudo como difusor de mis flashes, un folio pegado con celo. Es una maravilla para suavizar la luz.


Recomendaciones finales


    Os recomiendo ahora los objetivos suponiendo que buscáis la mejor calidad y versatilidad o lo más aproximado para vuestra marca.


    Si usas Nikon, recomiendo el Nikon 200mm. f/4 Micro, o si no hubiera más remedio, el Sigma 150.


    Si eres de Canon, el Canon 180mm. f/3.5L USM, o si no hubiera más remedio, el Sigma 150.


    Si eres de Sony recomendaría el Sigma 150mm. o el Sony 100mm.


    Si eres de Olympus hay un Sigma 105 para 4/3 y objetivos antiguos.


    Si eres de Pentax te recomiendo el Sigma 150 o el 100mm de Pentax. También estaría el carísimo Zeiss 100mm. entre los de buena calidad.


    Otras marcas muy extendidas como Tokina o Tamron, no las recomiendo para macrofotografía de calidad.


     Si vuestra fotografía macro no va a ser elaborada o no le vais a exigir mucho. Cualquier macro 100mm. os vale, sabiendo que hay mejores calidades y peores. Intentad ir primero al propio de la marca de vuestra cámara, y sino a Zeiss, Sigma o en último caso Tokina. El Tamron 90mm. es todavía peor, pero si no exigís mucho os puede servir.


    Lo que considero un error grave es comprar un macro pensando que más adelante compraréis uno bueno. En mi opinión es un error, porque por no esperar, te gastas el doble de dinero. Es mejor esperar e ir a por el bueno más adelante. Las prisas en fotografía suelen desembocar en errores. Se ha de pensar  cada compra con gran detenimiento.

viernes 3 de febrero de 2012

Naturforo: El foro de Fotografía de Naturaleza




       
        Os presento el primer foro de Fotografía de Naturaleza de ámbito nacional de España. Inaugurado hace apenas unas horas, pretende ser un centro de unidad e información de todos los fotógrafos de naturaleza profesionales y aficionados.

        En el foro encontraréis información sobre el material necesario para la fotografía de naturaleza, así como técnicas sobre cómo fotografiar en cada ámbito. Se pondrán las últimas noticias sobre fotografía de naturaleza, así como cursos y concursos, vídeos de formación, tutoriales, asociaciones y sus actividades, entrevistas a los fotógrafos más importantes de España y artículos suyos... en definitiva, todo lo que necesitamos para estar relacionados entre nosotros y para ayudarnos mutuamente.

        No es un foro corriente, no encontraréis fotografías comentadas, para eso ya existen otros foros de fotografía. Además, se ha seguido una ordenación desde cero, sin tomar como referencia la ordenación habitual de todos los foros. En seguida percibiréis que es muy fácil llegar al tema concreto que necesitamos, sin tener que acudir a los molestos buscadores, que nos devuelven cientos de referencias de las que uno no sabe realmente por cuál empezar. Para favorecer esto, cada tema tiene su lugar, sin aglutinar temas. 

        Varios ejemplos, si queremos buscar una capa de camuflaje para hacer fotografía de aves, podremos ir directamente a la carpeta 'Camuflaje' del apartado 'Material de Fotografía de Naturaleza'. Si queremos hacer una pregunta sobre cómo hacer fotografía macro, iremos a 'Modalidades y Técnicas' y a la carpeta 'Fotografía macro'. Si queremos buscar qué concursos de calidad de fotografía de naturaleza va a haber en 2012, en su momento aglutinaremos toda esta información en la carpeta 'Noticias sobre concursos y exposiciones', de la carpeta general 'Noticias'.

        Algo muy interesante es que la iniciativa de 'Un Año de Fotografía' tiene su propia carpeta con todas las sesiones colgadas, para que no tengáis que dar vueltas por internet. La encontraréis en la sección de 'Modalidades y Técnicas', en la carpeta 'Fotografía de Naturaleza en general', en 'Tutoriales', y ahí encontraréis la carpeta de 'Un Año de Fotografía'.

        De momento solo hay unos 150 temas empezados, porque esto acaba de empezar, pero con vuestra ayuda y el trabajo de todos, vamos a hacer de Naturforo, algo útil e interesante.

        Como siempre os pido vuestra ayuda para que le deis el máximo de publicidad a todos aquellos que les pueda interesar, en vuestro Facebook, Twitter, etc...

        El enlace,... pinchando el logo de Naturforo de arriba, claro.

        Gracias por vuestra fidelidad.


viernes 20 de enero de 2012

Práctica Fotográfica nº13

Ya está disponible al Práctica Fotográfica nº13, esta vez por Cantabria y Asturias.


Espero que os guste

miércoles 11 de enero de 2012

Expresión de Autor: Ana Retamero


    Ana Retamero es profesora de Biología. No es profesional de la fotografía, sin embargo, si lo fuera, la única diferencia, es que tendría más tiempo para hacer fotografía, pero nada más, pues actualmente atesora en su haber una larga lista de premios justamente recibidos por su gran trabajo fotográfico.

    Aún con todo, no son los premios lo que me ha llevado a incluir a Ana Retamero en esta exclusiva lista de fotógrafos de la sección 'Expresión de Autor', sino su virtud fotográfica más destacada: Su visión fotográfica.

    No es fácil definir a una fotógrafa por su trabajo, pero si tuviera que definir la característica más importante de esta autora, es que: 'Sabe ver'. Sabe ver lo que a muchos se nos escaparía, los pequeños detalles, la relación entre las formas, lo que la naturaleza esconde.

    Como veréis, al igual que Jonathan Lhoir, la fotografía de Ana Retamero no es por lo general un tipo de fotografía que requiera materiales fotográficos tan caros que podamos pensar que su trabajo está reservado solo para los que tienen un buen desahogo económico, no. La fotografía de Ana es sencillez, elegancia y estilo, y eso no se compra, se lleva dentro y se puede educar. De ahí que haya elegido a esta estupenda fotógrafa para que juntos podamos aprender un poco de ella.

    Como hice en mi primer post de 'Expresión de Autor' empezaremos por las fotografías más asequibles para todos, e iremos poco a poco creciendo en complejidad.


    Ana Retamero

     Paisajes

     Empezaremos por la sección de espacios naturales

     Primera

 

     Una sencilla toma en la que la combinación de varios factores produce un resultado muy satisfactorio.

     Para hacer una fotografía así, o bien te la encuentras ya, o bien se encuentra el lugar y luego más tarde se acude con la luz que uno busca. Según ella misma nos cuenta, le gusta esperar a tener la luz adecuada a lo que ella pretende expresar.

     La luz de esta fotografía es una luz lateral de atardecer o amanecer. Este tipo de luz, además de embellecer el conjunto con tonos cálidos, produce sombras muy alargadas y laterales, que combinadas con las formas, pueden crear escenas muy peculiares donde a penas unas horas antes no parecía haber nada interesante. Ya tenemos nuestra primera enseñanza para hoy: En la medida de lo posible, debemos hacer la fotografía solo con la luz adecuada a nuestros fines. Debemos buscar esa luz o esperar a que se dé el momento, y no aventurarnos a hacer la fotografía con la luz que tenga. Hay que preguntarse si con una luz distinta la escena mejoraría.

    Pero no solo la luz es un valor en esta fotografía. El sujeto principal, la planta, está ubicada en el primer plano, jugando con la cercanía a la cámara y con las líneas que la propia duna tiene. Las líneas nos crean sensación de profundidad, y dirigen la mirada desde la planta hasta que la vista termina con la parte superior de la fotografía, como indicando que la duna continúa. Esas líneas, además, nos indican soledad, aislamiento, pues no hay ninguna pisada ni ningún otro ser vivo salvo la planta del primer plano.

    Esta fotografía, puede lanzar un mensaje de angustia, si a uno le causa dificultad la soledad, o de paz, si uno disfruta en ella, por eso, las fotografías no acaban en la cámara, sino que continúan formándose hasta llegar al espectador, que es quien las acaba con el resultado final que ha producido dicha fotografía en él. Lo que a uno le ha sugerido angustia, a otro le ha sugerido miedo, y a otro paz o serenidad. Esto es muy importante conocerlo, pues la fotografía no es hacer 'click' con la cámara. Eso es hacer fotos, pero no fotografía. La fotografía es arte si se cuida y se trabaja, y el arte es comunicación y mensaje, ya sea para bien o para mal.

     Fijaos que manera más sencilla de mandar un mensaje el de esta fotografía. Simplemente tenemos que cuidar los detalles, fijarnos y pensar qué nos sugiere una situación concreta que vemos en la naturaleza o de qué manera podríamos expresar algo concreto modificando la ubicación de la composición o la luz.

     Respecto al material para hacerla, no necesitaremos mucho. Podríamos hacerla con una compacta, y de ahí para arriba, claro. Una fotografía al alcance de todos si vamos aprendiendo poco a poco a saber ver.

Segunda

   

      Vemos ahora una fotografía de bosque. Las fotografías de bosque siempre son difíciles, pues la maraña de árboles dificulta mucho una composición ordenada de los elementos, y todo resulta más caótico para nuestra percepción. Dentro de esa complejidad, estamos ante una fotografía que ha sabido ordenar los factores individuales hacia una sensación de conjunto muy interesante.

       Lo primero que percibimos, es que la fotografía está dividida por el verde de los alcornoques y el amarillo de los helechos. Todo ello salpicado por los troncos descorchados y oscuros que rompen la horizontalidad en favor de trazos verticales que no son al hazar. Si os dais cuenta, Ana se ha posicionado de tal manera que los troncos, por un lado forman como un triángulo que dirige nuestra vista hacia el centro, y por otro crean una línea de izquierda a derecha, que se aleja y consigue que acabemos mirando al árbol de la derecha. Una composición que no es fácil de ver.

       Es importante la división entre los 2 colores, porque eso crea una sensación de sencillez en el conjunto, que un bosque, por la maraña de árboles, no tiene habitualmente. Hay una armonía en el conjunto que ha sido buscada adrede para estabilizar un poco la imagen.

      Quizás no lo habéis notado, pero parte de la calma que transmite esta foto, a parte de ser por la simetría creada, le viene dada por la luz de día nublado que tiene. Esta misma fotografía, con luz dura de medio día, habría sido terrible. Esas luces también las debemos buscar y esperar a que sucedan.

       Esta es otra toma que se puede hacer con una compacta, pero ahora bien, hay que saber verla. Podríamos pasar por este sitio y no ver esta fotografía. La experiencia y el ir muy muy atentos a todo lo que nos rodea, nos llevará a descubrir lo que está oculto a los ojos inexpertos.

      Nuestro posicionamiento en el lugar es crucial. No es lo mismo un lugar, que un paso más adelante o hacia atrás, o desplazarse un poco a la izquierda o agacharse para cambiar el punto de vista. Hay que probarlo todo en cada ubicación e ir descubriendo cada posible imagen en la naturaleza. Siempre valorando mucho cómo va a quedar el fondo respecto al motivo principal.

      Detalles

      Si hay algo en lo que  destaque la fotografía de Ana Retamero es en los detalles, es quizás el motivo por el que ha entrado en esta selección, por su capacidad para recoger el detalle con gran inteligencia.

      El detalle es un tipo de fotografía al alcance de todos, quizás más destinado a las reflex, pues con las compactas podemos acceder al detalle, pero con mucha profundidad de campo. Hay que saber buscar y encontrar. Una cámara reflex normal nos permitirá acceder al detalle, sin embargo, si no hemos visto lo oculto, perderemos ese momento. La cuestión es ejercitarse en mirar detenidamente todo en nuestras salidas al campo, y ver la relación de las cosas en su entorno.

Tercera

 

     Esta fotografía es un acercamiento macro, pero no es una fotografía sencilla como pudiera parecer a simple vista. No consiste en verlo, acercarse y pulsar el botón. La fotografía lleva la perfecta melodía de la composición, algo que debemos aprender a tocar.

     Fijémonos lo primero en la luz. Una luz extremadamente suave, perfecta, que invita a algo agradable, muy acorde con lo que estamos viendo. Esta armonía encaja perfectamente con la textura. La planta tiene una textura como de algo suave, como algodón o seda. Una luz dura no hubiera favorecido nada esta sensación. Si nos encontramos esta planta en agosto a las 16:00 de la tarde podemos poner un difusor encima y nos suavizará la luz. Esa es la ventaja de poder modificar los parámetros de luz en los objetos pequeños. Algo que muchas veces es recomendable: cambiar la luz que hay.

     El tono también favorece el conjunto. Es un color ocre apagado, claro, sin sombras.

     El fondo grisáceo también acompaña a toda la fotografía y encaja hasta confundirse con la misma planta.

     Otro factor interesante, la disposición de los tallos, que crean líneas que dirigen la mirada hacia un punto concreto, fuera ya de la imagen, pero alineado en perfecta armonía, que nos indica que toda la planta surge de un único tallo.

      La profundidad de campo permite un cierto desenfoque del fondo, que hace que se pierda la imagen hacia un infinito. Es una imagen etérea, que da paz, armónica, en abanico.

      En definitiva, una fotografía trabajada.

      En todos estos factores tenemos que poner la atención antes de que la adrenalina del momento nos haga disparar nuestra cámara. Hay que pararse, pensar, buscar distintos fondos, distintos puntos de vista y alturas. Crear distintas composiciones, sin el conformismo de hacer la primera fotografía que hayamos visto. Pararse, intentar descubrir si podemos crear expresividad, mensaje, comunicar algo.

       La fotografía es esto, un trabajo anterior al momento del disparo. Un trabajo que no se ve, pero que en el resultado final se percibe y hace transmitir algo en la fotografía final.

Cuarta

   

      Esta fotografía es también otro de esos detalles que hay que saber ver. Aparentemente es una situación que estamos hartos de ver en los campos. En este caso, en un campo de trigo, sin embargo, sabiendo componer adecuadamente, podemos resaltar algo que en el conjunto pasa desapercibido, pero que ante los ojos que lo saben ver, descubre la belleza de la naturaleza.

      De nuevo la luz es suave, y da un aspecto pictórico a la escena. Ante un campo seco de trigo, una pequeña zona tiene todavía color, el color verde, rojo y amarillo que podríamos encontrar a principios de Junio en nuestros campos.

      La reducida profundidad de campo nos ayuda a crear profundidad, con espigas desenfocadas en primer plano y al fondo.

      De alguna manera, el color seco de las espigas rodea al verde. El color verde nos habla de esperanza, de ilusión, a cada uno le transmite sentimientos diferentes. Si os dais cuenta, de nuevo la imagen comunica un mensaje. Algo seco que rodea a algo con vida. Los significados acabarán con lo que a nosotros nos transmita.

      La foto está aislada del resto del paisaje, porque el resto no importa, ni cielo, ni caminos, lo que importa es esa pequeña parte. Para este tipo de fotografías yo uso mucho el Canon 70-200 f/2.8, que da gran nitidez y desenfoca con muchísima belleza. Aquí un teleobjetivo medio nos será muy útil.

     Esta fotografía no es apta para todos los tipos de cámaras, porque solo con una reflex y un teleobjetivo en condiciones conseguiremos esa reducida profundidad de campo.

Quinta

     

       Esta tampoco es una fotografía al alcance de todas las cámaras. Se necesitará una reflex. Está realizada con un teleobjetivo de focal larga, así se consigue una mínima profundidad de campo. Es muy probable que con el diafragma totalmente abierto.

      De nuevo, el sujeto principal queda aislado mediante el pasto seco que lo rodea. La mínima profundidad de campo ha hecho que todo esté desenfocado, salvo una pequeña parte del sujeto principal.

      Como recomendación para estas fotografías, debemos procurar que el sujeto esté perpendicular a nosotros, para que, aunque todo esté desenfocado, el plano que forme el sujeto principal esté enfocado. Si la planta estuviera en el mismo eje que nosotros, veríamos enfocada solo una flor, y el resto estarían totalmente desenfocadas.

       Otra recomendación para la composición es intentar que los distintos elementos queden separados siempre que sea posible. En este caso, cada flor está prácticamente separada de la otra, y no se interponen o se ocultan unas a otras. Hay veces en las que no es posible, pero si lo es, debemos procurar que el resultado final no cree confusión y no se mezclen elementos.

       De nuevo vemos que Ana ha elegido la luz suave, que es la que más conecta con esta imagen tan delicada.

Sexta

   

       Ahora subimos en complejidad. Ya para los fotógrafos de aves.

       Vemos una imagen sencilla en elementos. Se ven 2 alcatraces con su magnífico plumaje.

       La gran virtud de esta fotografía es el paralelismo entre ambos ejemplares, que se complementan y dejan cerrada la imagen, es decir completa. No es necesario ningún elemento más.

       Para hacer este tipo de imágenes hay que tener equipo en condiciones para estar camuflado y poder llegar con tu focal al animal y a sus detalles, y requiere mucha paciencia y tiempo empleado. No son fotografías casuales, sino buscadas en las que se han previsto las condiciones y se ha preparado todo a conciencia.

       Normalmente requerirá de una cámara que pueda disparar ráfagas de fotos y procesarlas internamente de modo rápido.

Séptima

     

        También sobre aves. Con esta fotografía Ana me ha dejado boquiabierto. Cuando escribía este post puse que era un detalle muy interesante el que se vieran las nubes detrás de las cigüeñas, que indicaba que era un lugar alto. Cuál fue mi sorpresa, cuando al pedirle permiso a Ana Retamero para utilizar sus fotografías me explica que lo que se ve al fondo no son nubes... sino olas, espuma de las olas del mar. Ciertamente me quedé impresionado. La intención de Ana era crear el efecto de nubes, y ya lo creo que lo ha conseguido. Es imposible saber que son olas. Además, da la sensación de estar en un lugar altísimo, situación no muy habitual en un nido de cigüeña.

        Como veis, la inteligencia aplicada a la fotografía es un factor crucial para una buena fotografía.

        La composición con el motivo principal entra por la zona inferior derecha hasta la mitad de la fotografía, y permite que se vean las olas por la izquierda y por arriba. La disposición de los nidos y de las cigüeñas crea una línea que sube de izquierda a derecha, en una estampa muy típica de estas aves, salvo por la sensación de altura que da.

        En este caso tenemos luz dura, que permite resaltar más todavía el volumen de las nubes del fondo y el color de los picos y las patas.

       Sin duda, una toma ingeniosa al máximo.

Octava


        


        Otra fotografía de aves. Vemos como juega con el reflejo, parte muy importante de esta fotografía. pero además, ha captado la pata trasera saliendo del agua, lo que crea la sensación real de que el correlimos está corriendo, a parte de que está en el aire. La luz del sol ha iluminado perfectamente al correlimos, y toda la escena rebosa sencillez captando rápidamente la atención hacia el sujeto principal y lo que está haciendo.

         Como veis, la sencillez es una virtud de buen fotógrafo.

Novena

     

         Esta fotografía rebosa ingenio. Ved como, alterando la luz, ha conseguido crear un centro de interés magnífico. La flor no está captada en su totalidad, Ana ha preferido jugar con tres líneas de sus colores de manera que creen una composición que parte de la zona de luz y se expande hacia afuera.

         El enfoque está perfectamente ubicado para que se vea la textura de las paredes de la corola de la flor, resaltada por esa luz que sale de dentro, como si fuera el paso a otra dimensión. Es una fotografía espectacular. Me parece de un ingenio tremendo.

Décima



        Esta fotografía no es tan espectacular como otras, pero su composición merece un comentario. Son hojas de nenúfar, pero Ana ha jugado con el agua alrededor e incluso con el agua que ha entrado en una de las hojas. Las líneas o mejor dicho, curvas, tienen un orden, se nota que la fotografía está realizada con intención y que la autora ha buscado esa sensación. Si nos ponemos a imaginar, puede parecernos la silueta de un ave en vuelo.

        Debemos preocuparnos mucho de la composición de nuestras fotografías. Si os dais cuenta conseguiréis buenas fotografías donde aparentemente no hay nada.

 Acabando

        Aunque Ana Retamero tiene muchas más fotografías, no os voy a comentar todas. Entrad en su web e id analizando su trabajo, ya veréis como con ingenio y visión fotográfica, conseguimos aprender mucho de su forma de fotografiar.

        Con esta autora, hoy os he querido mostrar principalmente la importancia de saber ver los detalles y de no incluir muchos elementos en una fotografía.

        Os dejo el enlace a la página de Ana Retamero:

        http://www.anaretamero.com


        Un Saludo a todos y mi agradecimiento a Ana por la colaboración con sus fotografías.

jueves 5 de enero de 2012

Nuestra obra en papel

   
     Una de las batallas pendientes que desde hace tiempo tenía, era la impresión de mi propia obra a papel.
     Es una tarea que da pereza hacer por primera vez, pues aunque he leído algo en la teoría, la práctica siempre me cuesta mucho.
     Ahora, en estos días, he tenido la oportunidad de informarme de primera mano, y he ido a una de las tiendas más importantes de impresión fotográfica de Madrid: Fotosíntesis (también conocida como Clorofila Digital).

     Había una imagen que desde hace tiempo quería imprimir, y un buen día, cogí el coche, me acerqué a Madrid y llegué a la tienda.

     No sé porqué razón pensé que al ser tan novato me tratarían mal, y sin embargo, fue todo lo contrario. No intenté dármelas de sabiondo y nada más llegar dije sin más miramientos:

    - Buenos días, venía a informarme sobre tipos de impresión digital sobre papel y soportes. No tengo ni idea sobre el tema.

    Inmediatamente me sacaron una carpeta en la que iban impresas distintas fotografías, cada una en uno de los papeles que trabajan, con la información de qué tipo de papel era y qué gramos tenía.

     En esta tienda trabajan con las marcas Camson y Hahnemühle. Yo les pregunté por la marca Endura, y me dijeron que Endura no es una marca, sino un tipo de papel de Kodak. Con lo cual dejé patente no solo mi inexperiencia, sino también mi ignorancia. Aunque no trabajan con Kodak,  puedes llevar el papel que quieras que te lo imprimen.

     Afortunadamente, las distintas visitas a esta tienda me han servido para aprender ciertas cosas que sin duda, os servirán a vosotros para tomar decisiones o tener un primer acercamiento a la impresión a papel.  

     Una de las chicas que atiende me explicó que en cuestión de marcas, todas tienen sus papeles estrella que tienen garantía de durabilidad y calidad en el acabado final, con lo que la diferencia entre marcas es mínima, ya que todas compiten por tener papeles de alta calidad.

     Tras una detenida observación de cada papel viendo su brillo, su tonalidad, su rugosidad y grosor, elegí el papel a mi gusto e hice la impresión, que quedó magnífica.

     Ahora bien, tranquilos que no os voy a dejar así sin explicaciones.

PRESENTACIONES

     Poniendo el baremo en conseguir un acabado óptimo de calidad, podemos decir que para la presentación de nuestra obra tenemos 2 tipos de papeles:

     - Papeles RC.
     - Papeles de algodón.

     El papel RC se presenta en brillo o en mate y es más barato. Es el papel fotográfico por excelencia, sin rugosidad. Da calidad suficiente como para exposición o venta de obra al público. Es el elegido por muchos fotógrafos de naturaleza para venta de sus obras.

     El papel de algodón puede ser más o menos liso o presentar rugosidad. Es más caro, incrementa un poco los tonos cálidos en el acabado final (lo cual hay que contrarrestarlo en el jpg que entreguemos). Es más elegante y da sensación de lienzo. Es extremadamente delicado, pues ponerle un dedo encima implica una posible mancha de grasa, y un pequeño roce crea facilmente un rayajo blanco. Es recomendado para exposición siempre que el autor vigile la manipulación de la obra en todo momento para que nadie la toque sin guantes ni la golpee, así como para exposiciones donde la obra esté protegida del público para que no la toque.
     En el papel de algodón encontramos diferentes gramos de grosor, pero todos tienen igual precio.

     Dependiendo de cómo sea nuestra fotografía le pegará más un RC o un Algodón. Con la experiencia veremos qué colores destacan más en un papel u otro, y cual se adecua más a nuestros gustos.

     Una vez que hemos elegido donde queremos imprimir nuestra obra, podemos decirle a la tienda que se encarguen de elegir el perfil de color (que lo hacen muy bien), o preguntarles qué perfil usan y llevar nuestra foto con ese perfil (lo cual es más complicado aunque nos aseguramos de que quedará exactamente igual que como lo hemos visto en casa. Para esto debemos tener un monitor bien calibrado en casa, claro). Yo recomiendo darles una primera oportunidad, y si lo hacen bien, trabajar siempre de manera que se encarguen ellos del color.

      Debemos entregar nuestro jpg en AdobeRGB98 si queremos que se encarguen ellos.

      Sobre la pregunta de si imprimir en brillo o en mate, la respuesta irá a gusto del autor. Se recomienda no usar brillo para obra fija, pues se crean brillos difíciles de evitar. Sin embargo para un portfolio, el brillo incrementa la belleza de la obra, y siempre la podemos mover con la mano para mostrarla.

SOPORTES

      El siguiente paso es ver qué soporte queremos para nuestra obra. Podemos llevarnos la fotografía tal cual, y luego en la tienda que más nos guste enmarcarla a sangre (a ras de foto) o ponerle paspartú, que queda más elegante, o podemos hacerlo todo directamente en la tienda para asegurarnos de que nadie más va a tocar nuestra obra con el correspondiente peligro de dañarla.

      Los acabados son numerosos, pero los que más nos pueden interesar son el enmarcado a sangre (que no queda muy bien). El enmarcado con paspartú, que queda más elegante, o dejar la fotografía sin marco. Sea como sea, la fotografía tiene que ir pegada sobre un soporte para darle consistencia. Ese soporte puede ser de 2 tipos:

      - Foam
      - Dibond  (algo más caro y más resistente)

     El Foam no es más que cartón pluma. Un tipo de cartón que pesa muy poco y provee de un soporte a nuestra obra.
     El Foam sin marco no queda bien, pues se ve el cartón, sin embargo, para una exposición en la que nuestro presupuesto esté ajustado, puede hacerse sin marco. No es lo mejor, pero es lo más económico.

     El Dibond es un soporte de 2 láminas de aluminio cuyo interior va en polietileno y le da una consistencia rígida, con cierto peso y durabilidad. Suele ser el elegido para venta de obra, y se puede presentar con marco, lo cual es algo absurdo, pues se puede hacer más barato con Foam, o se puede presentar con bastidor, que es una especie de marco de madera u otros materiales que va detrás del dibond y no se ve. Su función es separar nuestra obra de la pared y a la par poder colgarla. Queda muy elegante.

      En el caso de que quisiéramos tener un portfolio para presentar, con tener las fotografías en papel RC, sin ningún tipo de soporte nos bastaría.

PRECIOS APROXIMADOS

      Hablemos de precios aproximados. A continuación os pongo lo que cuesta hacer este tipo de impresiones con sus soportes, e incluso lo que costaría un portfolio y las reproducciones de una hipotética exposición fotográfica.

     Copia RC 50x70:  35-40€
     Copia RC 70x100: 75-80€

     Papel Algodón 50x70: 70€
     Papel Algodón 70x100: 110€

     Si queremos poner nuestra obra sobre un soporte tendremos unos precios aproximados a esto:

     Copia RC 50x70 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio:  100-105€
     Copia RC 70x100 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio:  180-185€

     Papel Algodón 50x70 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio: 135-140€  (precio similar al Dibond)
     Papel Algodón 70x100 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio: 215-220€

     Papel Algodón 50x70 sobre Dibond 3mm. con bastidor de madera:  135-140€
     Papel Algodón 70x100 sobre Dibond 3mm. con bastidor de madera: 230-235€ 

     El Papel RC no lo montan sobre Dibond con bastidor.

     Como veis no estamos hablando precisamente de precios asequibles, sin embargo, la calidad de la obra vale el precio que pagas.

      En el caso de que quisiéramos hacernos un portfolio para llevar nuestras fotografías en una carpeta adecuada y poder presentarlas, un precio orientativo sería el siguiente para, por ejemplo, 15 fotografías:

      15 Copias RC 30x40: 300-305€

      Y en el caso de que quisiéramos hacer una exposición en el soporte más barato que hay, que es foam, y sin marco, tendríamos un aproximado como el siguiente. Pongamos para 15 fotografías:

      15 Copias RC 60x80 sobre foam 10mm: 1165-1170€

      He aquí la importancia de conseguir patrocinadores para nuestras exposiciones.

      Respecto a la manera de entregar la fotografía en la tienda, podemos hacer la fotografía sin márgenes, es decir, a sangre, o incluir en nuestra imagen un borde blanco a nuestro antojo, imitando un paspartú, midiendo bien la cantidad de borde blanco que ponemos y sus proporciones, para que haga de fondo a nuestra fotografía y la separe de la textura y color de la pared en la que la colguemos, o para que se vea la textura del papel si utilizamos papel de algodón. La inclusión o no de un marco vendrá determinado por nuestros gustos, aunque es recomendable que si lo hacemos, tenga un color de la gama que incluye nuestra fotografía.

      PREFERENCIAS SOBRE ACABADOS

      Mis preferencias sobre acabados es papel de algodón montado sobre dibond con bastidor, en el que la fotografía que entrego, tiene un borde ancho blanco proporcional en toda la fotografía, que permite ver la textura del papel y su calidad.

      Así es como quedaría:

         
        Esta imagen que veis, mide, incluido el borde blanco, 66x90 y lo que es la fotografía mide unos 50x76. Es un papel de algodón Hahnemühle German Etching (310gr.) montado sobre un dibond con bastidor. Ha costado en total unos 230€.

       No lo haría de esta manera para una exposición, pues sería cuestión de minutos que alguien arruinara la obra al tocarla o que un transportista o la persona encargada de ponerla la rayara con una hebilla de la chaqueta. La calidad es altísima, pero también su fragilidad. Solo haría una exposición así si me aseguraran que la manipulación va a ser por profesionales y la gente no va a poder tocar la obra. En caso de que estas condiciones no fueran posibles, es mejor hacerlo en papel RC, que siempre se puede limpiar algo con una toallita de microfibra para gafas.

        Os pongo un par de fotografías para que veáis lo que es un bastidor, una especie de marco que va detrás del dibond y separa la fotografía de la pared.

     

   

        Otro acabado muy elegante es con papel de algodón, un pequeño borde blanco después de la fotografía para mostrar el papel, paspartú en consonancia con la tonalidad de la fotografía y enmarcado en madera o aluminio de un color acorde al conjunto. En este caso podemos utilizar de soporte un foam o un dibond, pues no se va a ver. Elegiríamos el foam si va a ir colgado desde el marco o dibond si vamos a ponerle bastidor.

      PROTECCIÓN Y TRANSPORTE
   
        Si vendemos nuestra obra deberemos enviarla de manera que esté muy protegida, no solo con papel acolchado, sino incluso con estuche protector que se puede hacer comprando a parte foam.

        Muy importante la empresa de mensajería por la que lo mandamos. Lo ideal es llevarlo nosotros, pues aún con estuche, el conjunto es muy muy delicado. Si podemos hacer un seguro de paquete con la mensajería con la que lo mandamos, tanto mejor. Sin las precauciones adecuadas, nuestra obra puede llegar marcada y totalmente estropeada, pues un simple arañazo implicará la devolución de la obra. Así que hay que tener extremo cuidado con esto.

        En fin, espero haber aclarado algunas dudas que pudierais tener sobre este tema y animaros a hacer vuestras propias ampliaciones.

sábado 31 de diciembre de 2011

Tu Foto Comentada




Autor: ANTUAN AYLLÓN

Camara: Canon EOS 5D Mark II
Objetivo: Canon 24-105
Focal: 24mm.
Abertura: f/4
Velocidad: 0,6sg
ISO: 1250

Especie: Posiblemente una Balaenoptera physalus (Rorcual)

Lugar:  Playa de San Martín - Santoña (Cantabria)

Con trípode.

WEB: http://inventariodelugarespropicios.wordpress.com/


COMENTARIO

       Hoy tenemos una fotografía que sin serlo, nos puede servir de modelo para las fotografías tipo 'Denuncia'.

       En ocasiones encontramos sujetos animales muertos, ya sea por accidentes o por la acción del hombre que queremos mostrar con ese aire dramático que acompaña siempre a la muerte.

       En el caso que nos ocupa, es muy fácil ponerse nervioso, ante el espectáculo que tenemos delante. Ante todo debemos serenarnos y hacer la fotografía no solo teniendo en cuenta el sujeto en cuestión, sino todo lo que le rodea.

       Es de noche, con lo cual necesitaremos una exposición larga, un diafragma abierto y probablemente un alto ISO.

       En este caso, al ser la cámara una 5D Mark II podemos utilizar ISO's de hasta 1600 ISO con calidad aceptable. Son menos recomendables los pasos intermedios, que en definitiva son extrapolaciones de los números enteros de ISO, es decir. Se recomienda el ISO 100, 200, 400, 800 y 1600 en la 5D, pero los ISO's que hay intermedios son forzados de estos, con lo cual tienen algo menos de calidad. En este caso concreto habría sido preferible usar ISO 1600 o ISO 800. Recomiendo el siguiente artículo de Guillermo Luijk: (http://www.guillermoluijk.com/article/isos5dmkii/index.htm).

      Respecto a la composición vamos a ver como hubiera mejorado.

      En primer lugar es muy importante fijarnos, una vez hemos compuesto como queremos, si el horizonte está centrado. En este caso hubiera necesitado un pequeño toque para que esté nivelado.

      Tenemos que fijarnos también en las esquinas. Qué es lo que corta la fotografía y si con un pequeño movimiento podemos mejorarlo. Para esta composición yo hubiera dado más espacio a la cola del Rorcual para que no quedara tan pegada, es más, hubiera incluido toda la cinta de la policía que hay por el suelo, como parte de la composición o la hubiera movido a mi gusto para que entrara dentro del encuadre.

      Las personas son parte de la atracción, pero quizás, si volvemos unas horas más tarde, cuando todo el mundo está en su casa, evitamos la presencia humana, y conseguimos mayor sensación de soledad en el animal. Recordar que no solo buscamos plasmar un instante, sino suscitar una sensación en el espectador.

      En el caso de sacar a las personas, hay que procurar que, o bien salgan estáticas, o si vamos a sacarlas movidas, que se note que es nuestra intención. Yo hubiera alargado más la toma a varios segundos, para propiciar que se viera patente el movimiento de las personas alrededor, como si la muerte de este pobre animal fuera un espectáculo.

      Hay que plantearse distintos encuadres para intentar sacar también al animal de manera más natural, es decir, con el fondo distinto, sin edificios, etc. Así al llegar a casa vemos las distintas posibilidades y encuadres.

      La diagonal que forma el rorcual es muy interesante. El exceso de luz del castillo quizás le resta protagonismo al animal. Los juegos de luz que entren en nuestra fotografía deben servir de complemento al sujeto principal e intentar que no distraigan la atención o la mirada hacia otro punto que no sea el que se busca.

      Según me explica Antuan, ha levantado un poco la luz. En el momento debemos estar muy atentos a esto, sobre todo al histograma. Si nos permite más luz, le damos más tiempo o más ISO, hasta que el histograma quede bien encajado. En este caso, nos podemos permitir la sobrexposición de las farolas.

      Como dato gráfico es muy interesante, pues como me dice el autor, la última presencia de una ballena muerta en esas playas data de 1940. Así que mi enhorabuena por haber dejado plasmado este momento tan inusual.

      Un Saludo, Feliz Año y que el 2012 nos siga trayendo buenas fotos y buenos fotógrafos de los que seguir aprendiendo.

miércoles 28 de diciembre de 2011

GRACIAS: 100 suscriptores en el Canal de Vídeos

Han llegado ya a 100 el número de suscriptores en el canal de vídeos:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

Daros las gracias a todos los que con vuestras cámaras plasmáis la naturaleza con vuestro sello especial.

Un Saludo y Feliz Navidad y año nuevo a todos.

miércoles 21 de diciembre de 2011

¿Cómo exponer bien una fotografía?

 
     Este es un tema que no he tocado en el blog, y que, por lo importante del asunto, debería haber hecho ya. Así que, pidiendo disculpas lo primero por no haberlo puesto antes, comencemos con ello.

   Muchas veces, sobre todo al comienzo, a la hora de medir la luz para hacer una fotografía, nos fiamos de la cámara en modo automático. Esto está muy bien para casos en los que podemos perder una fotografía y queremos captar el momento rápidamente, pero fuera de ese caso, no deberíamos medir como norma general en automático.

    La manera más recomendable de medir en fotografía de naturaleza es en manual.

    Toda fotografía da como resultado una gráfica llamada histograma, que mide los valores de luz que tiene la imagen. A veces no sale en la pantalla de nuestra cámara, pero hoy en día todas las cámaras tienen una función para que aparezca el histograma nada más hacer una fotografía.

     Una fotografía está correctamente expuesta cuando los valores del histograma están desplazados lo más a la derecha posible sin llegar a rozar el límite de la gráfica. Esto nos indicará que todos los píxeles de nuestra foto tienen información de tono, la mayor cantidad de información. Si llegara a rozar con la zona derecha, habríamos quemado varios píxeles y la información que tendrían se habría perdido, quedando una referencia de que lo que hay ahí es solo color blanco. Cuando nos hemos pasado poco, en ocasiones se puede recuperar, pero esto solo se puede hacer cuando uno ya tiene amplia práctica y sabe qué es lo que va a quedar bien.

     Cuando ponemos la cámara en manual y pulsamos el disparador a la mitad, la cámara mide la luz y nos da una información sobre la exposición, que viene reflejada en el indicador de nivel de exposición, que tiene unos números del -2 al 2 y unos puntitos que expresan medios diafragmas, si solo hay uno entre cada numero, o tercios de diafragma, si vemos 2. Lo normal es tener activado el indicador de nivel de exposición con tercios de diafragma. Al pulsar, una barra se colocará bajo uno de esos números o puntitos y parpadeará, indicándonos un valor.

     Para medir la luz tenemos que poner el tipo de medición de la cámara en 'Puntual'. Vemos que en nuestra cámara aparecerá en el centro del visor o en la pantalla un punto. Esto significa que la luz de toda la escena la va a coger en ese punto y no en el resto de la pantalla.

     Una cosa que tenemos que aprender desde el principio es aprender a cambiar de diafragma, de velocidad de obturación y de ISO sin despegar el ojo del visor. Una vez que sepamos manejarnos así, todo será mucho más sencillo.

Manera de medir

     La manera de medir, una vez tomadas estas precauciones y dado los pasos anteriores es la siguiente:

     1)  Disponemos en el visor la imagen que queremos fotografiar, y averiguamos cuál es la zona más luminosa que va a tener nuestra foto. Pongamos por ejemplo, que la zona en cuestión va a ser una nube blanca que hay en el cielo.

     2) Colocamos la cámara de forma que la nube blanca quede en el centro, justo donde marca el símbolo de medición puntual, y pulsamos a la mitad el disparador. En ese momento nos dará un valor en el indicador de nivel de exposición. Imaginemos que pone:  -1.  Eso significa que la fotografía todavía está subexpuesta y debemos alzarla de luz. Para hacerlo, podemos hacer la fotografía más lenta, o abrir el diafragma (bajamos de número), o bien subimos el ISO. Si nos lo hemos aprendido de memoria, no tenemos ni que apartar el ojos del visor.

         Hacemos pruebas hasta que al medir en la nube nos da 0. Si recomponemos y hacemos la fotografía, veremos en el histograma que todavía nos queda espacio a la derecha, y que podríamos haber hecho la fotografía con más luz sin que saliera sobrexpuesta. ¿Porqué pasa esto si la zona luminosa estaba a 0? Esto sucede porque el medidor de luz de las cámaras mide para los grises y no para los blancos, por lo que cuando hemos llegado a 0, aún podemos sacarle más luz a la toma. De esta manera conoceremos el límite de sobrexposición de nuestra cámara, es decir, cuánto tengo que subir la fotografía de luz antes de que me sobrexponga. Cada cámara tiene su límite. La mía la puedo subir hasta un punto por encima de 1 y me sale la fotografía clavada de luz.

      3) Una vez hechas varias pruebas, nos daremos cuenta de que podemos subir siempre la luz hasta 2 o 3 puntos sin que sobrexponga. La próxima vez que midamos el punto más luminoso de una escena, ya podremos subir la exposición hasta 3 puntos por encima del 0 perfectamente y al hacerla nos saldrá perfecta si realmente el punto que hemos elegido era el más luminoso.

Ejemplos diversos

     a) Imaginemos que estamos disparando a mano a 1/160 y no queremos bajar de esa velocidad para que no nos salga movida. Hemos medido y todavía está oscura. Tenemos 3 maneras de solucionar la falta de luz. Una es usando flash si se puede, otra es abriendo el diafragma, y la última es subiendo el ISO. Pero imaginemos que nuestro flash no llega a iluminar el fondo y tenemos que hacerla sin flash, y que no quieres bajar de f/8 para no perder calidad en el resultado final o para no perder profundidad de campo. La única solución será subir el ISO. Este es uno de los motivos importantes por el que a mejor ISO de cámara, más situaciones podremos afrontar en nuestra fotografía.

     b) Otro ejemplo. Imaginemos que hemos medido la luz bien, hemos hecho la fotografía y vemos que el cielo sale perfecto de luz, pero el campo sale muy oscuro. Esto es debido a que la escena tiene un alto rango dinámico, es decir, que la diferencia entre luces y sombras es muy grande. Esto pasa mucho. Para solucionarlo se usan filtros en los que la mitad se va oscureciendo. Se llaman filtros degradados. Colocando el filtro con un portafiltros en nuestro objetivo, y poniendo la parte más oscura en el cielo luminoso, igualamos la luz un poco respecto de la del campo, que estaba tan oscura, con lo que podremos hacer la fotografía con más luz y esos tonos oscuros del campo se verán más claros.

     c) Imaginemos que hacemos la fotografía, medimos bien y al ver el resultado la fotografía está muy clara de luz, aunque el histograma no dice que esté sobrexpuesta. Esto sucede porque la fotografía ha recogido mucha luz al ser una escena muy clara, y no significa que esté mal expuesta, al contrario, está perfectamente expuesta. Para que nos quede como lo que hemos visto con nuestros ojos, en el software, en casa, podremos bajar la exposición a nuestro gusto. Pero la fotografía estaba bien expuesta, recordad.

Ejemplos gráficos

     En esta fotografía el animal es muy oscuro, y el campo muy luminosos. Será muy difícil sacar bien ambas cosas, salvo con una cámara que tenga un alto rango dinámico.
     Primero os pongo un ejemplo de como estaría subexpuesto.



     Vemos que el histograma está todavía muy desplazado hacia la izquierda y se le puede dar más luz, pues queda un espacio vacío en esa parte.

     Hagamos otra fotografía:



       En este caso nos hemos pasado un poco de luz, porque el histograma está un poco pegado a la derecha y eso nos indica que ya sobrexpone en las zonas de más luz.

       La exposición correcta sería esta:



      Pongamos otro ejemplo. En este caso, la típica fotografía que es muy clara en los tonos.

      Sobrexpuesta se ve perfectamente:


     El histograma está totalmente desplazado a la derecha y está rozando con el límite, con lo que la fotografía estará sobrexpuesta.

     Si subexponemos pasa lo siguiente:

 
      Da la impresión de que está bien expuesto, sin embargo, el histograma nos dice todo lo contrario, que admite más luz.

      Pues vamos a dársela:



     Ahora está perfectamente expuesto, pues todo el histograma está desplazado a la derecha pero sin tocar el extremo, con lo que no habrá ninguna luz sobrexpuesta a pesar de la claridad que aparece.

     Con esta fotografía en la cámara, luego mediante el software le podremos bajar la exposición hasta que se parezca a lo que había realmente, que era esto:



     Podríamos pensar, y ¿Porqué no haberla hecho subexpuesta, pues queda igual no?  Una fotografía que está subexpuesta, no capta toda la viveza del color ni de la luz en una fotografía, pues pierde información en los tonos, sin embargo, una fotografía que se ha llevado al límite de la exposición y luego se ha bajado para dejarla como era originalmente, tiene toda la información en los tonos y la calidad será mayor, sin duda.

     Bueno, pues ya sabéis la manera de exponer correctamente.

     Un Saludo