Fotografía de la Naturaleza de Carlos Dorado

Práctica Fotográfica nº13

2012-01-20T11:38:00.001+01:00

Ya está disponible al Práctica Fotográfica nº13, esta vez por Cantabria y Asturias.

Espero que os guste

Expresión de Autor: Ana Retamero

2012-01-11T14:07:00.000+01:00

Ana Retamero es profesora de Biología. No es profesional de la fotografía, sin embargo, si lo fuera, la única diferencia, es que tendría más tiempo para hacer fotografía, pero nada más, pues actualmente atesora en su haber una larga lista de premios justamente recibidos por su gran trabajo fotográfico.

Aún con todo, no son los premios lo que me ha llevado a incluir a Ana Retamero en esta exclusiva lista de fotógrafos de la sección 'Expresión de Autor', sino su virtud fotográfica más destacada: Su visión fotográfica.

No es fácil definir a una fotógrafa por su trabajo, pero si tuviera que definir la característica más importante de esta autora, es que: 'Sabe ver'. Sabe ver lo que a muchos se nos escaparía, los pequeños detalles, la relación entre las formas, lo que la naturaleza esconde.

Como veréis, al igual que Jonathan Lhoir, la fotografía de Ana Retamero no es por lo general un tipo de fotografía que requiera materiales fotográficos tan caros que podamos pensar que su trabajo está reservado solo para los que tienen un buen desahogo económico, no. La fotografía de Ana es sencillez, elegancia y estilo, y eso no se compra, se lleva dentro y se puede educar. De ahí que haya elegido a esta estupenda fotógrafa para que juntos podamos aprender un poco de ella.

Como hice en mi primer post de 'Expresión de Autor' empezaremos por las fotografías más asequibles para todos, e iremos poco a poco creciendo en complejidad.

Ana Retamero

Paisajes

Empezaremos por la sección de espacios naturales

Primera

Una sencilla toma en la que la combinación de varios factores produce un resultado muy satisfactorio.

Para hacer una fotografía así, o bien te la encuentras ya, o bien se encuentra el lugar y luego más tarde se acude con la luz que uno busca. Según ella misma nos cuenta, le gusta esperar a tener la luz adecuada a lo que ella pretende expresar.

La luz de esta fotografía es una luz lateral de atardecer o amanecer. Este tipo de luz, además de embellecer el conjunto con tonos cálidos, produce sombras muy alargadas y laterales, que combinadas con las formas, pueden crear escenas muy peculiares donde a penas unas horas antes no parecía haber nada interesante. Ya tenemos nuestra primera enseñanza para hoy: En la medida de lo posible, debemos hacer la fotografía solo con la luz adecuada a nuestros fines. Debemos buscar esa luz o esperar a que se dé el momento, y no aventurarnos a hacer la fotografía con la luz que tenga. Hay que preguntarse si con una luz distinta la escena mejoraría.

Pero no solo la luz es un valor en esta fotografía. El sujeto principal, la planta, está ubicada en el primer plano, jugando con la cercanía a la cámara y con las líneas que la propia duna tiene. Las líneas nos crean sensación de profundidad, y dirigen la mirada desde la planta hasta que la vista termina con la parte superior de la fotografía, como indicando que la duna continúa. Esas líneas, además, nos indican soledad, aislamiento, pues no hay ninguna pisada ni ningún otro ser vivo salvo la planta del primer plano.

Esta fotografía, puede lanzar un mensaje de angustia, si a uno le causa dificultad la soledad, o de paz, si uno disfruta en ella, por eso, las fotografías no acaban en la cámara, sino que continúan formándose hasta llegar al espectador, que es quien las acaba con el resultado final que ha producido dicha fotografía en él. Lo que a uno le ha sugerido angustia, a otro le ha sugerido miedo, y a otro paz o serenidad. Esto es muy importante conocerlo, pues la fotografía no es hacer 'click' con la cámara. Eso es hacer fotos, pero no fotografía. La fotografía es arte si se cuida y se trabaja, y el arte es comunicación y mensaje, ya sea para bien o para mal.

Fijaos que manera más sencilla de mandar un mensaje el de esta fotografía. Simplemente tenemos que cuidar los detalles, fijarnos y pensar qué nos sugiere una situación concreta que vemos en la naturaleza o de qué manera podríamos expresar algo concreto modificando la ubicación de la composición o la luz.

Respecto al material para hacerla, no necesitaremos mucho. Podríamos hacerla con una compacta, y de ahí para arriba, claro. Una fotografía al alcance de todos si vamos aprendiendo poco a poco a saber ver.

Segunda

Vemos ahora una fotografía de bosque. Las fotografías de bosque siempre son difíciles, pues la maraña de árboles dificulta mucho una composición ordenada de los elementos, y todo resulta más caótico para nuestra percepción. Dentro de esa complejidad, estamos ante una fotografía que ha sabido ordenar los factores individuales hacia una sensación de conjunto muy interesante.

Lo primero que percibimos, es que la fotografía está dividida por el verde de los alcornoques y el amarillo de los helechos. Todo ello salpicado por los troncos descorchados y oscuros que rompen la horizontalidad en favor de trazos verticales que no son al hazar. Si os dais cuenta, Ana se ha posicionado de tal manera que los troncos, por un lado forman como un triángulo que dirige nuestra vista hacia el centro, y por otro crean una línea de izquierda a derecha, que se aleja y consigue que acabemos mirando al árbol de la derecha. Una composición que no es fácil de ver.

Es importante la división entre los 2 colores, porque eso crea una sensación de sencillez en el conjunto, que un bosque, por la maraña de árboles, no tiene habitualmente. Hay una armonía en el conjunto que ha sido buscada adrede para estabilizar un poco la imagen.

Quizás no lo habéis notado, pero parte de la calma que transmite esta foto, a parte de ser por la simetría creada, le viene dada por la luz de día nublado que tiene. Esta misma fotografía, con luz dura de medio día, habría sido terrible. Esas luces también las debemos buscar y esperar a que sucedan.

Esta es otra toma que se puede hacer con una compacta, pero ahora bien, hay que saber verla. Podríamos pasar por este sitio y no ver esta fotografía. La experiencia y el ir muy muy atentos a todo lo que nos rodea, nos llevará a descubrir lo que está oculto a los ojos inexpertos.

Nuestro posicionamiento en el lugar es crucial. No es lo mismo un lugar, que un paso más adelante o hacia atrás, o desplazarse un poco a la izquierda o agacharse para cambiar el punto de vista. Hay que probarlo todo en cada ubicación e ir descubriendo cada posible imagen en la naturaleza. Siempre valorando mucho cómo va a quedar el fondo respecto al motivo principal.

Detalles

Si hay algo en lo que destaque la fotografía de Ana Retamero es en los detalles, es quizás el motivo por el que ha entrado en esta selección, por su capacidad para recoger el detalle con gran inteligencia.

El detalle es un tipo de fotografía al alcance de todos, quizás más destinado a las reflex, pues con las compactas podemos acceder al detalle, pero con mucha profundidad de campo. Hay que saber buscar y encontrar. Una cámara reflex normal nos permitirá acceder al detalle, sin embargo, si no hemos visto lo oculto, perderemos ese momento. La cuestión es ejercitarse en mirar detenidamente todo en nuestras salidas al campo, y ver la relación de las cosas en su entorno.

Tercera

Esta fotografía es un acercamiento macro, pero no es una fotografía sencilla como pudiera parecer a simple vista. No consiste en verlo, acercarse y pulsar el botón. La fotografía lleva la perfecta melodía de la composición, algo que debemos aprender a tocar.

Fijémonos lo primero en la luz. Una luz extremadamente suave, perfecta, que invita a algo agradable, muy acorde con lo que estamos viendo. Esta armonía encaja perfectamente con la textura. La planta tiene una textura como de algo suave, como algodón o seda. Una luz dura no hubiera favorecido nada esta sensación. Si nos encontramos esta planta en agosto a las 16:00 de la tarde podemos poner un difusor encima y nos suavizará la luz. Esa es la ventaja de poder modificar los parámetros de luz en los objetos pequeños. Algo que muchas veces es recomendable: cambiar la luz que hay.

El tono también favorece el conjunto. Es un color ocre apagado, claro, sin sombras.

El fondo grisáceo también acompaña a toda la fotografía y encaja hasta confundirse con la misma planta.

Otro factor interesante, la disposición de los tallos, que crean líneas que dirigen la mirada hacia un punto concreto, fuera ya de la imagen, pero alineado en perfecta armonía, que nos indica que toda la planta surge de un único tallo.

La profundidad de campo permite un cierto desenfoque del fondo, que hace que se pierda la imagen hacia un infinito. Es una imagen etérea, que da paz, armónica, en abanico.

En definitiva, una fotografía trabajada.

En todos estos factores tenemos que poner la atención antes de que la adrenalina del momento nos haga disparar nuestra cámara. Hay que pararse, pensar, buscar distintos fondos, distintos puntos de vista y alturas. Crear distintas composiciones, sin el conformismo de hacer la primera fotografía que hayamos visto. Pararse, intentar descubrir si podemos crear expresividad, mensaje, comunicar algo.

La fotografía es esto, un trabajo anterior al momento del disparo. Un trabajo que no se ve, pero que en el resultado final se percibe y hace transmitir algo en la fotografía final.

Cuarta

Esta fotografía es también otro de esos detalles que hay que saber ver. Aparentemente es una situación que estamos hartos de ver en los campos. En este caso, en un campo de trigo, sin embargo, sabiendo componer adecuadamente, podemos resaltar algo que en el conjunto pasa desapercibido, pero que ante los ojos que lo saben ver, descubre la belleza de la naturaleza.

De nuevo la luz es suave, y da un aspecto pictórico a la escena. Ante un campo seco de trigo, una pequeña zona tiene todavía color, el color verde, rojo y amarillo que podríamos encontrar a principios de Junio en nuestros campos.

La reducida profundidad de campo nos ayuda a crear profundidad, con espigas desenfocadas en primer plano y al fondo.

De alguna manera, el color seco de las espigas rodea al verde. El color verde nos habla de esperanza, de ilusión, a cada uno le transmite sentimientos diferentes. Si os dais cuenta, de nuevo la imagen comunica un mensaje. Algo seco que rodea a algo con vida. Los significados acabarán con lo que a nosotros nos transmita.

La foto está aislada del resto del paisaje, porque el resto no importa, ni cielo, ni caminos, lo que importa es esa pequeña parte. Para este tipo de fotografías yo uso mucho el Canon 70-200 f/2.8, que da gran nitidez y desenfoca con muchísima belleza. Aquí un teleobjetivo medio nos será muy útil.

Esta fotografía no es apta para todos los tipos de cámaras, porque solo con una reflex y un teleobjetivo en condiciones conseguiremos esa reducida profundidad de campo.

Quinta

Esta tampoco es una fotografía al alcance de todas las cámaras. Se necesitará una reflex. Está realizada con un teleobjetivo de focal larga, así se consigue una mínima profundidad de campo. Es muy probable que con el diafragma totalmente abierto.

De nuevo, el sujeto principal queda aislado mediante el pasto seco que lo rodea. La mínima profundidad de campo ha hecho que todo esté desenfocado, salvo una pequeña parte del sujeto principal.

Como recomendación para estas fotografías, debemos procurar que el sujeto esté perpendicular a nosotros, para que, aunque todo esté desenfocado, el plano que forme el sujeto principal esté enfocado. Si la planta estuviera en el mismo eje que nosotros, veríamos enfocada solo una flor, y el resto estarían totalmente desenfocadas.

Otra recomendación para la composición es intentar que los distintos elementos queden separados siempre que sea posible. En este caso, cada flor está prácticamente separada de la otra, y no se interponen o se ocultan unas a otras. Hay veces en las que no es posible, pero si lo es, debemos procurar que el resultado final no cree confusión y no se mezclen elementos.

De nuevo vemos que Ana ha elegido la luz suave, que es la que más conecta con esta imagen tan delicada.

Sexta

Ahora subimos en complejidad. Ya para los fotógrafos de aves.

Vemos una imagen sencilla en elementos. Se ven 2 alcatraces con su magnífico plumaje.

La gran virtud de esta fotografía es el paralelismo entre ambos ejemplares, que se complementan y dejan cerrada la imagen, es decir completa. No es necesario ningún elemento más.

Para hacer este tipo de imágenes hay que tener equipo en condiciones para estar camuflado y poder llegar con tu focal al animal y a sus detalles, y requiere mucha paciencia y tiempo empleado. No son fotografías casuales, sino buscadas en las que se han previsto las condiciones y se ha preparado todo a conciencia.

Normalmente requerirá de una cámara que pueda disparar ráfagas de fotos y procesarlas internamente de modo rápido.

Séptima

También sobre aves. Con esta fotografía Ana me ha dejado boquiabierto. Cuando escribía este post puse que era un detalle muy interesante el que se vieran las nubes detrás de las cigüeñas, que indicaba que era un lugar alto. Cuál fue mi sorpresa, cuando al pedirle permiso a Ana Retamero para utilizar sus fotografías me explica que lo que se ve al fondo no son nubes... sino olas, espuma de las olas del mar. Ciertamente me quedé impresionado. La intención de Ana era crear el efecto de nubes, y ya lo creo que lo ha conseguido. Es imposible saber que son olas. Además, da la sensación de estar en un lugar altísimo, situación no muy habitual en un nido de cigüeña.

Como veis, la inteligencia aplicada a la fotografía es un factor crucial para una buena fotografía.

La composición con el motivo principal entra por la zona inferior derecha hasta la mitad de la fotografía, y permite que se vean las olas por la izquierda y por arriba. La disposición de los nidos y de las cigüeñas crea una línea que sube de izquierda a derecha, en una estampa muy típica de estas aves, salvo por la sensación de altura que da.

En este caso tenemos luz dura, que permite resaltar más todavía el volumen de las nubes del fondo y el color de los picos y las patas.

Sin duda, una toma ingeniosa al máximo.

Octava

Otra fotografía de aves. Vemos como juega con el reflejo, parte muy importante de esta fotografía. pero además, ha captado la pata trasera saliendo del agua, lo que crea la sensación real de que el correlimos está corriendo, a parte de que está en el aire. La luz del sol ha iluminado perfectamente al correlimos, y toda la escena rebosa sencillez captando rápidamente la atención hacia el sujeto principal y lo que está haciendo.

Como veis, la sencillez es una virtud de buen fotógrafo.

Novena

Esta fotografía rebosa ingenio. Ved como, alterando la luz, ha conseguido crear un centro de interés magnífico. La flor no está captada en su totalidad, Ana ha preferido jugar con tres líneas de sus colores de manera que creen una composición que parte de la zona de luz y se expande hacia afuera.

El enfoque está perfectamente ubicado para que se vea la textura de las paredes de la corola de la flor, resaltada por esa luz que sale de dentro, como si fuera el paso a otra dimensión. Es una fotografía espectacular. Me parece de un ingenio tremendo.

Décima

Esta fotografía no es tan espectacular como otras, pero su composición merece un comentario. Son hojas de nenúfar, pero Ana ha jugado con el agua alrededor e incluso con el agua que ha entrado en una de las hojas. Las líneas o mejor dicho, curvas, tienen un orden, se nota que la fotografía está realizada con intención y que la autora ha buscado esa sensación. Si nos ponemos a imaginar, puede parecernos la silueta de un ave en vuelo.

Debemos preocuparnos mucho de la composición de nuestras fotografías. Si os dais cuenta conseguiréis buenas fotografías donde aparentemente no hay nada.

Acabando

Aunque Ana Retamero tiene muchas más fotografías, no os voy a comentar todas. Entrad en su web e id analizando su trabajo, ya veréis como con ingenio y visión fotográfica, conseguimos aprender mucho de su forma de fotografiar.

Con esta autora, hoy os he querido mostrar principalmente la importancia de saber ver los detalles y de no incluir muchos elementos en una fotografía.

Os dejo el enlace a la página de Ana Retamero:

http://www.anaretamero.com

Un Saludo a todos y mi agradecimiento a Ana por la colaboración con sus fotografías.

Nuestra obra en papel

2012-01-05T21:46:00.002+01:00

Una de las batallas pendientes que desde hace tiempo tenía, era la impresión de mi propia obra a papel.
Es una tarea que da pereza hacer por primera vez, pues aunque he leído algo en la teoría, la práctica siempre me cuesta mucho.
Ahora, en estos días, he tenido la oportunidad de informarme de primera mano, y he ido a una de las tiendas más importantes de impresión fotográfica de Madrid: Fotosíntesis (también conocida como Clorofila Digital).

Había una imagen que desde hace tiempo quería imprimir, y un buen día, cogí el coche, me acerqué a Madrid y llegué a la tienda.

No sé porqué razón pensé que al ser tan novato me tratarían mal, y sin embargo, fue todo lo contrario. No intenté dármelas de sabiondo y nada más llegar dije sin más miramientos:

- Buenos días, venía a informarme sobre tipos de impresión digital sobre papel y soportes. No tengo ni idea sobre el tema.

Inmediatamente me sacaron una carpeta en la que iban impresas distintas fotografías, cada una en uno de los papeles que trabajan, con la información de qué tipo de papel era y qué gramos tenía.

En esta tienda trabajan con las marcas Camson y Hahnemühle. Yo les pregunté por la marca Endura, y me dijeron que Endura no es una marca, sino un tipo de papel de Kodak. Con lo cual dejé patente no solo mi inexperiencia, sino también mi ignorancia. Aunque no trabajan con Kodak, puedes llevar el papel que quieras que te lo imprimen.

Afortunadamente, las distintas visitas a esta tienda me han servido para aprender ciertas cosas que sin duda, os servirán a vosotros para tomar decisiones o tener un primer acercamiento a la impresión a papel.

Una de las chicas que atiende me explicó que en cuestión de marcas, todas tienen sus papeles estrella que tienen garantía de durabilidad y calidad en el acabado final, con lo que la diferencia entre marcas es mínima, ya que todas compiten por tener papeles de alta calidad.

Tras una detenida observación de cada papel viendo su brillo, su tonalidad, su rugosidad y grosor, elegí el papel a mi gusto e hice la impresión, que quedó magnífica.

Ahora bien, tranquilos que no os voy a dejar así sin explicaciones.

PRESENTACIONES

Poniendo el baremo en conseguir un acabado óptimo de calidad, podemos decir que para la presentación de nuestra obra tenemos 2 tipos de papeles:

- Papeles RC.
- Papeles de algodón.

El papel RC se presenta en brillo o en mate y es más barato. Es el papel fotográfico por excelencia, sin rugosidad. Da calidad suficiente como para exposición o venta de obra al público. Es el elegido por muchos fotógrafos de naturaleza para venta de sus obras.

El papel de algodón puede ser más o menos liso o presentar rugosidad. Es más caro, incrementa un poco los tonos cálidos en el acabado final (lo cual hay que contrarrestarlo en el jpg que entreguemos). Es más elegante y da sensación de lienzo. Es extremadamente delicado, pues ponerle un dedo encima implica una posible mancha de grasa, y un pequeño roce crea facilmente un rayajo blanco. Es recomendado para exposición siempre que el autor vigile la manipulación de la obra en todo momento para que nadie la toque sin guantes ni la golpee, así como para exposiciones donde la obra esté protegida del público para que no la toque.
En el papel de algodón encontramos diferentes gramos de grosor, pero todos tienen igual precio.

Dependiendo de cómo sea nuestra fotografía le pegará más un RC o un Algodón. Con la experiencia veremos qué colores destacan más en un papel u otro, y cual se adecua más a nuestros gustos.

Una vez que hemos elegido donde queremos imprimir nuestra obra, podemos decirle a la tienda que se encarguen de elegir el perfil de color (que lo hacen muy bien), o preguntarles qué perfil usan y llevar nuestra foto con ese perfil (lo cual es más complicado aunque nos aseguramos de que quedará exactamente igual que como lo hemos visto en casa. Para esto debemos tener un monitor bien calibrado en casa, claro). Yo recomiendo darles una primera oportunidad, y si lo hacen bien, trabajar siempre de manera que se encarguen ellos del color.

Debemos entregar nuestro jpg en AdobeRGB98 si queremos que se encarguen ellos.

Sobre la pregunta de si imprimir en brillo o en mate, la respuesta irá a gusto del autor. Se recomienda no usar brillo para obra fija, pues se crean brillos difíciles de evitar. Sin embargo para un portfolio, el brillo incrementa la belleza de la obra, y siempre la podemos mover con la mano para mostrarla.

SOPORTES

El siguiente paso es ver qué soporte queremos para nuestra obra. Podemos llevarnos la fotografía tal cual, y luego en la tienda que más nos guste enmarcarla a sangre (a ras de foto) o ponerle paspartú, que queda más elegante, o podemos hacerlo todo directamente en la tienda para asegurarnos de que nadie más va a tocar nuestra obra con el correspondiente peligro de dañarla.

Los acabados son numerosos, pero los que más nos pueden interesar son el enmarcado a sangre (que no queda muy bien). El enmarcado con paspartú, que queda más elegante, o dejar la fotografía sin marco. Sea como sea, la fotografía tiene que ir pegada sobre un soporte para darle consistencia. Ese soporte puede ser de 2 tipos:

- Foam
- Dibond (algo más caro y más resistente)

El Foam no es más que cartón pluma. Un tipo de cartón que pesa muy poco y provee de un soporte a nuestra obra.
El Foam sin marco no queda bien, pues se ve el cartón, sin embargo, para una exposición en la que nuestro presupuesto esté ajustado, puede hacerse sin marco. No es lo mejor, pero es lo más económico.

El Dibond es un soporte de 2 láminas de aluminio cuyo interior va en polietileno y le da una consistencia rígida, con cierto peso y durabilidad. Suele ser el elegido para venta de obra, y se puede presentar con marco, lo cual es algo absurdo, pues se puede hacer más barato con Foam, o se puede presentar con bastidor, que es una especie de marco de madera u otros materiales que va detrás del dibond y no se ve. Su función es separar nuestra obra de la pared y a la par poder colgarla. Queda muy elegante.

En el caso de que quisiéramos tener un portfolio para presentar, con tener las fotografías en papel RC, sin ningún tipo de soporte nos bastaría.

PRECIOS APROXIMADOS

Hablemos de precios aproximados. A continuación os pongo lo que cuesta hacer este tipo de impresiones con sus soportes, e incluso lo que costaría un portfolio y las reproducciones de una hipotética exposición fotográfica.

Copia RC 50x70: 35-40€
Copia RC 70x100: 75-80€

Papel Algodón 50x70: 70€
Papel Algodón 70x100: 110€

Si queremos poner nuestra obra sobre un soporte tendremos unos precios aproximados a esto:

Copia RC 50x70 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio: 100-105€
Copia RC 70x100 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio: 180-185€

Papel Algodón 50x70 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio: 135-140€ (precio similar al Dibond)
Papel Algodón 70x100 sobre Foam 10mm. con moldura de aluminio: 215-220€

Papel Algodón 50x70 sobre Dibond 3mm. con bastidor de madera: 135-140€
Papel Algodón 70x100 sobre Dibond 3mm. con bastidor de madera: 230-235€

El Papel RC no lo montan sobre Dibond con bastidor.

Como veis no estamos hablando precisamente de precios asequibles, sin embargo, la calidad de la obra vale el precio que pagas.

En el caso de que quisiéramos hacernos un portfolio para llevar nuestras fotografías en una carpeta adecuada y poder presentarlas, un precio orientativo sería el siguiente para, por ejemplo, 15 fotografías:

15 Copias RC 30x40: 300-305€

Y en el caso de que quisiéramos hacer una exposición en el soporte más barato que hay, que es foam, y sin marco, tendríamos un aproximado como el siguiente. Pongamos para 15 fotografías:

15 Copias RC 60x80 sobre foam 10mm: 1165-1170€

He aquí la importancia de conseguir patrocinadores para nuestras exposiciones.

Respecto a la manera de entregar la fotografía en la tienda, podemos hacer la fotografía sin márgenes, es decir, a sangre, o incluir en nuestra imagen un borde blanco a nuestro antojo, imitando un paspartú, midiendo bien la cantidad de borde blanco que ponemos y sus proporciones, para que haga de fondo a nuestra fotografía y la separe de la textura y color de la pared en la que la colguemos, o para que se vea la textura del papel si utilizamos papel de algodón. La inclusión o no de un marco vendrá determinado por nuestros gustos, aunque es recomendable que si lo hacemos, tenga un color de la gama que incluye nuestra fotografía.

PREFERENCIAS SOBRE ACABADOS

Mis preferencias sobre acabados es papel de algodón montado sobre dibond con bastidor, en el que la fotografía que entrego, tiene un borde ancho blanco proporcional en toda la fotografía, que permite ver la textura del papel y su calidad.

Así es como quedaría:

Esta imagen que veis, mide, incluido el borde blanco, 66x90 y lo que es la fotografía mide unos 50x76. Es un papel de algodón Hahnemühle German Etching (310gr.) montado sobre un dibond con bastidor. Ha costado en total unos 230€.

No lo haría de esta manera para una exposición, pues sería cuestión de minutos que alguien arruinara la obra al tocarla o que un transportista o la persona encargada de ponerla la rayara con una hebilla de la chaqueta. La calidad es altísima, pero también su fragilidad. Solo haría una exposición así si me aseguraran que la manipulación va a ser por profesionales y la gente no va a poder tocar la obra. En caso de que estas condiciones no fueran posibles, es mejor hacerlo en papel RC, que siempre se puede limpiar algo con una toallita de microfibra para gafas.

Os pongo un par de fotografías para que veáis lo que es un bastidor, una especie de marco que va detrás del dibond y separa la fotografía de la pared.

Otro acabado muy elegante es con papel de algodón, un pequeño borde blanco después de la fotografía para mostrar el papel, paspartú en consonancia con la tonalidad de la fotografía y enmarcado en madera o aluminio de un color acorde al conjunto. En este caso podemos utilizar de soporte un foam o un dibond, pues no se va a ver. Elegiríamos el foam si va a ir colgado desde el marco o dibond si vamos a ponerle bastidor.

PROTECCIÓN Y TRANSPORTE

Si vendemos nuestra obra deberemos enviarla de manera que esté muy protegida, no solo con papel acolchado, sino incluso con estuche protector que se puede hacer comprando a parte foam.

Muy importante la empresa de mensajería por la que lo mandamos. Lo ideal es llevarlo nosotros, pues aún con estuche, el conjunto es muy muy delicado. Si podemos hacer un seguro de paquete con la mensajería con la que lo mandamos, tanto mejor. Sin las precauciones adecuadas, nuestra obra puede llegar marcada y totalmente estropeada, pues un simple arañazo implicará la devolución de la obra. Así que hay que tener extremo cuidado con esto.

En fin, espero haber aclarado algunas dudas que pudierais tener sobre este tema y animaros a hacer vuestras propias ampliaciones.

Tu Foto Comentada

2011-12-31T17:52:00.000+01:00

Autor: ANTUAN AYLLÓN

Camara: Canon EOS 5D Mark II
Objetivo: Canon 24-105
Focal: 24mm.
Abertura: f/4
Velocidad: 0,6sg
ISO: 1250

Especie: Posiblemente una Balaenoptera physalus (Rorcual)

Lugar: Playa de San Martín - Santoña (Cantabria)

Con trípode.

WEB: http://inventariodelugarespropicios.wordpress.com/

COMENTARIO

Hoy tenemos una fotografía que sin serlo, nos puede servir de modelo para las fotografías tipo 'Denuncia'.

En ocasiones encontramos sujetos animales muertos, ya sea por accidentes o por la acción del hombre que queremos mostrar con ese aire dramático que acompaña siempre a la muerte.

En el caso que nos ocupa, es muy fácil ponerse nervioso, ante el espectáculo que tenemos delante. Ante todo debemos serenarnos y hacer la fotografía no solo teniendo en cuenta el sujeto en cuestión, sino todo lo que le rodea.

Es de noche, con lo cual necesitaremos una exposición larga, un diafragma abierto y probablemente un alto ISO.

En este caso, al ser la cámara una 5D Mark II podemos utilizar ISO's de hasta 1600 ISO con calidad aceptable. Son menos recomendables los pasos intermedios, que en definitiva son extrapolaciones de los números enteros de ISO, es decir. Se recomienda el ISO 100, 200, 400, 800 y 1600 en la 5D, pero los ISO's que hay intermedios son forzados de estos, con lo cual tienen algo menos de calidad. En este caso concreto habría sido preferible usar ISO 1600 o ISO 800. Recomiendo el siguiente artículo de Guillermo Luijk: (http://www.guillermoluijk.com/article/isos5dmkii/index.htm).

Respecto a la composición vamos a ver como hubiera mejorado.

En primer lugar es muy importante fijarnos, una vez hemos compuesto como queremos, si el horizonte está centrado. En este caso hubiera necesitado un pequeño toque para que esté nivelado.

Tenemos que fijarnos también en las esquinas. Qué es lo que corta la fotografía y si con un pequeño movimiento podemos mejorarlo. Para esta composición yo hubiera dado más espacio a la cola del Rorcual para que no quedara tan pegada, es más, hubiera incluido toda la cinta de la policía que hay por el suelo, como parte de la composición o la hubiera movido a mi gusto para que entrara dentro del encuadre.

Las personas son parte de la atracción, pero quizás, si volvemos unas horas más tarde, cuando todo el mundo está en su casa, evitamos la presencia humana, y conseguimos mayor sensación de soledad en el animal. Recordar que no solo buscamos plasmar un instante, sino suscitar una sensación en el espectador.

En el caso de sacar a las personas, hay que procurar que, o bien salgan estáticas, o si vamos a sacarlas movidas, que se note que es nuestra intención. Yo hubiera alargado más la toma a varios segundos, para propiciar que se viera patente el movimiento de las personas alrededor, como si la muerte de este pobre animal fuera un espectáculo.

Hay que plantearse distintos encuadres para intentar sacar también al animal de manera más natural, es decir, con el fondo distinto, sin edificios, etc. Así al llegar a casa vemos las distintas posibilidades y encuadres.

La diagonal que forma el rorcual es muy interesante. El exceso de luz del castillo quizás le resta protagonismo al animal. Los juegos de luz que entren en nuestra fotografía deben servir de complemento al sujeto principal e intentar que no distraigan la atención o la mirada hacia otro punto que no sea el que se busca.

Según me explica Antuan, ha levantado un poco la luz. En el momento debemos estar muy atentos a esto, sobre todo al histograma. Si nos permite más luz, le damos más tiempo o más ISO, hasta que el histograma quede bien encajado. En este caso, nos podemos permitir la sobrexposición de las farolas.

Como dato gráfico es muy interesante, pues como me dice el autor, la última presencia de una ballena muerta en esas playas data de 1940. Así que mi enhorabuena por haber dejado plasmado este momento tan inusual.

Un Saludo, Feliz Año y que el 2012 nos siga trayendo buenas fotos y buenos fotógrafos de los que seguir aprendiendo.

GRACIAS: 100 suscriptores en el Canal de Vídeos

2011-12-28T12:47:00.001+01:00

Han llegado ya a 100 el número de suscriptores en el canal de vídeos:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

Daros las gracias a todos los que con vuestras cámaras plasmáis la naturaleza con vuestro sello especial.

Un Saludo y Feliz Navidad y año nuevo a todos.

¿Cómo exponer bien una fotografía?

2011-12-21T17:32:00.000+01:00

Este es un tema que no he tocado en el blog, y que, por lo importante del asunto, debería haber hecho ya. Así que, pidiendo disculpas lo primero por no haberlo puesto antes, comencemos con ello.

Muchas veces, sobre todo al comienzo, a la hora de medir la luz para hacer una fotografía, nos fiamos de la cámara en modo automático. Esto está muy bien para casos en los que podemos perder una fotografía y queremos captar el momento rápidamente, pero fuera de ese caso, no deberíamos medir como norma general en automático.

La manera más recomendable de medir en fotografía de naturaleza es en manual.

Toda fotografía da como resultado una gráfica llamada histograma, que mide los valores de luz que tiene la imagen. A veces no sale en la pantalla de nuestra cámara, pero hoy en día todas las cámaras tienen una función para que aparezca el histograma nada más hacer una fotografía.

Una fotografía está correctamente expuesta cuando los valores del histograma están desplazados lo más a la derecha posible sin llegar a rozar el límite de la gráfica. Esto nos indicará que todos los píxeles de nuestra foto tienen información de tono, la mayor cantidad de información. Si llegara a rozar con la zona derecha, habríamos quemado varios píxeles y la información que tendrían se habría perdido, quedando una referencia de que lo que hay ahí es solo color blanco. Cuando nos hemos pasado poco, en ocasiones se puede recuperar, pero esto solo se puede hacer cuando uno ya tiene amplia práctica y sabe qué es lo que va a quedar bien.

Cuando ponemos la cámara en manual y pulsamos el disparador a la mitad, la cámara mide la luz y nos da una información sobre la exposición, que viene reflejada en el indicador de nivel de exposición, que tiene unos números del -2 al 2 y unos puntitos que expresan medios diafragmas, si solo hay uno entre cada numero, o tercios de diafragma, si vemos 2. Lo normal es tener activado el indicador de nivel de exposición con tercios de diafragma. Al pulsar, una barra se colocará bajo uno de esos números o puntitos y parpadeará, indicándonos un valor.

Para medir la luz tenemos que poner el tipo de medición de la cámara en 'Puntual'. Vemos que en nuestra cámara aparecerá en el centro del visor o en la pantalla un punto. Esto significa que la luz de toda la escena la va a coger en ese punto y no en el resto de la pantalla.

Una cosa que tenemos que aprender desde el principio es aprender a cambiar de diafragma, de velocidad de obturación y de ISO sin despegar el ojo del visor. Una vez que sepamos manejarnos así, todo será mucho más sencillo.

Manera de medir

La manera de medir, una vez tomadas estas precauciones y dado los pasos anteriores es la siguiente:

1) Disponemos en el visor la imagen que queremos fotografiar, y averiguamos cuál es la zona más luminosa que va a tener nuestra foto. Pongamos por ejemplo, que la zona en cuestión va a ser una nube blanca que hay en el cielo.

2) Colocamos la cámara de forma que la nube blanca quede en el centro, justo donde marca el símbolo de medición puntual, y pulsamos a la mitad el disparador. En ese momento nos dará un valor en el indicador de nivel de exposición. Imaginemos que pone: -1. Eso significa que la fotografía todavía está subexpuesta y debemos alzarla de luz. Para hacerlo, podemos hacer la fotografía más lenta, o abrir el diafragma (bajamos de número), o bien subimos el ISO. Si nos lo hemos aprendido de memoria, no tenemos ni que apartar el ojos del visor.

Hacemos pruebas hasta que al medir en la nube nos da 0. Si recomponemos y hacemos la fotografía, veremos en el histograma que todavía nos queda espacio a la derecha, y que podríamos haber hecho la fotografía con más luz sin que saliera sobrexpuesta. ¿Porqué pasa esto si la zona luminosa estaba a 0? Esto sucede porque el medidor de luz de las cámaras mide para los grises y no para los blancos, por lo que cuando hemos llegado a 0, aún podemos sacarle más luz a la toma. De esta manera conoceremos el límite de sobrexposición de nuestra cámara, es decir, cuánto tengo que subir la fotografía de luz antes de que me sobrexponga. Cada cámara tiene su límite. La mía la puedo subir hasta un punto por encima de 1 y me sale la fotografía clavada de luz.

3) Una vez hechas varias pruebas, nos daremos cuenta de que podemos subir siempre la luz hasta 2 o 3 puntos sin que sobrexponga. La próxima vez que midamos el punto más luminoso de una escena, ya podremos subir la exposición hasta 3 puntos por encima del 0 perfectamente y al hacerla nos saldrá perfecta si realmente el punto que hemos elegido era el más luminoso.

Ejemplos diversos

a) Imaginemos que estamos disparando a mano a 1/160 y no queremos bajar de esa velocidad para que no nos salga movida. Hemos medido y todavía está oscura. Tenemos 3 maneras de solucionar la falta de luz. Una es usando flash si se puede, otra es abriendo el diafragma, y la última es subiendo el ISO. Pero imaginemos que nuestro flash no llega a iluminar el fondo y tenemos que hacerla sin flash, y que no quieres bajar de f/8 para no perder calidad en el resultado final o para no perder profundidad de campo. La única solución será subir el ISO. Este es uno de los motivos importantes por el que a mejor ISO de cámara, más situaciones podremos afrontar en nuestra fotografía.

b) Otro ejemplo. Imaginemos que hemos medido la luz bien, hemos hecho la fotografía y vemos que el cielo sale perfecto de luz, pero el campo sale muy oscuro. Esto es debido a que la escena tiene un alto rango dinámico, es decir, que la diferencia entre luces y sombras es muy grande. Esto pasa mucho. Para solucionarlo se usan filtros en los que la mitad se va oscureciendo. Se llaman filtros degradados. Colocando el filtro con un portafiltros en nuestro objetivo, y poniendo la parte más oscura en el cielo luminoso, igualamos la luz un poco respecto de la del campo, que estaba tan oscura, con lo que podremos hacer la fotografía con más luz y esos tonos oscuros del campo se verán más claros.

c) Imaginemos que hacemos la fotografía, medimos bien y al ver el resultado la fotografía está muy clara de luz, aunque el histograma no dice que esté sobrexpuesta. Esto sucede porque la fotografía ha recogido mucha luz al ser una escena muy clara, y no significa que esté mal expuesta, al contrario, está perfectamente expuesta. Para que nos quede como lo que hemos visto con nuestros ojos, en el software, en casa, podremos bajar la exposición a nuestro gusto. Pero la fotografía estaba bien expuesta, recordad.

Ejemplos gráficos

En esta fotografía el animal es muy oscuro, y el campo muy luminosos. Será muy difícil sacar bien ambas cosas, salvo con una cámara que tenga un alto rango dinámico.
Primero os pongo un ejemplo de como estaría subexpuesto.

Vemos que el histograma está todavía muy desplazado hacia la izquierda y se le puede dar más luz, pues queda un espacio vacío en esa parte.

Hagamos otra fotografía:

En este caso nos hemos pasado un poco de luz, porque el histograma está un poco pegado a la derecha y eso nos indica que ya sobrexpone en las zonas de más luz.

La exposición correcta sería esta:

Pongamos otro ejemplo. En este caso, la típica fotografía que es muy clara en los tonos.

Sobrexpuesta se ve perfectamente:

El histograma está totalmente desplazado a la derecha y está rozando con el límite, con lo que la fotografía estará sobrexpuesta.

Si subexponemos pasa lo siguiente:

Da la impresión de que está bien expuesto, sin embargo, el histograma nos dice todo lo contrario, que admite más luz.

Pues vamos a dársela:

Ahora está perfectamente expuesto, pues todo el histograma está desplazado a la derecha pero sin tocar el extremo, con lo que no habrá ninguna luz sobrexpuesta a pesar de la claridad que aparece.

Con esta fotografía en la cámara, luego mediante el software le podremos bajar la exposición hasta que se parezca a lo que había realmente, que era esto:

Podríamos pensar, y ¿Porqué no haberla hecho subexpuesta, pues queda igual no? Una fotografía que está subexpuesta, no capta toda la viveza del color ni de la luz en una fotografía, pues pierde información en los tonos, sin embargo, una fotografía que se ha llevado al límite de la exposición y luego se ha bajado para dejarla como era originalmente, tiene toda la información en los tonos y la calidad será mayor, sin duda.

Bueno, pues ya sabéis la manera de exponer correctamente.

Un Saludo

¡Feliz Navidad!

2011-12-21T12:41:00.000+01:00

Tu Foto Comentada

2011-12-20T13:44:00.002+01:00

Autor: JUAN PEDRO RAMIREZ CUESTA

Cámara: Canon EOS 7D
Objetivo: Tamron 70-300
Focal: 218mm.
Abertura: f/14
Velocidad: 1/60sg
ISO: 100

Especie: Capra pirenaica

Lugar: Antequera

Sin Hide

WEB: http://aleteandolamirada.blogspot.com/

COMENTARIO

Juan Pedro, nos muestra una toma de una cabra al atardecer. Me llama mucho la atención esta fotografía porque tiene ciertos valores que es necesario remarcar.

Respecto a la exposición, para mi gusto está demasiado subexpuesta, y no se aprecia bien el conjunto. Un poco más de luz le vendría bien, aunque no después de sacar la fotografía, sino justo en el momento de hacerla, porque si ahora mediante software le sube la luz, las zonas oscuras perderán mucha calidad.

Yo animaría a Juan y a todos a hacer este tipo de fotografías en las que la luz es muy lateral y mediante un filo de luz contorneamos el sujeto principal. Son una maravilla de fotografías. Lo único, que debemos dejar claro ese filo de luz y no dejarlo muy oscuro.

Respecto a la composición me parece muy correcta, con una línea de matojos que va de izquierda a derecha y que camufla perfectamente a la cabra. El centro de interés, queda claro que es lo que rompe la monotonía vegetal: la cabra, y nada distrae la atención sobre este punto. Además, al estar ubicada en un lateral, justo desde donde la vista empieza a recorrer la línea más clara de plantas, en seguida encontramos el punto de interés.

También me parece un valor añadido el matojo desenfocado del primer plano en la zona derecha, hace que se cree una sensación de que el fotógrafo está escondido y ha captado ese momento único en el que la cabra parece descubrir su presencia. Esto queda aún mas reforzado por la posición baja del fotógrafo a la hora de hacer la fotografía, lo cual aporta un punto de vista muy parecido a la visión que debe tener la cabra del fotógrafo. De alguna manera nos ponemos a su altura para ver lo que ella ve.

Colocar objetos desenfocados en primer plano puede añadir distintas sensaciones, una de ellas es la profundidad. También nos puede servir para crear efectos difuminados y surrealistas que refuercen una expresión concreta que queramos transmitir.

Siento que el comentario sea tan escueto, pero es una fotografía que no tiene apenas errores fotográficos destacables. Es una bonita fotografía.

Un Saludo

Nueva Web: carlosdorado.com

2011-12-19T23:30:00.000+01:00

Mi antigua web carlosdorado.es va a pasar a la historia en breves días.

Ya podéis entrar en mi nueva web:

carlosdorado.com

Espero que os guste.

Tu Foto Comentada

2011-12-03T13:22:00.001+01:00

Autor: ALEJANDRO PRIETO

Cámara: Pentax K7

Objetivo: SMC Takumar 50mm. f/1,4

Focal: 50mm.

Abertura: desconocida.

Velocidad: 1/500 sg.

ISO: 200

Balance de Blancos de luz en día nublado.

COMENTARIO

Tengo una pequeña lista de espera de fotografías por comentar, que por falta de tiempo no he podido enseñaros, pero voy a intentar resolver este problema comenzando por la primera de la lista. En este caso, otra fotografía de Alejandro Prieto.

Compositivamente, la fotografía se divide en 3 franjas que comprenden el cielo, los árboles y la tierra arada. Es una fotografía que en conjunto es muy atractiva, pues presenta un momento especial.

Una vez más se demuestra la importancia que tienen los días de lluvia. La voluminosidad de las nubes y los efectos de la luz que se crean en estos días, deben ser un aliciente para salir a hacer fotos justo cuando el tiempo está peor. Si Alejandro se hubiera quedado en casa ese día, no hubiera podido captar una luz especial, pues ésta sucede en momentos puntuales de nubosidad.

Los valores principales de la fotografía son, en primer lugar la división en 3 de la fotografía, que está en su justa medida. Nada estorba ni se ve demasiado.

En segundo lugar la belleza de las nubes, que en esta ocasión son redondeadas y definidas, y por su densidad no dejan pasar la luz, por lo que se oscurecen y embellecen sobremanera el cielo. En ocasiones, en días de lluvia, las nubes son finas y dejan pasar mucho la luz, sobrexponiendonos mucho el cielo. En esas circunstancias, los cielos no dan buenos resultados, y solo podemos oscurecerlos un poco con filtros degradados potentes.

También el tono cálido de la luz es muy significativo. Ese color de luz es lo que da un tono tan atractivo visualmente al conjunto. Hay detalles que pueden pasar desapercibidos como el valor de que el primer plano esté en sombra y la zona de árboles con luz fuerte del sol. Esto hace que no nos moleste la zona arada, sino que sea simplemente como un trazo tonal para completar esa sensación de momento especial. La luz del sol centra la mirada totalmente en los árboles que se alejan ligeramente. Lo cual está reforzado por el echo de que hacia la zona de la derecha los árboles decrecen y además, la línea a ras de suelo que forman los árboles está un poco inclinada en la zona de la derecha haciendo paralelismo con las copas de los árboles. Esto crea una cierta profundidad en la que da la impresión de que la zona de la derecha se aleja de nosotros.

Otro valor que puede pasar desapercibido y sin embargo es muy importante, es que la zona oscura superior de nubes, no llega a entremezclarse en ningún momento con las copas de los árboles pudiendo crear confusión, es decir, las líneas de diferenciación de los distintos planos y tonalidades quedan perfectamente separadas, y así el fondo no resulta ni caótico ni molesto, sino muy adecuado.

Aunque la imagen en sí no tiene excesiva fuerza, es decir, no son los Alpes o el desierto, ni hay un León de la sabana, el momento sí que es especial e interesante. Técnicamente la fotografía es impecable, no tiene grandes fallos.

Cómo detalle a tener en cuenta, hubiera sido interesante no cortar un pequeño matojo oscuro que se ve en la parte inferior a la izquierda, pero nada más.

Mi más sincera enhorabuena a Alejandro por su fotografía.

Un Saludo a todos.

Síguenos en Facebook

2011-11-28T21:32:00.001+01:00

Ahora podemos seguir el Blog también en Facebook, para aquellos que os sea más cómodo mediante la red social.

Un Saludo a todos.

Práctica Fotográfica nº 12

2011-11-25T00:26:00.001+01:00

Ya está la nueva Práctica Fotográfica, esta vez la nº 12, un monográfico sobre cómo hacer fotografías en condiciones de lluvia, nieve y niebla. Algo que no se encuentra fácilmente en internet. Espero que sea didáctico para todos y nos ayude.

Un Saludo a todos.

Llueve... ¡Bien!

2011-11-24T22:36:00.001+01:00

En España es tiempo de lluvias, nieblas y nieves. Cualquier persona a esto lo llama mal tiempo, pero para un fotógrafo significa una oportunidad.

Este tiempo de lluvias nos suele acobardar a la hora de salir al campo a hacer fotografías, de echo, a mí me ha pasado un montón de veces en las que no he salido porque llovía. Esto no solo es culpa nuestra, sino que muy poca gente nos ha dicho que se puede salir a hacer fotografía, y estoy seguro que mucha menos gente nos ha dicho que se debe salir a hacer fotografía en estas condiciones.

Si buscamos en Google algo sobre fotografía con lluvia vamos a encontrar poco a nada verdaderamente útil. Encontraremos fotografías hechas con lluvia, capas o fundas para la lluvia y consejos más bien poco útiles que harán que nos quedemos en casa cuando llueva.

En este post pretendo abrir brecha en un mundo que solo conoce el que se ha aventurado a ello y del que no podremos encontrar mucha información.

Lo primero que tenemos que saber es que nos vamos a mojar, que nos debemos mojar muchas veces para conseguir una gran fotografía. Lo segundo que debemos saber es que las fotografías bajo la lluvia o condiciones lluviosas tienen grandes papeletas para ser grandes fotografías. Si en condiciones normales hacemos 80 fotos y al final rescatables hay 8 y buenas 2, en condiciones climáticas adversas podemos traer 30 fotografías y tener 8 o más que nos dejen muy muy satisfechos. El motivo es que la luz cambia en estas condiciones, y los ambientes cobran interés. Teniendo unas nociones de composición, este tiempo lluvioso puede ser el que mejores fotografías nos deje en todo el año.

Cuando nos preparamos para hacer una salida fotográfica al campo y vemos que va a llover, debemos coger cierto material que nos ayudará a hacer nuestras fotografías.

Debemos tener una funda protectora de lluvia que cubra nuestros objetivos y cámara, las hay de todos los precios y calidades. Yo uso una de mínima calidad y precio que consiste en un plástico alargado con un cordel para ajustarlo al objetivo. Recomiendo esta, por diversas razones.
Hay fundas de lluvia muy sofisticadas que te permiten meter la mano por dentro para controlar el zoom y el enfoque. Puede que sea útil, pero a mí no me parece práctico, porque si se te mojan las manos al sacarlas y luego las vuelves a meter para controlar el objetivo, ya lo estás mojando, con lo cual hay que ser muy cuidadoso. La funda que yo tengo, como no se pueden meter las manos, ya cuentas con que vas a tener las manos mojadas todo el rato, y se maneja el zoom y el enfoque desde fuera, ya que el plástico es muy manejable.
Para ajustar el extremo del cordel de la funda al objetivo, debemos poner el parasol del objetivo, lo que, además, nos proporcionará una cierta protección para que entren el menor número posible de gotas en la parte frontal del objetivo. Aún así, los sistemas de acoplamiento del extremo del objetivo a la funda, todavía no están muy bien desarrollados, habiendo algunos sistemas que agarran mejor y otros peor.

Otro elemento importante es llevar una capa larga de agua que te permita ajustar las mangas para que no te molesten a la hora de manejar la cámara. Es preferible una capa a llevar un impermeable de chaqueta y pantalones, que te hace sudar y al final acabas empapado como si no lo hubieras llevado. La capa deja respirar la ropa y a la vez te protege del agua. Lo más probable es que los bajos de los pantalones acaben empapados. Si cuentas con que va a ser así, no te sorprende y sabes a lo que vas.
Un añadido interesante es llevar unas botas que te protejan del agua. Llevar los pies mojados puede hacer que nos retiremos a casa antes de lo deseable.

Necesario es también llevar la ropa que sea necesaria para que no pasemos frío en el cuerpo, solo en la cara, que seguro que se nos va a mojar. Debemos contar con ello. Por arriba, un anorak con capucha, o la misma capa deberá proteger la cabeza del agua. Aquí es muy importante la configuración de la capucha. Una capucha que se cierre mucho y nos deje ver o que sea muy difícil de atar y quede muy suelta, puede condicionarnos para dejar la actividad fotográfica y abandonar. La capucha debe quedar bien adaptada a nuestra cabeza y permitirnos ver bien la cámara.

Con este material ya podemos salir del coche y hacer fotografías sabiendo que la cara y las manos nos las vamos a mojar.

Los que tenemos gafas tenemos un problema doble, pues se nos mojan y empañan fácilmente. Debemos tener en los bolsillos varias toallitas de fibra para gafas y también para limpiar las lentes de los objetivos.

Hay que contar también con que no podemos cambiar de óptica debido a la lluvia, y si llevamos capa, ésta no tiene bolsillos, con lo que las toallitas y todo estará bajo la capa y será difícil de coger.

Ante todo no hay que estresarse ni ponerse nervioso, simplemente hay que concienciarse de que estamos en condiciones adversas y todo se hace más difícil, pero las fotografías pueden ser excepcionales.

Un sistema que aún no he probado pero creo que funciona bien, es llevar un gran plástico que nos cubra a nosotros por entero, y una pequeña mochila con material bajo la capa. En un momento dado podemos echarnos el plástico por encima, quitarnos con habilidad la mochila y crear un ambiente seco para poder cambiar una óptica, limpiar una lente a la que le han caído gotas o limpiarnos las gafas. Llevar una gorra bajo la capucha puede ayudarnos a no mojar las gafas.

Yo uso mucho con lluvia el trípode. Me permite desentenderme un poco de sujetar la cámara y con la función "Live View" ver la composición con una cierta comodidad que no tengo si estoy mirando por el visor de la cámara y me están cayendo gotas por la cara. Si podéis llevad siempre el trípode y usadlo. Una vez acabada la salida, en casa, debemos dejar el trípode completamente estirado para que se sequen las patas y no cree oxidaciones en las juntas.

Los días de lluvia los cielos pueden tener nubes planas que fotográficamente son muy poco interesantes o nubes con formas bien definidas, que nos embellecerán mucho los cielos. En alta montaña esas nubes pueden convertirse en niebla, y la niebla lo embellece todo. Y en otras ocasiones podemos encontrarnos que las nubes se quedan como enganchadas en las faldas de las montañas dando espectaculares imágenes. También sucede muchas veces que un claro en el cielo hace que se vean los rayos de sol y entonces tenemos un momento especial para fotografiar. En definitiva, los días de lluvia son impredecibles, pero una cosa es segura, siempre acabamos llevándonos grandes imágenes de momentos muy especiales.

Si en un paso más avanzado queremos mejorar nuestra práctica en lluvia, ya tendremos que ingeniárnoslas para conseguir taparnos del agua e introducir accesorios nuevos. Uno de estos trucos es sujetar un paraguas a un trípode para ubicarnos debajo y poder fotografiar cómodamente.
El trípode debe ser robusto y pesado a la par que alto. Debe alzarse un poco más que nosotros para que no nos demos con el paraguas en la cabeza mientras estemos fotografiando. Yo uso para sujetar el paraguas una barra flexible 'heavy' de Manfrotto, pero no me acaba de convencer mucho, puede que sea mejor el 'Magic Arm' de Manfrotto, pero no lo he probado. Al brazo flexible van 2 pinzas de sujeción fuertes. Una va al trípode y otra al paraguas, y éste hay que ubicarlo en el centro de gravedad del trípode, sino se volcará a la menor ráfaga de viento. También se puede separa el mango del paraguas de la barra central y usarlo como un paraguas de estudio acoplándolo en un adaptador para paraguas de estudio, que se acoplan a la zapata del trípode sin necesidad de brazos flexibles ni pinzas.

Si conseguimos cubrirnos bien con este invento de paraguas-trípode, podremos usar filtros degradados, que evitaremos que se mojen manteniéndolos siempre dentro del radio de protección del paraguas. Estos filtros son muy necesarios debido a los cielos sobrexpuestos que en ocasiones aparecen ante la lluvia en contraposición con la falta de luz del conjunto del paisaje.

Algo de lo que debemos estar muy atentos es del tono. Los días nublados pueden dar lugar a 2 extremos. O bien el campo mojado queda realzado por la humedad y cobra un colorido exuberante, o bien con la nieve o la niebla perdemos mucho el color y nos quedan escenas de tonos de grises. Ese es probablemente el mejor momento para practicar nuestra fotografía de blanco y negro. No solo debemos aprender a mirar el color, sino también el tono, lo que es más oscuro y lo que es más claro, su diferencia, su evolución de claro a oscuro y viceversa. Los contrastes formados en la naturaleza, su relación...

Otro aspecto interesante es donde llevamos el material en el coche. Con este tiempo tan adverso, no podemos permitirnos el incordio de, cada vez que paremos para hacer una fotografía, coger todo del maletero y preparar el material mientras nos mojamos. Todo debe ir al alcance de la mano, preferiblemente en el lado del copiloto, bien sujeto para no tener un disgusto en un frenazo. Yo lo sujeto con el cinturón de seguridad. Llevo la mochila a mi lado bien sujeta.

Cuando hacemos este tipo de fotografía, nuestro material tiene que ir ya preparado. Si tenéis un teleobjetivo medio, ese es el que debe estar ya preparado a vuestro lado con la funda de lluvia puesta, simplemente debemos tener que parar el coche, coger la cámara de nuestro lado y salir del coche para hacer la fotografía. Esto lo hacemos porque las escenas impresionantes de niebla, en muchas ocasiones, apenas duran uno o dos minutos, y no podemos permitirnos el lujo de perder una escena impresionante de niebla. Muchas veces se ve la escena desde la carretera, paramos con precaución, salimos y hacemos la fotografía. Es ese el momento en el que captamos esa gran imagen que hemos visto a otros fotógrafos y que requiere estar en el momento adecuado en el lugar adecuado y tener la cámara preparada para ese momento.

Para completar este post sobre lluvia, os dejo en mi canal de vídeos la práctica fotográfica que he hecho sobre lluvia, niebla y nieve, la Práctica Fotográfica nº 12, que os ayudará sin duda a ver esto que os he explicado y alguna cosilla más:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

Un Saludo a todos y... a mojarse.

Mini Práctica Fotográfica

2011-11-21T11:28:00.001+01:00

Ya he colgado la 3ª Mini Práctica Fotográfica con algunos consejos para nuestras fotografías de Otoño.

Espero que os guste:

Oferta macro Canon 180 interesante

2011-11-17T00:17:00.001+01:00

    Buscando en Ebay he dado con un Canon 180mm. f/3,5L Macro USM de 2ª mano a un precio interesante dado el objetivo que es. Tiene un precio de unos 1000€ cuando en tiendas está a unos 1500€, es decir 1/3 más barato de lo normal.

    Las fotos que salen del objetivo dan buena impresión, parece nuevo o sin usar, y el vendedor tiene 100% de votos positivos en ventas.

    Si alguno estábais buscando este objetivo os dejo el enlace, pues me parece una oportunidad tan buena, que creo que debo informaros:

http://www.ebay.es/itm/EF-180-F3-5-L-Macro-USM-Eos-1D-Mark-IV-5D-7D-60D-50D-/120811367314?pt=LH_DefaultDomain_186&hash=item1c20eb2b92

Como de vez en cuando miro un poco Ebay, si encuentro ofertas interesantes de objetivos buenos os lo hago saber.

Un Saludo

Añadiendo luz al otoño

2011-11-14T12:27:00.001+01:00

         Para aquellos que tengáis pensado tener un material algo más avanzado os presento un truco para fotografías otoñales de ríos que requerirá de un par de flashes sincronizados y un reflector dorado.

         El truco consiste en aportar luz extra a la toma para embellecer una zona concreta, y así añadir mayor interés a la fotografía.

         La situación más sencilla se da cuando no necesitamos poner un filtro de densidad neutra porque ya de por sí hay poca luz en el ambiente, con lo cual podremos hacer una exposición a 1 o varios segundos y el agua quedará movida a la par que conseguimos aportar nuestra luz de flash.

         Si necesitamos reducir la luz porque hay más de la que necesitamos para alargar la toma, entonces pondremos un filtro de 6 diafragmas. Es muy probalbe que para que quede reflejado el flash debamos subir a ISO 200 o 400, lo que acortará el tiempo de exposición inevitablemente, pero hará que el sensor sea más sensible a la luz de nuestros flashes.

   Os presento primero al foto sin flash.

         Lleva polarizador para que se vea el fondo del río, esto ha hecho que se pierda algún diafragma de luz y no necesite poner un filtro de densidad neutra, por lo tanto el ejemplo que os pongo es el más sencillo. La reducción de luz la hace el propio polarizador.

   Para hacer el truco que os digo, voy a añadir 2 flashes por la izquierda reflejados en un reflector dorado, para que la luz acompañe al tono dorado de toda la escena y a la vez sea una luz suave.

         Primero coloco el temporizador de la cámara para que se dispare a 10 sg. y después, por la izquierda coloco el reflector, que puedo tenerlo colocado mediante un trípode, y ubico los flashes a mano para que uno refleje en la roca y otro en el agua. Habrá que hacer diversas pruebas.

         Yo he sincronizado los flashes por infrarojos, pero también se puede hacer por cable que es muy barato. El resultado es el siguiente.

           Como véis, el primer plano gana bastante más que en la primera fotografía.

           Los datos de la foto son f/8 y 1,6 sg. de exposición.

           Espero haberos ayudado y dado nuevas ideas para vuestras fotografías.

           Un saludo a todos.

Tu Foto Comentada

2011-11-13T10:09:00.001+01:00

Autor: ALEJANDRO PRIETO

Cámara: Pentax K7
Objetivo: Sigma 18-250 f/3.5-6.3 DC OS HSM
Focal:18mm.
Abertura: f/8
Velocidad: 15 sg.
ISO: 200

Balance de Blancos de luz de día.

Con trípode y levantamiento del espejo.

Tres filtros superpuestos Tian Ya ND2, ND4 y ND8

Lugar: Valle del Silencio (El Bierzo)

COMENTARIO

       Alejandro nos presenta hoy una fotografía típicamente otoñal, como las que intentaremos hacer nosotros en estas escasas semanas en las que la flora se mezcla de ocres, rojos y amarillos.

       Normalmente hemos visto fotografías de otros autores que ya llevan un tiempo fotografiando y para aprender, nos ponemos a buscar una imagen especial para poder tener una buena fotografía.

       En cuanto uno se adentra en un bosque de hoja caduca y hay un río, tenemos la oportunidad de tener esa gran fotografía que nos deje satisfechos. Uno de los trucos fotográficos que más se emplean para estas fotografías donde aparecen ríos es presentar las aguas de forma sedosa mediante el uso de filtros. Al principio solemos comprar un portafiltros y unos filtros lo más baratos posible, porque no tenemos fondos y además porque todavía no llevamos mucho tiempo en fotografía y no sabemos si vamos a estar muchos años o vamos a mejorar el equipo. Sea por lo que sea, prácticamente todos empezamos con unos filtros y un portafiltros de calidad reducida y tamaño pequeño. Yo empecé con los Cokin de la serie p. En seguida entendí mi error.

   Cuando uno usa este tipo de filtros, lo normal es que compre los ND2, ND4 y ND8 yo también lo hice así, es más, así me lo recomendaron (cosa que nunca debemos recomendar). Recuerdo que tenía 3 filtros de densidad neutra y 3 degradados, todos ND2, ND4 y ND8. Con la experiencia uno se da cuenta de que de nada sirve tener 3 filtros prácticamente iguales. Es más económico y útil tener solo el filtro que se suele utilizar. Es más, el pequeño tamaño de los filtros y del portafiltros de la serie p de Cokin imposibilitan el poder utilizar los filtros con movimiento durante la exposición, algo que resulta fundamental para que no se note el excesivo efecto del filtro.

       La nomenclatura de los filtros es un poco engorrosa. Al ND2 se le llama también 0.3ND, al ND4 se le llama 0.6ND y al ND8 se le llama 0.9ND, todo esto dependiendo de la marca. Los ND2 restan más o menos 1 diafragma en su parte más oscura, los ND4 restan 2 diafragmas y los ND8 restan 3. Os pongo un esquema:

ND2 (0.3) ----- 1 diafragma (También se dice 1 paso o 1 stop)
ND4 (0.6) ----- 2 diafragmas
ND8 (0.9) ----- 3 diafragmas

       Yo trabajo únicamente con 2 degradados. Un 0.9 que no utilizo casi nunca y lo que vendría a ser un 1.5 que quita 5 diafragmas de luz más o menos y que por desgracia ya no se fabrica. Se fabrica de 4 diafragmas de luz (1.2), y ciertamente da lo mismo 4 que 5.

       De densidad neutra tengo el B+W que quita 6 diafragmas, también se le conoce por 64x y el de 10 diafragmas conocido por 1000x. Ambos los uso, pues algunas cosas requieren de uno y otras de otro.

       Volvemos a la fotografía de Alejandro. Él ha utilizado sus 3 filtros juntos, cosa que yo también hice en su momento, con idénticos resultados. Cuando uno necesita restar luz y solo tiene estos filtros, lo normal es juntarlos. El problema es que al ser filtros de resina de calidad media, al juntarlos, la luz toma un color magenta, que se puede observar perfectamente en toda la foto, y que nos estropea el color. Con cierto conocimiento, mediante Photoshop, podemos reducir el color de estos magentas dando este resultado:

        Otro problema que tenía la fotografía original era un exceso de saturación que en esta foto he reducido. Por tanto, vamos ahora a observar la composición.

       Cuando hacemos una fotografía, lo primero que debemos pensar una vez que hemos decidido que hay buenas posibilidades es si escogemos el formato vertical u horizontal. En este caso concreto podríamos haberla hecho en vertical si la caída de agua estuviera más alejada del tronco, pero al estar tan cerca, la línea que crea el tronco tiene un poder de atracción muy fuerte que se une al de la caída del agua, por eso, al estar tan cercanos los dos puntos de atención, el formato horizontal es el más acertado bajo mi punto de vista.

       Como he dicho, en esta fotografía tenemos los 2 puntos de mayor fuerza en el tronco, que está muy bien posicionado en la fotografía, y la caída del agua. Como interesante, aunque pase desapercibido, me resulta el árbol de la izquierda en el fondo, que no está pegado al borde de la foto, algo que está muy bien hecho. Y por la derecha del árbol tumbado, la línea que forma con el suelo sale cerca de la esquina de la fotografía. Esto está muy bien.

        La foto tiene un recorrido visual bueno en el que el río va del fondo izquierda hasta el primer plano a la derecha.

        De entre los errores que veo, a parte del exceso de saturación y el color magenta, hay pocos. Uno de ellos está en la caída de agua.

        Cuando hacemos una caída de agua, ésta no termina donde ven nuestros ojos, sino que al hacer una fotografía de larga exposición, dejará una cola blanca que solo será visible tras nuestra primera foto. Después debemos componer en la medida de lo posible para que ese rastro blanco de agua quede introducido dentro de la composición de la foto, y si podemos, sin que esté pegado al borde de la foto por la parte inferior. En este caso, abría que haberse alejado un poco o abierto algo el angular.

       Otro tema que a veces tiene solución y a veces no, es intentar que no queden piedras cortadas, como se ve por abajo de la fotografía. A veces se podrá hacer y otras no.

        Respecto a la luz de la escena, siempre debemos tomar la luz de la caída de agua, para que ésta no sobrexponga. Normalmente las rocas mojadas quedarán casi negras, y esto no embellece precisamente la toma. Podemos reducir un poco el contraste en nuestra cámara y ver el resultado.
         Si ponemos polarizador para resaltar más los colores, también aumentará el contraste y posiblemente el viñeteo, con lo que puede que empeore el conjunto. Yo lo uso, pero hay que saber cuando. Si la escena no está muy contrastada, se puede usar para que se vea el fondo del río, por ejemplo.
         Alejandro a expuesto muy bien la escena y el agua está en su punto exacto de luz.

         En invierno puede que intentemos hacer estas fotos con nieve. Es todavía más difícil, porque las rocas están verdaderamente negras y hay que exponer para la nieve, con lo cual no suelen quedar bien, es más, la mayor parte de las veces no merece la pena hacer la foto.

Y esto es todo, espero que hayamos aprendido algo nuevo y nos haya ayudado a progresar.

         Un Saludo a todos.

Mini Prácticas Fotográficas

2011-11-07T11:12:00.003+01:00

He colgado en mi canal de vídeos de fotografía unas Mini prácticas Fotográficas para aquellos que os guste ver cómo trabajo a pie de campo

Un Saludo

Tu Foto Comentada

2011-11-03T21:09:00.000+01:00

Autor: MIGUEL ÁNGEL SALOR FERNÁNDEZ

Web: http://www.fotosdefindesemana.blogspot.com/

Cámara: Canon EOS 7D
Objetivo: Sigma 10-20 f/4-5.6
Focal: 10mm.
Abertura: f/5.6
Velocidad: 161 sg.
ISO: 200
Con Trípode

Procesado: Photoshop CS5, niveles, saturación, corrección selectiva, filtro de paso alto

Lugar: Playa Cala Font. Salou (Tarragona)

COMENTARIO

       Con esta fotografía inauguramos los comentarios a la fotografía nocturna, ya que nunca nos habían enviado a la sección este tipo de fotografía, lo cual agradezco mucho a Miguel Ángel.

   Vemos una toma costera en la que juegan un papel muy importante las nubes, que con el movimiento han dejado unas estelas que dan sensación de movimiento a la par de profundidad, potenciada esta por la elección de una toma en vertical. La proporción de cielo y tierra está bien elegida, ya que las líneas de nubes del cielo crean gran interés y protagonismo en la escena, con lo que es importante que se vea su longitud para incrementar esa sensación de grandeza.

       Como bien sabéis, la composición es fundamental en fotografía. Miguel Ángel ha ubicado muy bien la línea que forma la arena de la playa con el límite con el agua. Si os fijáis, esta línea parte desde la esquina inferior izquierda y nos dirige la mirada hasta la primera roca alargada, que podría considerarse como un primer objeto de interés.

      Es importante que si existen diversos planos u objetos de interés, estos estén separados claramente. La siguiente formación rocosa está diferenciada de esta primera por un espacio de agua que deja ver que ambas rocas están separadas. Esto lo conseguimos elevando la cámara. Es un signo de que el fotógrafo ha compuesto bien, pensando lo que hacía.

      En la parte izquierda del agua vemos unos puntos de luz, probablemente de un barco pesquero. Normalmente es un factor que no podemos controlar, como las luces de los aviones, por lo que es deseable que no aparezca. Aunque se puede probar a ver qué sale, sabiendo que todo elemento impredecible nos puede fastidiar una fotografía. En el caso de que sean boyas iluminadas no podemos hacer nada, o podemos buscar otra composición que no las saque en el encuadre.

      Al ser una fotografía nocturna, vemos que entre las nubes se ven las estrellas. Si queremos que se vean las estrellas no podemos dejar lugar a la ambigüedad. En este caso, las líneas de las estrellas tienen muy poco recorrido y esto no llega a embellecer el cielo con las líneas de las estrellas y sí contribuye a dar la impresión de que les falta algo o de que la toma está movida. Es deseable o bien que la exposición deje las estrellas como puntos, o sino, que se vean bien como líneas, es decir, dejar patente que queremos que se vea el recorrido de una larga exposición.

       La iluminación es artificial, de reflejo de un hotel de la costa, con lo que no se ha podido modificar. La fotografía nocturna habitualmente se hace con luces duras, sin embargo, las luces suaves, como la que tiene la arena de la playa son luces de gran belleza que hay que fomentar en este tipo de fotografía, ya que muy pocos autores las consiguen recrear.
En nuestra imagen, hubiera sido deseable iluminar la zona de arena que queda en sombra, para completar el recorrido de la orilla, que gira hacia la roca del fondo, aunque es muy probable que se notara la diferencia de iluminación entre la luz del ambiente y la aportada por nosotros. Este escollo no sería fácil de solucionar.

       Uno de los problemas de la fotografía nocturna es cuando no se distingue si es de día o de noche. En este caso queda bien claro que es de noche. Debemos tener cuidado con nuestras fotografías nocturnas, no vaya a ser que estemos esforzándonos mucho en una imagen que luego al verla parezca que es una fotografía normal de día. Sucede mucho en días de luna llena sin nubes.

       Respecto a la arena de la playa, es importante buscar un lugar que no haya sido pisado después del paso de las olas. Así el aspecto será más natural. En la fotografía vemos algunas pisadas en la arena, que es mejor evitar. Para eso, debemos hacer las composiciones y las fotos de más lejos a más cerca, así pisaremos el terreno que ya hemos fotografiado.

       Finalmente, debemos ser muy cuidadosos con el centrado de la imagen, ya que de noche se ve muy poco, y solo podemos comprobar el resultado en el momento y en la cámara. En este caso observamos una pequeña inclinación del horizonte a la izquierda. Algunas cámaras tienen una cuadrícula en el visor que ayuda a centrar la imagen, evitando así que la fotografía pueda tener alguna inclinación no deseada.

       La exposición y el balance de blancos también están muy bien escogidos en esta fotografía.

       En definitiva, una buena fotografía que nos enseña muchas cosas.

       Un Saludo

Expresión de Autor: Jonathan Lhoir

2011-10-29T16:43:00.000+02:00

      Comienza, con esta entrada, la nueva sección: 'Expresión de Autor'.

      Esta sección no va a hablar de fotógrafos fijándose en sus premios o en su reconocimiento mundial, por eso no es un post sobre los mejores fotógrafos del mundo, de echo, muchos de los grandes fotógrafos del mundo no caben en esta sección y han quedado fuera de la selección. Nuestra nueva sección va a fijarse en 2 características que considero muy importantes en la fotografía: La composición y la expresividad del fotógrafo. Descarto por supuesto, la expresividad mediante procesado por software, para hablar aquí solo de la fotografía pura.

      El objetivo principal no es decir: "Qué bonito, que bien lo hacen", pues ya sabéis que este blog no tiene ese fin, sino que el principal objetivo es que nosotros podamos aplicar sus ideas y crear las nuestras propias con la cámara que tengamos y el material que poseamos, es decir, fotografía para todos.

      Me apasiona la idea de saber que podéis hacer grandes fotos con una compacta o con la cámara más sencilla, esa que os regalaron por vuestro cumpleaños. Y es que para componer y expresar no hace falta más que aprender y aplicar nuestra inteligencia antes de pulsar el botón de la cámara.

      Cuando uno empieza en fotografía, imita lo que otros hacen. En la medida en que uno va progresando, pueden suceder varias cosas, que uno le guste y siga así toda la vida, disfrutando, o que uno quiera dar más pasos. Si se llega a este estado, muchas veces descubrirá que no sabe cómo evolucionar. Tener un buen equipo ayudará a ampliar las posibilidades y el campo de acción: Mejores fotografías macro, de aves, de paisaje, pero no necesariamente mejorará tu estilo o tu composición.

      Para mejorar la composición es necesario que leamos sobre composición. Yo recomiendo tanto el libro de José Benito Ruiz "Composición en Fotografía", como sus explicaciones mediante los vídeos de 'Un Año de Fotografía'. Y a su vez, es necesario ver buenas composiciones de otros autores y cómo aplican en la naturaleza lo aprendido en los libros.

      En esta nueva sección os propondré el trabajo de un autor en concreto, pero me centraré primero en aquellas fotografías que sean más accesibles para nosotros, para que al ver la fotografía sepamos que nosotros también podemos hacerlo. Una vez vistas esas fotografías accesibles iré subiendo en complejidad hasta llegar a lo más inaccesible o difícil, pero siempre intentaré empezar por lo que nos ayude más.

      Poneos cómodos, va a ser un post completo y largo. No necesariamente hay que verlo de una vez, sino que se puede ver en varios días, por secciones.

      El autor que hoy os propongo es:

Jonathan Lhoir

No voy a contar aquí su vida y milagros, sino que iré derecho a sus fotos, y en la medida en que sus páginas web me lo permitan, iré a fotos concretas.

Paisajes

       Empiezo por sus paisajes, que es sin duda la fotografía más accesible para nosotros.

1) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/_3JL0079.JPG (Como no he pedido permiso para usar sus fotografías, os dejo enlace a la foto en concreto).

      En este caso vemos una fotografía en blanco y negro en la que la composición consiste en líneas imaginarias que forman los troncos de los árboles y que van a desembocar a un punto en el que el autor coloca el centro de la foto. Al haber utilizado una focal angular crea mucha profundidad y distancia en la fotografía. Además, el dramatismo del momento se acentúa por el viñeteo del objetivo. Esto que en otras circunstancias puede dar sensación de error, en este caso concreto incrementa la sensación dramática del momento, que, si os dais cuenta, el autor a potenciado dejando la toma baja de luz. La sensación que a mí me produce es de terror, de que todos los caminos llevan al mismo punto, y este es trágico.

       Es una fotografía que yo calificaría del 1 al 10 en dificultad, de nivel 1. Con una compacta la podremos hacer. Consiste en ir a un bosque, mirar hacia arriba, buscar la composición adecuada, la luz, el enfoque y disparar.

      Con esta composición ahora vosotros debéis idear cosas nuevas. Yo os propongo algunas en dificultad creciente.

      Con una cámara con un objetivo zoom, como una cámara sin espejo tipo EVIL o una reflex, podéis hacer la misma composición pero haciendo una exposición de 1 sg. o más y acercando el zoom mientras se hace la foto. Esto dará sensación de movimiento.

      Con el mismo material podréis girar la cámara mientras se hace la foto a 1 sg. o más. También dará expresión de movimiento a la vez que cierto dramatismo.

      Con un reflex y uno o varios flashes sincronizados podréis aplicar distinta luz a los troncos, tanto en la zona cercana como en la lejana.

      Con una reflex con modo 'Bulb' podréis realizar una nocturna con estrellas y podréis iluminar con luz a vuestro gusto.

Otra idea que se me ocurre para los que tenéis reflex con modo 'Bulb', es realizar una doble exposición ubicando la tapa del objetivo entre toma y toma y girando la escena, o aquellos que usáis reflex Nikon habilitadas con la función de múltiple exposición hacerlo con esa función.

      Como veis hemos ido subiendo de nivel y material, pero todos podremos hacer fotografía interesante. A estas ideas que se me ocurren aportad las vuestras y las posibilidades se multiplicarán.

      Recordad siempre para la expresividad, que primero debe haber una buena fotografía mediante una buena composición en la que los elementos estén colocados con sentido, segundo recordar que podemos jugar con el enfoque selectivo, con exposiciones prolongadas, con la luz, con el movimiento de la cámara o del objeto en cuestión, con la noche, etc...

2) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/_MG_5592.JPG

      De nuevo blanco y negro. La composición se limita a una línea por abajo, y el interés reside en la lluvia. Fotografía que todos podemos hacer con cualquier cámara.

      La precaución que hay que tomar es, cuando parece que va a llover, no irse de la zona, sino haberse aprovisionado de un plástico para la cabeza y la cámara y esperar el momento de luz adecuado con paciencia.

      Es una imagen muy sencilla, que lanza un mensaje muy claro, que es que va a llover. A partir de ahí nos puede transmitir distintos sentimientos y recuerdos a cada uno, pero el autor parte de esta escena para transmitir al espectador una sensación sin distraer con árboles o lagos. Simplemente ubica las montañas para que tengamos una proporción del tamaño de las nubes viendo el tamaño de las montañas. A parte, añade un tono oscuro a una escena que es clara a pesar de las nubes, y de nuevo las deja pobre de luz para incrementar el dramatismo.

       El motivo principal, que es la lluvia, está centrado y es el centro de atención.

      Aquí se pueden intentar otras técnicas, no de iluminación, porque la escena es lejana, pero sí de tiempo de exposición o movimiento de la cámara.

3) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/_MG_9013.JPG

      En esta ocasión vemos una fotografía sencilla en color, en el que la composición consiste en una formación montañosa destacada en el centro, y las líneas formadas por las nubes, que llevan la mirada a dicha montaña. La luz de atardecer refuerza un mensaje romántico o entrañable, y el intenso azul del cielo está acentuado por el uso de un polarizador. En este caso, sin el polarizador, el cielo no habría ennegrecido tanto y se perdería interés, por eso esta fotografía ya conlleva tener un angular al que le podáis acoplar un polarizador.

      Otras técnicas que se me ocurren consistirían en larga exposición y movimiento de la cámara.

4) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/_3JL6704.JPG

      En esta ocasión nos encontramos un paisaje otoñal-invernal en el que se busca el impacto mediante un cambio de color. Es una composición muy recurrida y que consiste en ubicar un sujeto diferente entre un montón de iguales características. El autor aprovecha también el contraste de la escena para marcar el efecto y el relieve.

      Se puede hacer con una compacta en adelante. Lanza un mensaje de que se puede ser diferente para bien o para mal.

      Otra posible composición de expresividad podría ser recurrir al movimiento de la cámara para buscar una toma pictórica subrealista o si hace aire, hacer una larga exposición.

5) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/_3JL5322.JPG

      Esta toma me parece extraordinaria. Por un lado vemos que la composición consiste en dejar la luna como único foco de iluminación en forma de punto, pero en vez de centrarlo, lo ubica a un lado y en el resto de la fotografía deja el espacio, la oscuridad negra, que no aporta información, pero acentúa de tal manera la imagen, que hace que la vista se dirija con fuerza hacia el punto de interés blanco. Con todo y con eso, ha tenido la genialidad de aprovechar las ramas de cedro de delante de la luna, para dejarlas enfocadas y la luna desenfocada creando un contraluz que nos indica no solo que es de noche, sino que la oscuridad está llena de un bosque de árboles que no vemos, pero que imaginamos. ¿Acaso no os parece esto una fotografía inteligente? De eso se trata, y esto es lo que queremos aprender: Expresión de autor.

      Esta fotografía se puede hacer con una compacta que enfoque manualmente y un trípode. más sencillo imposible, pero la genialidad reside en la composición y en la inteligencia expresiva, no en el material fotográfico.

      Afortunadamente la composición y la expresión no se pueden pagar, se entrenan.

6) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/_3JL4738.JPG

      Otra toma inteligente, esta vez con enfoque selectivo y luz de amanecer. La composición se basa en el paralelismo de los troncos de los árboles, sin embargo, enfoca el árbol de la izquierda y el resto los desenfoca para que se intuyan. Una fotografía que podía haberse hecho en vertical también pero que habría impedido ver una extensión mayor de árboles.

      Foto también sencilla que da pie también a otras composiciones y expresiones por medio de luz de flash o movimiento, así como, a un nivel más avanzado, una nocturna con varios flashes y con una iluminación estudiada que resalte los volúmenes y cree cierto misterio.

      En este caso no es fácil hacer esta fotografía con una compacta, debido a que es más difícil hacer enfoque selectivo. Necesitaríamos probablemente un objetivo de larga focal y un sensor más grande que el de una compacta

      Como veis, no os pongo fotografías de grandes amaneceres o nieblas fantásticas, porque eso son momentos efímeros que requieren de práctica avanzada. Estamos viendo lo que podemos hacer en una salida normal de las que hacemos un sábado o un domingo, pero con fotógrafos que nos van a enseñar a aprovechar cada instante.

7) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/_3JL5614.JPG

      De nuevo una composición sencilla que centra en el eje vertical el objeto principal, que es la montaña verde, y deja espacio para resaltar la belleza del momento con las nubes y el cielo azul.

      Es una estampa típica del norte de España y que requiere polarizador para dar un cierto cambio tonal al cielo y potenciar el color. Aquí debemos exponer muy bien para que no nos sobrexpongan las partes más claras de las nubes.

      Como complemento expresivo se puede probar una exposición larga para ver el movimiento de las nubes dibujado en el cielo.

      Estáis viendo que las fotografías son pensadas, y que se pueden trazar líneas y curvas de un objeto a otro que conducen la vista y ordenan la fotografía.

8) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/Ambiance_JL15.jpg

      Fotografía muy accesible para todos, que juega con las líneas que forman los campos de cultivo, regados por una luz suave de día nublado. Subiendo un poco la saturación incluso puede ganar interés.

      Cuidado, no es una fotografía al azar, también está muy pensada. Si os fijáis, la parte superior izquierda y la inferior derecha tienen un triángulo de un tono más verdoso que no se ve en el resto de la fotografía, es decir, mediante triángulos ha buscado un paralelismo entre la parte superior de la foto y la inferior de forma invertida, esa es la razón de que a la vista, la fotografía sea tan agradable, porque hay armonía. Además ha tenido el detalle de incluir el arbolito superior centrado y el seto inferior, que rompen con el patrón y aumentan el interés visual del conjunto. Es otra gran fotografía.

9) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/Ambiance_JL03.jpg

      En esta ocasión nos muestra un vasto paisaje en un contraluz arriesgado que incluye al sol como punto de interés. Arriesgado porque sin un buen objetivo (y a veces ni con esas) podemos tener efecto 'flare' provocado por el reflejo del sol frontal. Creo ver 2 sujetos importantes que presentan un cierto paralelismo. El árbol de la izquierda, claramente destacado, y el de la derecha que destaca sobre el resto.

      Una foto aparentemente al alcance de todos, pero que da una sensación de lugar, de gran paisaje, que es muy interesante. Fijaos que no hay grandes nubes, ni un atardecer de ensueño, sino que buscando en lo cotidiano ha encontrado la belleza en las formas.

10) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Ambiance/Ambiance_JL11.jpg

      Este es un atardecer de lo más corriente, sin embargo ha compuesto mediante líneas horizontales aplicando paralelismos entre las nubes y la zona de montañas y la sensación de calidez y tranquilidad es muy agradable. Esta fotografía la podéis hacer todos con cualquier cámara con algo de teleobjetivo en la focal.

      Ved la importancia de saber componer para crear sensación en el espectador y saber transmitir expresión de autor. Es muy importante ponerle título a nuestras obras, y que el título no sea una cosa obvia, sino que forme parte de lo que queremos expresar.

      Un modo de composición y expresividad diferente consistiría en realizar la toma con movimiento.

      Aquellos que podéis modificar el balance de blancos con comodidad podréis ver que si ponéis un balance cálido, como en la foto, la toma produce sensación de calidez, de primavera, algo entrañable, pero si le dais un ambiente azulado mediante un balance frío, la sensación será mucho más de temor, de invierno, es decir, más sobre pensamientos tristes, con lo que dependiendo de el carácter que le demos expresaremos con una misma toma sentimientos diferentes. Esta es una manera de escribir historias mediante las imágenes.

     El autor sigue jugando en su fotografía de paisaje con los reflejos, con los contraluces y con imágenes sencillas, por eso no os voy a contar nada más de su fotografía de paisaje. Es muy interesante que la estudiéis.

Macro

      Su fotografía macro es avanzada en cuanto a composición y expresión. Tiene tomas verdaderamente sorprendentes por su inteligencia.

      Para este tipo de tomas necesitaréis un objetivo macro. A mayor focal, mayor sensación de desenfoque en los fondos y más lejos os podréis poner de los animalitos. En la mayoría de las ocasiones vais a necesitar un trípode muy estable.

      Tiene una ventaja, y es que no usa flash, con lo cual se nos abre el campo de posibilidades y es más sencilla de realizar con un equipo básico.

1) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Macro/_MG_3732.JPG

      Empezamos con fuerza, una imagen impactante y extraordinaria. Casi subrealista.

      Vemos 2 formas principales: el caracol y el palo sobre el que se apoya, nada más. Una vez más, su fotografía se caracteriza por lanzar un mensaje con pocos elementos, sencillo y directo. El espacio vuelve a formar parte de la fotografía dándole un papel importante, pues representa la mayor parte de la toma. Tiene proporciones áureas y juega con la tonalidad blanca y negra.

       El enfoque es selectivo a los ojos del caracol, y el resto, difuminado, acompaña a la imagen como un paisaje indeterminado. La luz es una luz suave que acompaña la delicadeza de la imagen.

       Lanza un mensaje que nos sugieren distintas reacciones. Parece que el caracol ha llegado a un punto que no puede avanzar. Puede uno imaginar como si el caracol pensara y estaría decidiendo si se lanza, o añorando unas alas para poder volar. Como veis, los mensajes que sugieren son diversos. Es una imagen que habla por sí misma.

       También es una imagen muy a nuestro alcance. Incluso nosotros podemos hacer sombra allá donde no la hay, para resaltar un sujeto.

      Hay algo que pasa totalmente desapercibido y que es fundamental en la fotografía, y es, el pequeño resplandor del fondo que hace que destaque el palo ¿Os habíais dado cuenta?. Sin ese resplandor, el volumen propio de la rama quedaría muy empobrecido. Ese resplandor, si no está, lo podemos crear con una prenda clara en el fondo.

      Otro detalle es que el palo, al no estar derecho, crea inestabilidad en la toma y añade interés por medio de una cierta tensión. El palo 'mira' hacia la zona donde hay un mayor espacio, eso es un toque interesante de composición.

Otras ideas para esta composición podrían ser jugando con la luz de varios flashes.

2) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Macro/_MG_2805.JPG

      Soberbia imagen de lo que entiendo que es parte de la cabeza de una especie de rana. Toda la composición se basa en el desenfoque del fondo y el enfoque de esa pequeña parte de la rana. Se forma una diagonal luminosa que ilumina mediante contraluz la cara de la rana. Es una toma de una inteligencia y una visión fotográfica extraordinarias. De nuevo, pocos elementos pero bien ubicados y compuestos y con escasos colores.

      La expresividad también es manifiesta. El mundo se abre ante esa rana, un camino. Parece que estuviera pensando.

      El desenfoque no está al hazar. A parte de que está compuesto para dirigirse a la cabeza de la rana, deja entre ver ciertas ramas que nos ponen en el hábitat al animal, entre el ramaje, como escondido de algo o al acecho esperando a su presa.

      Es curioso como da una sensación de que la rana no sabe que allí está el fotógrafo. Es como meterse en la intimidad de este animal sin que lo sepa.

3) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Macro/_MG_2473.JPG

       En esta ocasión nos presenta unas flores de anémona pero jugando mucho con la expresividad y el sentimiento agradable que crea el desenfoque unido al movimiento. Incluso dudo de si no es una doble exposición a dos focales diferentes con un zoom, pero no estoy seguro.

      Fotografía sencilla y expresiva al máximo. A muchos les dará nostalgia o tristeza.

4) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Macro/_MG_0426.JPG

      Esta fotografía es extremadamente sencilla. Un contraluz de césped con gotas de rocío que aprovecha una luz muy lateral y el enfoque muy selectivo, para generar sensaciones diversas en el espectador. De nuevo, la composición está estudiada y forma curvas respecto al césped y al fondo luminoso-oscuro.

5) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Macro/_MG_1753.JPG

      Otro tipo de anémona con una luz suave maravillosa que ha sido reforzada por el desenfoque de la hierba seca en primer plano de los tallos de las flores. Esto crea como una especie de neblina que añade belleza a la suavidad de la toma entera. El color también juega un papel muy importante, pues el color morado resalta poderosamente frente a los apagados ocres de la hierba seca.

       Si no queremos expresar esa suavidad podemos añadir flashes a la escena, o movimiento en la fotografía mediante aire generado por nosotros.

6) http://www.jonathanlhoir.com/Photos/Macro/JLH03.JPG

      Curiosa fotografía casi subrealista en la que el sujeto principal esta centrado y queda totalmente desenfocado salvo las antenas. A pesar del desenfoque, queda claro que es un saltamontes.

      La belleza de esta toma reside en la simetría y suavidad de la luz, que de nuevo nos lanza un mensaje de tranquilidad y serenidad.

     Si os fijáis son fotos sencillas cargadas de inteligencia fotográfica. Esto es lo que tenemos que entrenar ¿Qué hago yo con lo que tengo delante y los medios de que dispongo para resaltar su belleza? Normalmente conseguiremos buenos resultados en más ocasiones de las que nos imaginamos.

Acabando

      Bueno, me queda por comentaros su fotografía de mamíferos y de aves. No lo voy a hacer, porque ya se sale un poco de nuestra fotografía sencilla de aficionados. Además, os toca a vosotros destacar los valores compositivos y expresivos del resto de sus fotos. Daos cuenta de que no os he puesto las mejores, sino solo una pequeña muestra.

      Vais a disfrutar de lo lindo con su web. No veáis las fotografías rápido. Si estáis cansados lo dejáis y las veis otro días con calma. Merece la pena recoger ideas de sus fotografías e ir creando a partir de su obra nuestras propias ideas.

       Me interesa mucho ver vuestra evolución. Si os van saliendo fotografías que os parecen interesantes las podemos recoger en un apartado, dentro de unos meses, que se titule: "Las fotografías de los seguidores: evolución", y aquellas que considere que son interesantes compositiva y expresivamente las colgamos juntas con vuestro nombre y web. ¿Qué os parece?

      También os pido que, en la medida en que podáis, deis a conocer esta nueva sección o el Blog si os gusta, en las páginas y foros de fotografía en los que os movéis, así podremos ayudar a más gente a mejorar su composición y expresividad, en definitiva, ayudaremos a la fotografía de la naturaleza.

Os dejo el enlace:   http://www.jonathanlhoir.com

Muerte y nacimiento de una sección

2011-10-28T16:29:00.002+02:00

     Como todo, la visión fotográfica se educa y va cambiando, así también el criterio y la capacidad para reconocer un trabajo fotográfico prometedor.

     La sección 'Desmenuzando a...' surgió con la idea de daros a conocer fotógrafos que por su calidad, merecían ser conocidos y estudiados. De los más de 40 fotógrafos que tenía seleccionados, os he dado entrega de 19 de ellos, todos interesantes e ilustrativos para aprender por donde van las líneas de la fotografía de naturaleza en el mundo, sin embargo, esta sección, hoy por hoy, no pasa de ser una pequeña muestra de las decenas de miles de buenos fotógrafos que hay en el mundo, de los cuales, todos tienen muchos puntos en común y presentan una fotografía interesante, pero parecida.

     La fotografía de la naturaleza no debe ser solo plasmar el momento, si es que no queremos realizar toda la vida la misma fotografía... bonita sí, pero como la de tantos. En fotografía, debido a la masiva amalgama de fotógrafos y al acceso de todo el mundo a la fotografía, es necesario dar un paso más y crear un estilo propio que no solo muestre el momento, sino que haga 'hablar' a la fotografía por nuestro toque personal. Al igual que los pintores tuvieron su sello, y el que no lo tuvo cayó en el olvido, nuestro sello debe estar en nuestra fotografía. No me malentendáis, no tratamos de hacernos famosos, sino de crecer fotográficamente hablando y que cada etapa tenga un "todavía me queda mucho por recorrer".

     Muchos fotógrafos han entendido esto, y han querido dar ese toque especial a posteriori, en el retoque digital, pero la fotografía de naturaleza debe distinguirse del retoque, pues ésta es otra disciplina distinta. La fotografía en sí es solo eso, lo que alguien con su habilidad deja plasmado en la cámara, es cierto que es imprescindible un retoque fotográfico a posteriori que todos hacemos, pues si la fotografía es digital pasa necesariamente por un procesado posterior, pero si la fotografía de naturaleza es lo que es, ese retoque se limitará a cubrir las carencias de la cámara, como son las variaciones en el contraste, niveles y saturación, al igual que se hacía en analógico. El retoque es otra disciplina, que es extraordinaria, pero no es tema de este blog, pues ya hay mucho escrito en otros sitios.

     Nuestro crecimiento fotográfico pasa por expresarnos en nuestra fotografía con aquellos medios que nuestra inteligencia nos ofrezca. Puede ser por medio de la luz, por el movimiento de la cámara, por el posicionamiento del enfoque, por el contraluz, por la distorsión de las imágenes, por la sencillez o por la complejidad, por la composición, quizá por todo a la vez.

     Mi intención es abrir nuestras posibilidades a algo nuevo en nuestra fotografía, algo diferente. Me explico:

     Si yo me compro un angular empezaré algo perdido, pero en poco tiempo aprenderé algo de composición y haré mis amaneceres y atardeceres, como todo el mundo. No te digo ya si encima viajas. Si me compro un tele medio, conseguiré ir poco a poco ofreciendo en mi galería abstracciones singulares del campo, de las nubes... Lo mismo con el macro, que aunque cuesta más, mas tarde o más temprano iremos adquiriendo técnica y teniendo nuestras imágenes que nos satisfacen. Si hacemos aves, pronto aprenderemos a hacer nuestras tomas en un hide y a tener fantásticas expresiones animales, aunque no es nada fácil. Mucho más la fotografía de mamíferos, a la que menos fotógrafos acceden. Con tiempo los fines de semana, algún curso y amigos, en 5 años puedes haber hecho toda esta fotografía con buenos resultados y ganado hasta tus premios. Esto es lo normal, y muchos de vosotros no habréis llegado a este punto, yo desde luego no he podido ni creo que pueda.

     Os digo que pronto llegan las crisis y uno se cansa de hacer siempre lo mismo, sobre todo si quiere avanzar. Por eso, he decidido clausurar la sección 'Desmenuzando a...' y comenzar una nueva sección más instructiva si cabe, que nos permitirá ver nuevos trabajos inusuales de fotógrafos que están madurando en su fotografía notablemente o que hacen una fotografía especial en la que expresan sus propios sentimientos. Es decir, algo que no se pueda encontrar en otros blogs habitualmente y que nos aporte una gran enseñanza para nuestro trabajo. La sección se llamará 'Expresión de autor'

     La buena noticia es que nosostros también podemos aprender de ellos, y la grandísima-buena-noticia es que no necesitas un material profesional en la mayoría de los casos, sino que con tu reflex y tu objetivo tienes ya un material que te permitirá crear nueva fotografía con tu expresión y tu toque particular.

     Por ahora he conseguido reunir una colección de 10 fotógrafos de los cuales os voy a hablar en esta sección. No me está resultando nada fácil, debido a que hay muchos fotógrafos, pero pocos que evolucionen y hagan algo diferente y... comprensible.

     Antes de acabar quisiera daros las gracias a todos los que habéis comentado en la sección 'Desmenuzando a...' y a todos los que sin comentar entráis y seguís el blog, espero que la nueva sección os guste todavía más y sobre todos, nos ayude a seguir progresando en nuestra fotografía.

     Además de esta sección intentaré mostraros 'cómo' evolucionar, no solo os pondré fotógrafos que han evolucionado. A ver si entre todos conseguimos aportar novedades a la fotografía de la naturaleza.

     Un Saludo

Multiexposición de Nikon

2011-10-20T11:56:00.000+02:00

Viendo la categoría de plantas del concurso 'Wildlife Photograph of the Year', he comprobado con gran alegría que la ganadora de este año ha sido Sandra Bartocha, una fotógrafa alemana que desde que me hablaron de ella sigo con interés su trabajo. Sus fotografías tienen algo especial, un desenfoque de cuento que nunca he sabido cómo lo hacía.

Examinando su foto ganadora he leído cómo la ha hecho, y me he llevado una sorpresa al ver que ha realizado una multiple exposción a 1/50 sg.

La multiple exposición consiste (muy resumidamente) en hacer 2 o más fotos en una misma toma. Este proceso se hace con un cable disparador en modo 'Bulb'. Se bloquea el obturador, el cual se abre y deja pasar la luz. Hacemos una toma, tapamos con la tapa del objetivo, y luego moviéndonos a donde queramos colocamos la cámara, quitamos la tapa del objetivo, hacemos esta 2ª exposición y desbloqueamos el disparador para que termine la toma (alguna vez os lo he explicado). El proceso dura varios segundos.

Mi desconcierto ha venido al ver que la fotografía de Sandra Bartocha está realizada a 1/50sg. Rápidamente me he puesto en contacto con un fotógrafo que tenía que saber cómo lo ha hecho y... respuesta obtenida.

La solución a este misterio es que algunas cámaras Nikon realizan multiexposiciones sin necesidad de hacer trabajos engorrosos a varios segundos, con disparador y con la tapa del objetivo. Algo que Canon no tiene, y que creo que es una gran carencia de Canon, pues este modo de disparo es altamente recomendable para hacer expresión artística en nuestras fotografías.

Me quito el sombrero ante esta función de Nikon, y os animo a todos los que tengáis esta función que explotéis sus posibilidades.

He aquí la foto: http://www.nhm.ac.uk/visit-us/whats-on/temporary-exhibitions/wpy/photo.do?photo=2744&category=8&group=1

Wildlife Photograph of the Year 2011

2011-10-20T11:43:00.002+02:00

Ya han salido los ganadores del concurso más prestigioso de fotografía de naturaleza, el 'Wildlife Photograph of the Year 2011'.

Este año, la foto del año es para un español, Daniel Beltrá: http://www.danielbeltra.com/

Os dejo el enlace de las fotografías del concurso:

http://www.nhm.ac.uk/visit-us/whats-on/temporary-exhibitions/wpy/onlineGallery.do

Bence Mate!

2011-10-19T22:52:00.003+02:00

Si, Bence Mate. No es una palabra en algún idioma extraño, es un nombre Húngaro, el nombre de uno de los mejores fotógrafos de la naturaleza. Ha sobrepasado con creces el nivel de bueno o muy bueno, es... tremendo.

Lo mejor es ver su obra, aprender de su inteligencia e intentar sacar provecho para nuestras fotografías. A este no es necesario desmenuzarle.

Un Saludo

http://www.matebence.hu/

Crítica a las páginas de fotógrafos

2011-10-16T00:00:00.001+02:00

             No os podéis imaginar la cantidad de veces que he hecho y reecho este post que os escribo ahora. Principalmente porque no sé como decir lo que voy a decir sin que escueza y con caridad constructiva. Sea como sea, lo voy a intentar.

              Cuando uno empieza en fotografía, de las primeras cosas que hace es inscribirse en una página de fotógrafos, muchas veces en una global o de la marca de su cámara, de esas que acaban en "istas" o en "digital", como Nikonistas, Canonistas, Sonistas, etc. Si uno es aficionado a la naturaleza, entonces entra en Fotonatura o Mirada Natural, y un largo etc de páginas en las que nos dejan subir nuestras fotografías.

              Yo no voy a hablar por todas, solo voy a hablar de las que he conocido y en las que he participado activamente. De ellas, muchos nos hemos defraudado. ¿Porqué? Porque con el tiempo te das cuenta de que las fotos que subes para la crítica fotográfica, no son criticadas (por lo general) con criterio fotográfico, y tristemente incluso muchas de ellas son premiadas aún teniendo fallos patentes.

              El otro día critiqué una fotografía en la que eran patentes fallos de principiante. Tras los muchos comentarios de gente que exclamaba llena de euforia: "Fotón", "Impresionante" y "Qué maravilla", hice mi comentario extenso (El único que analizaba toda la fotografía) destacando los puntos a favor y los mejorables que por mis sencillos conocimientos de composición pude encontrar. Mi intención es que la persona aprenda, pues para eso cuelga la fotografía. Hoy compruebo con gran sorpresa, que la fotografía ha sido elegida como foto semanal. Todo esto amenizado por otro montón de comentarios que venían después del mío que hacían análisis tan elaborados como "Guau!", "Increible" o "Qué nitidez".

              Ante la falta absoluta de criterio, muchas veces se le viene a uno el mundo a los pies. ¿Pero qué estamos haciendo? Con lo interesantes que son todas estas páginas que acogen a miles de fotógrafos iniciados, deseosos de aprender, y les estamos enseñando a creer que lo hacen de maravilla alabando todos sus fallos.

              Me consta que algunas de estas webs están haciendo esfuerzos por mejorar las elecciones de sus administradores, y en algunas incluso existe la opción de poner fotos anónimas. Esto se debe a que muchas veces se acaban comentando solo las fotos de los amigos. Yo tengo la experiencia de haber colgado fotos buenas y fotográficamente interesantes de comentar, y no haber recibido más que 3 comentarios de "Guau", "Fotón" y "¿Cómo lo hiciste?", es decir, nada.

              Cómo me gustaría poder colgar mis fotos y que varias personas con conocimiento y criterio me ayudaran a mejorar, pero me temo que eso, o bien no existe, o bien no lo conozco.

              Hace tiempo me llegó una página de fotógrafos que les mandabas una fotografía, te cobraban y te la comentaban. Me pareció tan ruín que borré la dirección. ¿Acaso no podemos tener un lugar en el que sepas que 5 o 6 personas formadas van a ayudarte a mejorar tus fotos comentándolas?

              Incluso se me ocurrió la idea de crear una web solo para comentar las fotos, al igual que hago en la sección de "Tu Foto Comentada", pero me di por vencido, porque me llevaría mucho tiempo y no podría comprometerme a ello, pero sería una gran idea que algunos fotógrafos con conocimientos se reunieran para comentar las fotos de las personas que las mandaran. Evidentemente entiendo que esa labor altruista exigiría mucho, pero sería de gran ayuda para todos.

             También me echo a temblar con los foros, en los que todo el mundo opina de todo y da criterio de todo, mal informando en buen número de ocasiones. Cuántas veces hemos intentado saber cuál es el objetivo que nos conviene o la reflex más adecuada a nuestros fines y cada uno dice una cosa distinta. Desgraciadamente se confunde mucho a los iniciados y se les ofrecen informaciones sesgadas, cuando no contradictorias. Incluso yo reconozco que en mis comienzos también me sumé a la iniciativa de comentarlo todo y cometí verdaderos errores de apreciación.

             Personalmente pienso que los foros tendrían que estar mucho más moderados y que tendría que haber un grupo de personas muy bien formadas a los que poder recurrir siempre para las preguntas fundamentales.

             Yo para aprender tuve que recurrir a José B. Ruiz, y muchos de vosotros me mandáis numerosos e-mails con vuestras dudas y preguntas que sabéis que siempre contesto con gusto y en los que no escatimo palabras, pues me encanta enseñar lo que sé. ¿Y si existiera un lugar en internet en el que fueramos aprendiendo gracias a otros fotógrafos que nos ayudaran a mejorar?

             Estos problemas y estas preguntas me rondan constantemente la cabeza, y no veo solución, cosa que siento por vosotros y mucho por mí, pues yo aprendo gracias a los que me enseñan.

             No quiero acabar este post sin alabar el extraordinario trabajo de videos de "Un año de fotografía", que me está haciendo aprender de veras y el blog "Unidos por la fotografía". Es, que yo conozca, la única iniciativa en España que trata de enseñar sin cobrar, y las clases son de alto nivel.

             En fín, vosotros diréis. ¿Qué opináis de todo esto y qué soluciones puede haber?

Creando Fotografías con la Luz

2011-10-12T11:17:00.001+02:00

          No sé en los sitios donde fotografiáis, pero aquí en Madrid todo está seco y feo, y se le quitan las ganas a uno de salir a fotografiar una vez que el verano ha dejado su huella y todavía no ha llovido nada, porque los resultados suelen ser muy malos.

          Cuando sucede esto, podemos acogernos a la libertad de creación y crear nosotros nuestra propia iluminación, es decir, ya que la naturaleza no nos aporta suficiente interés como para plasmarlo en una fotografía, aumentemos nosotros el interés de una escena jugando con la iluminación.

          Para mí, la luz es el factor que determina finalmente si una fotografía merece la pena que se haga o no. Una luz mala estropeará toda una fotografía. Por eso, cuando todos los demás factores fallan, una buena luz puede salvar una fotografía.

          Quiero mostraros un ejemplo con un sujeto muy típico en cualquier campo: Un cardo seco.

          Con un cardo seco, nuestra cámara con un macro, y un flash por cable, se pueden hacer maravillas. Es recomendable tener un reflector de estos que se llaman 5 en 1 que se venden en muchas tiendas de fotografía o por Ebay, que tienen reflector blanco, plateado y dorado y a la vez son difusor. Si no tuvieramos el reflector sería interesante conseguir algo que refleje la luz y sea de color dorado o blanco. Por supuesto, ya veréis que si es dorado, podemos imitar la luz del sol.

¿Porque´usar luz reflejada? Porque es más suave y embellece los objetos iluminados creando sombras menos duras.

METODO

           Lo primero que debemos buscar es la composición que queremos hacer con el cardo. Hacemos que nuestro ojo sea cómo el objetivo de una cámara, y nos colocamos pensando donde va a estar el cardo en la fotografía y hacia donde va a dirigirse el tallo que lo sujeta. Una vez pensado, colocamos la cámara en el mismo lugar que el ojo (más o menos) y recomponemos mirando por la cámara hasta que tengamos lo mismo que veíamos sin la cámara.

           Tras haber compuesto, vemos la luz que tenemos y decidimos la luz que va a tener el fondo.

           La luz del fondo, si no queremos variar el diafragma (para no variar la profundidad de campo), y si no queremos variar la velocidad en exceso, porque la mayoría de las veces hay brisa y no se puede hacer muy lenta, viene determinada por el nº ISO.

           Vosotros sabéis cuál es el límite del ISO de vuestra cámara en el cual si se sube más el ISO ya se nota demasiado y no tiene arreglo. En mi caso es ISO 1600 o apurando 3200, subirlo más en la 5D Mark II es tontería. Dependiendo de la cámara que tengáis podréis usar más o menos ISO. Sí os diré, que en este ejemplo que os pongo no he usado más de ISO 400, con lo que todos podemos hacerlo si no hay mucha brisa (si hay mucha brisa hay que disparar más rápido y subir el ISO para igualar la luz).

           Primero hacemos unas pruebas a diferentes ISO con la velocidad y diafragma que vamos a usar. Las fotos resultantes son ISO 1600, ISO 800 e ISO 400

           Estas 3 fotos nos dan una idea de cómo va a quedar el fondo de oscuro si no lo iluminamos.

           Para las fotos que he hecho he utilizado en casi todas ISO 400 y he realizado las fotos un poco más lentas para captar algo más de luz en el fondo. Aún así, en 2 de ellas he usado ISO's más altos para que veáis la diferencia en los fondos.

           La primera a ISO 1600 con luz lateral de flash rebotada en el reflector dorado.

Vemos que el fondo queda excesivamente claro y se asemeja a los tonos del cardo, con lo cual nos indica que deberemos bajar el ISO para oscurecer el fondo y que se distinga mejor del cardo, así que haremos una prueba a ISO 800.

Ahora la diferencia en el fondo es muy patente, y mejora mucho la toma. Parece luz natural del sol con un fondo de sombra.

              La luz lateral realza el volumen. Dependiendo de la posición del flash conseguimos que parezca luz de amanecer, de sol de media mañana o de medio día.

              Los flashes pueden abrir o concentrar la luz. Este factor viene expresado en milímetros. El flash que uso yo puede abrirse hasta 14mm. y concentrar la luz hasta 105mm. Cuando rebotéis la luz en el reflector dorado el aspecto final de la fotografía variará mucho dependiendo de si concentráis la luz o abrís el radio de difusión de la luz, que hará que llegue a más lugares, muy probablemente hasta el fondo si le aplicamos la suficiente potencia o si el ISO es alto (lo cual hace que sea más sensible a la luz).

             La luz trasera de contraluz es muy interesante. Realza las formas y bordes.

            En este caso, he cerrado el haz de luz del flash a 105mm. para concentrarlo en el cardo, pero lo he dejado algo girado para que también ilumine un poco del fondo y no se presente tan oscuro. La luz reflejada en el reflector dorado se asemeja totalmente a la del sol mañanero como véis. El resultado es perfectamente natural y hemos convertido una fotografía plana en una fotografía con volumen despegada del fondo. El ISO es de 400.

            Otro ejemplo a ISO 400 de contraluz sería este:

             Lleva los mismos parámetros que la anterior solo que he elevado más el reflector para que ilumine no tan a contraluz. También parte del flash llega al fondo. La impresión es de que el sol ya se ha elevado sobre el cielo.

   Otro tipo de luz es la luz cenital, direccionada desde arriba, siempre con el reflector dorado. En este caso frontalmente al cardo. Parece luz de media tarde. Si os fijáis, el hecho de dejar el fondo en sombra hace que resalte mucho más el cardo.

              En este caso, al ser frontal, se pierden más referencias de su volúmen, y la fotografía queda más plana. El flash sigue en 105mm. y apenas influye sobre el fondo.

Si abrimos el flash a 24 mm. para que llegue al fondo nos quedará esto:

Nos indica que deberemos subir toda la potencia del flash si queremos que llegue su luz al fondo. Así conseguiremos este efecto en el que se ilumina cenital-frontalmente el cardo y a la vez iluminamos el fondo con los mismos tonos dorados.

                    El aspecto es el de un día soleado pero con tonos muy suaves que aportan gran belleza al conjunto, sin embargo, al ser cardo y fondo del mismo tono, no destacan mucho, y la toma pierde fuerza. Debemos recordar que tiene gran importancia que el fondo sea diferente al color del objeto principal si queremos que destaque.

                   Otro tipo de luz es la luz nadir, es decir, la que surge de abajo. Esta luz no se da en la naturaleza y siempre da un aspecto artificial. Eso no quiere decir que no lo podamos hacer.

                   Colocaríamos el reflector en el suelo, y con el flash a 105mm. dispararíamos para que incidiera en el cardo a contraluz. El resultado sería el siguiente:

O bien, si abrimos el haz del flash a 24mm. y la luz incide también sobre el fondo, tendríamos una luz suave muy elegante:

Finalmente tendríamos el efecto de contraluz más conocido, en el que la figura queda muy oscurecida o totalmente negra. Para eso bajamos a ISO 100 y disparamos el flash a toda potencia para reflectarlo sobre el fondo. El resultado es el que a mí más me ha gustado de toda la serie. Hace que se oscurezca verdaderamente el cardo al captar menos luz, y acentuamos ese efecto iluminando mucho el fondo.

Para que apareciera la mayor profundidad de campo posible en el cardo y así reflejara bien su contorno sin que se viera el fondo, he podido subir el diafragma a f/16. El resultado queda así (merece la pena verla en grande):

Como véis, se ve algo del fondo menos desenfocado, pero todavía aguanta bien y recoge mucha belleza en esa variedad de tonos.

En este tipo de contraluz no se dirige la luz reflejada hacia el sujeto principal, sino solo hacia el fondo.

CONCLUSIONES

                    En pocas disciplinas de naturaleza podemos controlar la luz tanto como en la fotografía macro.

                    En paisaje dependemos de la luz ambiente en gran medida y solo podremos aportar algo de luz en amaneceres o atardeceres. Es justo lo contrario de la fotografía nocturna en la que a parte de las luces parásitas y la luna, gran parte de la luz es la que aporta el fotógrafo.

                    En fotografía de fauna la luz se controla relativamente, pues no se puede molestar mucho a los sujetos salvo en fauna de macrofotografía.

                    Con esto quiero llegar a la conclusión de que siendo la luz esencial para toda disciplina fotográfica, podemos aprovecharnos de su utilización en ambientes muy controlados como es la macrofotografía. Esto nos permite, en este tiempo tan infructuoso para la fotografía en el que todavía está todo seco, utilizar nuestra imaginación y a la vez adquirir unos conocimientos prácticos de iluminación que nos van a servir para todo lo que hagamos en fotografía. Así conseguiremos fotografías en sujetos en los que aparentemente no había nada interesante. Abrimos pues una nueva vía para seguir fotografiando en muchos ambientes aún adversos.

No es fácil, pero tampoco es imposible.

VIDEO EXPLICATIVO

Os dejo un vídeo explicativo de este post. Se llama "Mini-Práctica Fotográfica"

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo?feature=mhee#p/u/0/er8RuLPN_oo

Jesse Estes... ese maldito canalla

2011-10-06T11:42:00.003+02:00

Llevo un par de meses de locura y no tengo tiempo de nada referente a la fotografía, por eso, como os tengo un poco abandonados, mientras preparo nuevos post y vídeos, os dejo a uno de esos fotógrafos que cuando uno ve sus fotos siempre piensa... "será canalla el tío".

Solo ved sus fotos y sabréis porqué lo digo... "¡que desgraciao!"

http://www.jesse-estes.com/

http://www.flickr.com/photos/rasone/

Buscando otras luces para nuestras fotografías

2011-08-12T12:05:00.000+02:00

           Todos tenemos la experiencia de hacer fotografía de paisaje. Cuando uno empieza, se compra un angular, se busca un sitio bonito y hace esa fotografía en el amanecer o en el atardecer, yo lo he hecho infinidad de veces.

           Las primeras y últimas luces son especiales, y añaden un plus de belleza que en ocasiones nos dejan boquiabiertos al ver los resultados, sin embargo, el paisajismo de amaneceres y atardeceres resulta... como lo diríamos, algo adictivo. Esto hace que la mayor parte de las galerías de fotógrafos profesionales y aficionados de paisaje, tiendan en un tanto por ciento muy elevado a hacer fotografías con estas luces tan especiales.

         Mi proposición de hoy es hacer una revelión pacifica y personal contra ese impulso que todos tenemos, y desarrollar mucho más nuestra habilidad compositiva e intelectiva hacia las luces duras... tan odiadas por muchos fotógrafos, y hacia los días nublados, que tampoco gozan de buena fama. Son fotografías difícles que ejercitarán muchísimo nuestra capacidad compositiva y nos harán dar un paso en nuestra fotografía que muchísimos fotógrafos no se atreven a dar, muchas veces porque otros fotógrafos les han quitado la idea.

         La fotografía de paisaje con altas luces, requerirá despues de un procesado que mantenga las altas luces, potencie un poco la saturación (que es parte importante de la belleza que da la luz), y levante un poco las sombras más duras para reducir un poco el contraste. Y la fotografía de paisaje con luces muy suaves necesitará también de un procesado especial en el que se contraste un poco la escena o en el que se aproveche la gradación tonal para hacer interesante virados a blancon y negro (B/N). No es un procesado fácil, pero ¿Acaso hacemos fotografía para que las cosas sean fáciles?

Clasificando

A grandes rasgos, y sin ánimo de hacer una clasificación de escuela, los días con sol pueden ser de dos tipos: Sin nubes, con lo cual, el cielo será azul blanquecino. O con algunas nubes, lo cual incrementará la belleza dependiendo del tipo de nubes que presente el cielo.

Y los días nublados también pueden ser de dos tipos: Con nubes sin forma, con lo cual será difícil incluir el cielo en nuestras fotografías. O con nubes con formas, lo que hará que podamos sacarle mucho provecho al cielo.

Material recomendado

Para estas fotografías nos será muy útil tener diversos artilugios casi imprescindibles:

- Un filtro UV:   Yo nunca lo he utilizado, pero dicen que reduce un poco el color blanquecino del cielo y el exceso de bruma en el ambiente. Puede ser un filtro interesante de tener.

- Un Polarizador circular:   Tiene diversas propiedades, como oscurecer el cielo, intensifica un poco el color, elimina los reflejos y por tanto, nos deja ver el fondo del mar en las fotos de costa. Es importante saber usarlo, pues de lo contrario, un exceso de efecto polarizado crea efectos de color negro en el cielo y denota un desconocimiento de su uso, dando sensación artificial aún siendo bastante impactante. Para usarlo simplemente se gira hasta tener el efecto deseado.

Si se usa el portafiltros es altamente recomendable usar el polarizador circular para portafiltros con su adapatador, aunque a veces es dificil de conseguir. En este caso necesitamos usar el portafiltros y plarizador de la marca Lee.

- Un portafiltros con su anilla adaptadora para nuestro objetivo (Los hay de Cokin serie Z o de Lee mucho mejor, en su sistema especial para gran-angulares) y los correspondientes filtros rectangulares de 10x15cm. de Lee o Singh-Ray o equivalentes en calidad (nunca los Cokin, que son de baja calidad y dejan en nuestras fotos horribles dominantes magenta al mezclarlos con otros filtros de gelatina).

Estos filtros serán un degradado de 3 diafragmas o 0,9ND que puede ser de Lee o equivalente en calidad, y si lo conseguís el Big-Stop de Lee, que no es degradado y resta 10 diafragmas de medidas de 10x10cm. Yo conseguí un degradado de Singh-Ray de 5 diafragmas que uso mucho y desgraciadamente ya no lo fabrican pero podría conseguirse de 2ª mano. Es muy recomendable y útil.
Si no se consigue el Big-Stop, lo mejor es tener un par de filtros circulares de densidad neutra, uno que reste 6 diafragmas y otro que reste 10, yo los uso de la marca B+W y ambos los uso, pues en ocasiones, el de 10 es excesivo y otras el de 6 se queda corto.

Con los filtros de densidad neutra conseguimos alargar la exposición de nuestras fotos reduciendo la luz que entra en el sensor. Así podremos crear efectos de gran belleza en el agua o mediante el viento allá donde afecte. Yo les doy además un uso especial para hacer fotografía subrealista.

- Trípode muy estable para evitar las vibraciones por el viento, nada menor a la serie 055 de Manfrotto o equivalentes en otras marcas. Un trípode no estable arruinará las fotografías de larga exposición.

- Un disparador por cable viene muy bien, y si queremos dar un paso más, una pantalla visor-disparador por cable. Yo la uso y es altamente recomendable para composiciones en posiciones difíciles. Yo uso la de la marca Phottix que es muy económica respecto al resto, pero vale cualquiera que se vea bien por la pantalla, pues esto es importante.

¿Qué características y calidad deben tener nuestros filtros circulares?

Debemos intentar comprar la mejor calidad que exista, porque eso reducirá mucho los efectos negativos que tiene poner un cristal delante del cristal de nuestro objetivo, sobre todo los reflejos del sol y sus aberraciones en el color.

Dependiendo del sistema que vayamos a utilizar para poner nuestros filtros recomendaré una clase u otra de filtros:

- Si usamos portafiltros recomiendo usar todos nuestros filtros para ser usados con el portafiltros, incluido el polarizador circular. Es lo que más evita el viñeteo de las esquinas de nuestras fotos.

- Si no podemos por la razón que sea, pero usamos portafiltros para los degradados, debemos usar filtros que no sean 'slim' es decir, que no sean los delgaditos, porque así, si los compramos normales, tendrán rosca y podremos acoplar nuestro portafiltros.

- Si no usamos portafiltros debemos comprarlos 'slim' porque así evitaremos el viñeteo en las esquinas de nuestras fotografías en gran medida.

Fotografiando en las distintas situaciones

1) En los días en los que el cielo no tiene nubes, vamos a tener que usar el polarizador para dar interés al cielo, teniendo en cuenta que el polarizador incrementará el contraste en nuestra foto y potenciará el color. Además, dejará ver el fondo del agua si la hay, o eliminará los brillos en las gotas de rocío.

El uso del polarizador se regula girándolo. Si nos pasamos, el cielo se ennegrecerá y quedará un cielo impactante pero irreal, como en esta fotografía en la que me pasé con el efecto.

   Como veis, el cielo y los colores ganan mucho, pero debía haber quitado algo de efecto al polarizador, y queda una mancha negra que resta calidad al conjunto y es totalmente irreal.

   Existen unos degradados azul celeste en la marca Lee que algunos fotógrafos los usan para dar algo de color al cielo. Yo nunca los he usado, pero creo que dan muy buen resultado.

   Os pongo otro ejemplo, pero con el polarizador bien aplicado.

En este caso, el polarizador hace que se vea el fondo del mar, y ha dado interés al cielo casi sin que se note su efecto. Además ha potenciado el color.
La fotografía lleva también un filtro de densidad neutra de 10 diafragmas, así difuminamos las olas en manchas blancas dando al conjunto una belleza especial. Para la composición me he fijado en las 2 líneas principales: la del horizonte y la de la tierra firme. Como el cielo estaba sin nubes, le he dejado entrar en el encuadre lo suficiente para esté presente pero no estorbe, y he potenciado el mar con la isla y el difuminado, que le dan la belleza, y luego he colocado una gran proporción de tierra en partes iguales a la del agua, y para darle mayor carga de belleza e interés, e incluído dos rocas con líquenes naranjas bastante bonitos. El conjunto es atractivo y llama la atención.
Hubiera preferido la isla en el medio para formar un triángulo con las piedras del primer plano, pero una roca a la izquierda de la isla me lo impedía si quería que quedase fuera del encuadre. Aún así, la composición no molesta visualmente.

En esta fotografía, el cielo es de un azul que embellece mucho el conjunto si lo ubicamos en su justa medida. Unido a la gran montaña y al amarillo de las crucíferas crea un efecto impresionante.

Otros ejemplos, esta vez, fotografías en las que no era necesario incluir el cielo, y además, este no tenía atractivo.

En este caso tenemos una luz de cielo de mediodía sin nubes. La belleza reside en la fuerza del mar y en las rocas verdes impactantes, así como en el efecto de contraste entre el verde y el azul del mar. En este caso no hay filtros para la fotografía. La luz era dura, por lo que he alzado un poquito las sombras para reducir contraste, pero no he reducido las luces para que la fotografía no pierda su fuerza en los blancos.

Estas 2 fotografías son prácticamente la misma composición del mismo lugar. En la primera se presenta la belleza del golpe de agua, pero es muy importante que se vea la otra roca y la playa, para llenar la imagen de otras formas y colores, así como la roca en estado sólido que golpea el agua y la convierte con los años en arena de playa. Se busca así también lanzar un mensaje subliminal.
La 2ª lleva polarizador y un filtro de densidad neutra de 10 diafragmas. Esto da un color especial al agua y un misterio al conjunto, pues el agua queda reflejada como niebla.
Os dejo otros efectos de esta niebla que se crea con el filtro de densidad neutra en momentos de luz dura.

En este caso he realizado un virado a B/N y he aislado todos los elemento para que no aparezca ni cielo ni playa, sino solo lo que me interesa destacar, que es la roca entre la niebla creada por el filtro de densidad neutra al golpe de las olas. Al tratarla en B/N aumentamos la sensación de misterio. Las luces altas se han dejado en el límite de la sobrexposición pero sin que sobrexpongan, y las sombras duras se han elevado un poco en su luz para que no haya negro total en la fotografía.

En este caso es un sitio parecido al de la anterior foto, y el efecto que se busca es mostrar cómo el agua va quebrando la roca con el paso de los años, por eso no incluyo cielo, porque no aportaba información al mensaje.
La fotografía se divide por colores. El verde amarillento de los pastos, el color oscuro de la roca y el azul matizado por el efecto del polarizador junto al filtro de densidad neutra. Un mensaje sencillo sin demasiados elementos.

2) En los días en los que el cielo tiene algunas nubes, y estas son aprovechables por su forma, el uso del polarizador o de un degradado las hará más visibles.

Esta foto tiene algunas nubes en el horizonte con formas en relieve que aportan gran belleza al cielo. Si a esto le añadimos polarizador, su visión se hará más patente y encima se verá el fondo del mar. Como veis, el efecto del polarizador bien aplicado embellece el cielo pero no lo debe ennegrecer en exceso.
Esta es una foto para crear sensación de lugar. No hay un motivo principal, sino diversos motivos que aportan belleza al conjunto de la foto: La isla, el azul, el cielo con sus nubes, el mar degradado por el filtro de densidad neutra, la pequeña porción de pastos en primer plano y las rocas de la derecha, así como los pequeños retazos de playa que se ven. El conjunto es lo que da belleza a la foto.

3) Los días en los que el cielo tiene muchas nubes son a mi juicio los más difíciles de fotografiar.
Si las nubes no tienen forma y el cielo es plano, es casi obligatorio no sacar el cielo en la fotografía a menos que se quiera jugar con una fotografía en B/N y sus tonos. Normalmente estos cielos salen blancos y se hace necesario el uso de un degradado para bajarles un poco de exposición. suelen quedar fotografías en las que 'falta algo' para que sean buenas.

En esta fotografía panorámica vertical vemos que el cielo blanco desmerece el resto de la foto, que es muy bonita. Si las nubes hubieran tenido forma, ésta se habría visto mediante el uso de un filtro degradado o con polarizador, y entonces la foto habría sido otra cosa. Pero si os fijáis, aún siendo un paisaje bonito, le falta algo.

Esta otra tiene el cielo muy plano, pero con una ligera forma. Aquí el uso de un degradado para el cielo tiene una aplicación muy dificil debido al relieve de las montañas. Se puede usar degradado si se sabe mover durante la exposición para que no se note la linea oscura que forma. Para ello conviene alargar la exposición si es posible añadiendo un filtro de densidad neutra como el de 6 diafragmas. Al ser mas larga la exposición conseguimos mover el filtro con destreza para que no se note en exceso.
El resultado final es bueno, aún habiendo dejado el cielo, porque 3/4 partes de la foto es la montaña, que es lo que aporta belleza.

En esta foto, el cielo estaba imposible, y por eso hemos aprovechado su efecto en una fotografía en B/N, que resta fealdad al conjunto y gana interés por la gama tonal.

Esta es una foto en la que el cielo era totalmente plano, por eso evito sacarlo. Se puede ver que el efecto de luces y sombras es muy suave. Son fotos que también tienen su encanto.

4) Finalmente tenemos las fotografías en las que las nubes tienen relieve y embellecen el conjunto. Desgraciadamente tengo muy pocas fotografías con estos ambientes.

En este caso la famosa formación de la Costaquebrada (Liencres-Cantabria), arropada por una luz suave y unas nubes con cierta forma que permiten incluir una pequeña porción de cielo y embellecen el conjunto. Para añadirle belleza he añadido el polarizador, que nos permite ver el fondo y saturar los colores. Así la fotografía gana mucho por la fuerza de los azules y verdes.

Esta foto no incluye el cielo directamente, pero sí en su reflejo. Había nubes con forma, pero el paisaje era feo, por eso me centré en crear una composición de líneas con las rocas y la orilla, pero aprovechando las nubes del cielo con el reflejo. Es arriesgado, pero el conjunto no deja indiferente.
Debemos ingeniárnoslas para encontrar las composiciones parándonos a mirar con detenimiento, ideando nuevas fotografías, intentando lo que nos parece difícil, porque solo lo consiguen los que lo intentan.

Esta no es una fotografía exclusivamente de naturaleza, pero sí de paisaje, y nos muestra un cielo con nubes y con cierta forma, que son los que os digo que se pueden aprovechar bien con polarizador y un degradado.

Espero haberos animado un poco a no quedaros en cas cuando hace mucho sol o cuando está nublado, porque nunca sabemos la fotografía que podemos crear.

Un Saludo a todos.

Una aportación a la técnica

2011-07-19T12:44:00.001+02:00

Tras el post de los '100 seguidores', Jose Luis López me dedicó una foto aplicando una variación de la técnica que os proponía. La verdad es que el resultado me gustó y le pedí permiso para mostrárosla a todos.

La flor es una combinación de una flor de una maceta de su casa y la rugosidad de un folio.

Primero realiza el encuadre con trípode. Coloca un filtro de densidad neutra Hoya 400x para alargar la duración de la foto y comienza la fotografía con un folio arrugado sobre la flor. A los 15'' retira el folio y queda plasmada la flor dejando la foto 90'' más. Los tiempos dependen de las condiciones de iluminación que tengamos.

La composición está bien ubicada, y la elección de una flor marchita junto a la textura especial que le da el folio, dan un aire final a la foto como de melancolía, añoranza, y hace despertar momentos concretos de la vida de cada uno. Me gusta. Además, el color apagado realza estos sentimientos.

Este es un aliciente más para que todos experimentéis este tipo de fotografía este verano, yo por mi parte también lo haré.

Gracias Jose Luis, y gracias a todos por vuestros comentarios y e-mails.

100 Seguidores

2011-06-30T12:13:00.000+02:00

Hoy, hemos alcanzado juntos los 100 Seguidores del Blog.

Si soy sincero, nunca pensé que alcanzaría a reuniros a tantos fotógrafos deseosos de más. Ahora que lo hemos conseguido, espero seguir ofreciéndoos post que os ayuden y nos estimulen a perfeccionar cada día más nuestra fotografía de naturaleza.

Un abrazo a todos y un enorme GRACIAS por vuestra fidelidad y aportaciones.

Os dedico una fotografía inédita

Como se hizo:

Esta extraña foto, que parece un montaje de Photoshop no lo es, es uno de los muchos experimentos de fotografía subrealista que hago con la cámara. La flor es la de una orquídea, una Phalaenopsis, y el efecto de líneas sinuosas doradas es el brillo de una tela.

Para hacerla colgué la tela en casa, de forma que le diera la luz sin hacer sombra, y la flor en una mesa, a parte.

Primero debemos saber que para hacer esta foto se necesita un cable disparador normal, trípode y la tapa del objetivo.

Colocamos el objetivo macro en la cámara y componemos la fotografía de la flor con la cámara en el trípode. Enfocamos correctamente y lo dejamos todo preparado como para hacer la foto. Es importante que haya poca luz. Si lo hacemos en casa, como yo, no habrá problema, pues usé la luz de una ventana, pero si lo hacemos en exteriores, necesitaremos un filtro de densidad neutra de 6 o 10 diafragmas.

Una vez que tenemos bien compuesta la flor y vemos que la exposición, a ISO 100 y f/8 o mayor, nos sale a 1 o varios segundos, memorizamos la marca de enfoque, es decir, el numero que nos dice a qué distancia estamos de donde hemos enfocado. Este número está en el objetivo, por fuera, y variará al mover el enfoque. Como decía, memorizamos esa posición, y quitamos la cámara con sumo cuidado del trípode, sin que se mueva lo más mínimo.

Hecho esto, ahora nos posicionamos cámara en mano frente a la tela. En este caso podemos usar algún flash sobre la cámara a la primera cortinilla, es decir, en modo normal, para que simplemente con el destello nos quede reflejada la tela en la fotografía.

¿Cómo procedemos?

- Colocamos nuestro disparador en la cámara. Colocamos la cámara en modo Bulb. Cogemos la cámara y el disparador de la manera que nos sea menos incómoda.

- Enfocamos a la tela y pulsamos el disparador bloqueándolo. Con esto iniciamos la foto y el flash se habrá disparado (antes tendréis que haber hecho pruebas para que el flash no sobrexponga la luz. Lo mejor es dejarlo en automático, y él ya se encarga de subexponerlo un poco). Una vez hecho esto tapamos inmediatamente el objetivo con su tapa, aunque la foto sigue haciéndose. Esto evita que entre luz en la foto.

- Colocamos con delicadeza la cámara en el trípode. Colocamos la marca de enfoque en el lugar qué habíamos memorizado. Si todo sale bien, la foto estará bien compuesta y enfocada a la flor, porque lo habéis hecho antes. Ahora quitáis la tapa y la fotografía de la flor se mezclará con la textura de la tela. Cuando creáis conveniente según la exposición que habíais medido al principio, soltáis el bloqueo del disparador automático y foto hecha.

Como podéis sobreentender, hay que hacer pruebas previas para ver cuanta luz necesita cada toma, pero al final sale.

Esto es fotografía avanzada, así que conseguirlo hacer bien es un gran logro.

Si conseguís algo interesante, mandádmelo y lo comentamos. Eso sí, que sea de naturaleza.

Una vez más GRACIAS a TODOS

Carlos Dorado

Tu Foto Comentada

2011-06-27T21:25:00.000+02:00

Autor: ANTONIO GARCÍA

Web: http://www.flickr.com/photos/agbsonic/

Cámara: Nikon D60

Objetivo: 35mm f/1,8

Focal: 35mm

Abertura: f/22

Velocidad: 1,3 sg.

ISO: 100

Con Trípode

COMENTARIO

Tenemos hoy una fotografía de río. Una estampa muy primaveral y veraniega que podemos intentar durante estos días.

La característica fundamental de estos ambientes es una alternancia de sombras y luces muy extremas que pondrán siempre a prueba el limite del sensor de nuestra cámara. La capacidad para recoger distintos tonos entre blanco y negro, es decir, el rango dinámico del sensor de nuestra cámara nos permitirá o no la realización de estas tomas con mayor o menor calidad.

Ante una fotografía en la que encontramos una alta complejidad de elementos, como la fotografía en bosques, debemos sopesar el resultado final de nuestra fotografía, porque podemos encontrarnos con que los resultados no son lo que se esperaba.

En los bosques encontramos muchos elementos como ramas y hojas, que forman un caos que se reflejará en el resultado final como un conjunto. Por ejemplo, si queremos destacar un árbol concreto dentro de un bosque, deberemos ser muy buenos compositivamente, o sino, quedará como un elemento más entre la maraña de árboles.

En la fotografía que nos ocupa tenemos una zona boscosa y el río. Podríamos decir que las piedras redondeadas forman parte del río, y no alcanzan a destacar especialmente. Esto se acentúa debido al hecho de que están a la sombra.

En la fotografía no encontramos un motivo principal, un sujeto, un mensaje... esto hace que tengamos que buscar la fuerza visual de la foto en el conjunto del paisaje. Es una fotografía para crear sensación de lugar, es decir, cómo es un lugar concreto y qué transmite.

La exposición es correcta. El punto más luminoso está un poco sobrexpuesto, pero es necesario hacerlo así para salvaguardar la gran cantidad de sombras del resto de la fotografía.

Respecto a la composición, se ha aprovechado bien la roca grande para ubicarla un poco a la derecha, el río ocupando sobretodo la zona izquierda y utilizando el árbol de la derecha como marco para poner fin a la composición por ese lado. La disposición horizontal es acertada, y se percibe perfectamente profundidad.

Uno de los problemas que veo es en la piedra de la izquierda, que está excesivamente pegada al borde de la fotografía, lo cual hace que la composición pierda. Cuando algo está pegado al borde de la fotografía debemos tener cuidado de que no cree la impresión de que está ahí por los pelos o porque no nos hemos dado cuenta. Un ejemplo contrario, bien hecho, sería el árbol de la derecha, que está cortado, pero enmarca el conjunto, dando la sensación de que está bien encajado. La solución está en hacer la fotografía 1cm. más a la izquierda (cosa que yo no haría, porque sino perdemos la bonita planta de la derecha) o en alejarse un paso atrás, que sería lo más correcto, aunque habría que ver si era posible. Digo esto porque la focal con la que está hecha la fotografía es un objetivo de 35mm. fijo, es decir, que requerirá de que el fotógrafo se mueva si queremos cambiar la composición.

Cuando hacemos una fotografía como esta, o bien incluímos un sujeto de interés que tenga mucha fuerza y llame mucho la atención, o sino lo tenemos, y haces una composición de sensación de lugar, como es el caso, debemos buscar la belleza en la luz.

A esta fotografía le falta fuerza visual por no tener una luz especial o un sujeto interesante. Como Antonio esto lo sabe, ha intentado darle interés haciendo que el agua quede con aspecto de nube. Como todavía no tiene un filtro de densidad neutra, ha cerrado todo lo que ha podido el diafragma, y ha puesto el ISO 100 para poder hacer la fotografía lo más lenta posible. Aún así solo ha conseguido 1,3 sg. y por eso el agua casi no tiene el efecto deseado.

La profundidad de campo está bien, y ya puede estarlo, porque con f/22 tiene toda la profundidad de campo posible. El problema del f/22 es que el diafragma, al estar tan cerrado, hace perder mucha calidad a la fotografía.

Imaginemos que tiene filtro de densidad neutra y puede poner f/8. ¿Cómo enfocar? Cuando se pone un filtro de densidad neutra se oscurece mucho la visión y es dificil o imposible el enfoque, por lo tanto, debemos enfocar antes de poner el filtro de densidad neutra. Enfocamos manualmente, porque al hacer la fotografía con trípode, dejamos la composición fija, y no vamos a mover luego la cámara sólo para enfocar en automático en un punto concreto. Enfocaremos manualmente, sí, pero ¿Dónde? Si tenemos f/8 a 35mm., yo enfocaría de manera que se viera bien enfocada la roca grande, para eso movemos el enfoque manualmente para que salga enfocada la parte que está unos centímetros más lejos que la roca que queremos dejar enfocada. Hacemos esto porque al colocar en un punto el enfoque, también quedará enfocada una pequeña parte más próxima a nosotros, y aunque enfoquemos después que la roca, ésta también quedará enfocada. Hacemos una prueba, si nos satisface la profundidad de campo, la tenemos, sino, cerramos un poco el diafragma. Si la planta de la derecha saliera muy desenfocada, entonces enfocaría directamente a la piedra grande.

El procesado es real, con lo cual me gusta mucho, no se ven colores artificiales ni nada por el estilo.

MATERIAL NECESARIO

Muchas veces no nos damos cuenta hasta que punto un buen material forma parte de la foto. Os pongo varios ejemplos:

- En esta fotografía, un zoom le habría permitido hacer una composición buena con mayor facilidad.

- Un filtro de densidad neutra le habría proporcionado un efecto de agua sedosa al río con el que habría ganado mucho interés la fotografía.

- La posibilidad de iluminar artificialmente con varios flashes y un reflector dorado abre nuestro abanico de posibilidades para crear más interés en la zona de la gran roca y el árbol.

Sin ceñirnos a esta fotografía os pongo más ejemplos:

- Unas buenas botas con Gore-Tex te permiten pasar algunos minutos metido en el río y hacer composiciones que de otra manera no se podrían hacer.

- Unos pantalones largos y resistentes permiten hacer una composición en la que tengamos que estar pegados a unas zarzas sin pincharnos en exceso. Acostumbrad a llevar siempre pantalones largos.

En fín, no voy a enumerar todo lo que se me ocurre, pero valga esto como ejemplo de que no solo el material fotográfico es importante, sino todo lo que le rodea.

Un Saludo a todos.

Práctica fotográfica 10

2011-06-25T17:27:00.000+02:00

Os dejo una nueva práctica fotográfica en mi canal de vídeo:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

Macrofotografía de Flores e Insectos

2011-06-05T19:23:00.001+02:00

Estamos en la época de las flores y los insectos, pero ¿Cómo debemos iniciarnos en este tipo de fotografía?

Material mínimo

El material mínimo es una cámara y un objetivo macro.

Si el macro es un 100mm mejor, y si es un 150 o un 180, perfecto. A mayor focal, más alejados podremos estar del insecto y será más fácil que pasemos desapercibidos. Además, a mayor focal nos será más fácil desenfocar los fondos para destacar el sujeto principal, y nos dará más margen en caso de que usemos flashes.

Material perfecto

En mi opinión, el material perfecto es una cámara de sensor completo o también llamada 'full frame'. Con esta cámara conseguiremos altos ISOs con poco ruido y nos permitirá hacer ampliaciones y recortes sin apenas percepción en la pérdida de calidad.

Un objetivo 180 macro. Como os he comentado, nos dará mayor sensación de desenfoque en los fondos, nos mantiene más lejos del sujeto principal, nos pernite modificar la iluminación artificial con flash de manera mas versátil y además podemos acoplarle un convertidor de focal 1,4 o 2x con muy poca pérdida de calidad.

Un trípode muy robusto, como el Manfrotto 055XPROB o por el estilo, que permita bajar hasta el suelo facilmente.

Una rótula de cremallera para realizar mínimos ajustes en la composición.

Un plato micrométrico para microajustes en el enfoque. Este es un instrumento que uso siempre y que me permite enfocar perfectamente donde quiero

Disparador por cable o mejor aún, un visor por cable con disparador. La marca Phottix vende unos extraordinarios.

Paraguas para hacer sombra, flashes, reflector 5 en 1, folios para hacer difuminada la luz de los flashes y celo para pegar los folios.

Pulverizador de agua para añadir el efecto del rocío.

También se pueden adquirir tubos de extensión para aumentar el motivo principal, y si queremos rizar el rizo, los que tenéis Canon podéis adquirir el Canon 65mm f/2,8 1-5x MP-E que consigue aumentar hasta 5 veces el tamaño de la flor o del insecto, algo brutal que crea imágenes increibles.

En el campo

Vamos a suponer que nos vamos al campo con nuestra cámara y nuestro objetivo macro. ¿Cómo procedemos?

Hay distintas maneras de fotografíar en macro, yo os menciono las 2 más extendidas:

   - Persecución de insectos con nuestra cámara.

   Es la modalidad más extendida por ser 'aparentemente' la más fácil y más barata, pues con la cámara y el objetivo tienes bastante. Consiste en ir persiguiendo a los insectos hasta que se paran, y con mucho cuidado se compone, se pone un nºf adecuado para que tengamos la suficiente profundidad de campo, y se dispara enfocando al ojo del insecto. Se suele disparar a 1/160 o 1/200 para asegurar la nitidez. Por debajo de esto depende de nuestro pulso y si llevamos estabilizador de imagen.
         Parece fácil pero no lo es. En internet se ven abundantes fotografías de este tipo mal compuestas y con mala luz. No es un tipo de fotografía que recomiende salvo si vamos buscando sujetos concretos difíciles de localizar o insectos que no paran quietos un minuto.

           - Localización de insectos dormidos.

   Para esta modalidad hay que salir de noche y llegar al sitio de fotografía cuando ya hay algo de luz, para buscar sujetos dormidos en lo alto de las hierbas. Estos sujetos estarán completamente quietos debido a que su sistema motor todavía no está al 100% o simplemente están dormidos.
            Con este tipo de fotografía podemos colocar trípode, flashes, etc para crear una imagen sumamente elaborada, con una composición bien preparada. Es la que más calidad da y mayores satisfacciones reporta. La recomiendo vivamente.
             Además también la prefiero para las flores, las cuales tienen abundante rocío y muchas están cerradas, presentando curiosas formas e incluso insectos en su interior.
             Esta modalidad tiene una versión muy interesante que es prepara una zona de 1 o 2 metros cuadrados con un par de flashes o 3 en inhalambrico, y esperar a que vengan insectos. Para entretenerlos más, podemos añadir con una jeringuilla algunas gotas de agua azucarada en las flores de nuestra zona. El sistema consiste en esperar con la cámara en mano e ir aproximándonos segun se entretienen en las gotas de agua azucarada.

             Una vez que va pasando el día las flores se abriran y la luz irá cambiando. Factores que debemos aprovechar.

            Para buscar flores e insectos debemos ir a una zona de campo cualquiera y ponernos a buscar. En ocasiones las flores más bonitas tiene tamaños minúsculos. Debemos mirar con gran detenimiento. Esto cansa mucho la vista y deberemos descansar cada ciertos minutos, sobretodo si estamos intentando localizar insectos en lo alto de los tallos de las plantas, muchas veces es agotador.

            Cuando queramos cambiar de especies no nos servirá simplemente cambiar de lugar, sino que deberemos estar informados de la geología de la zona e ir a donde cambie el tipo de suelo. Solo así cambiarán en gran medida las especies de flores, pues estas dependen del suelo en el que se encuentran. En internet es dificil, pero con un poco de suerte podremos conseguir estos mapas del suelo de vuestra zona, y si no lo encontramos, en tiendas como la Tienda Verde, en Madrid, seguro que tienen de nuestra zona, por lo menos de España.
             Muchas veces esto puede hacer que de un lugar a otro tengamos que viajar mucho con el coche, pero merece la pena, pues no solo cambian las flores, sino también los insectos.

Con el sujeto en el visor

            Una vez que hemos elegido el sujeto debemos componer la escena sin prisa, agotando todas las posibilidades que se nos ocurran. Se nos ocurrirán más cuanta más fotografía hayan visto nuestro ojos de otros fotógrafos.

            Primero se compone con los ojos, sin cámara. Se ve que el fondo esté alejado del sujeto principal para que podamos desenfocarlo a nuestro gusto, se busca que en la composición final no se entrecorten elementos o haya algo que estorbe, como colores, ramas del fondo o hierbas que ensucian visualmente el aspecto general. A la hora de idear la composición debemos dejar volar nuestra imaginación pero teniendo nociones de composción, para asegurarnos que el resultado final no solo será de nuestro agrado, sino también del agrado de los fotógrafos más experimentados. La originalidad bien pensada es una gran virtud en fotografía.

            El segundo paso es colocar adecuadamente el trípode y la cámara justo en el lugar desde donde miraban nuestros ojos. Esto lleva algunos minutos.

            Acabada la composición miramos la luz del conjunto. Debemos decidir si queremos la luz ambiental, ya sea luz del sol directa o luz de día nublado, o si por el contrario hacemos sombra y creamos nosotros la luz.

             Si creamos la luz debemos diferenciar la luz del fondo de la del sujeto principal. Muchas veces el fondo puede ser la luz del sol y la principal de flash. Todo esto se mide haciendo fotos que luego al instante borramos porque no nos hacen falta. Iremos viendo cual es la luz que queremos en el fondo jugando con la velocidad y el ISO, aunque debemos ya ir viendo cual es la profundida de campo que queremos y dejar el nºf fijo en donde queramos, así el fondo dependerá de la velocidad y del ISO, sin embargo, y para nuestra desgracia, es muy normal que una leve brisa mañera nos determine también la velocidad, por lo que en la mayoría de las ocasiones, la luz del fondo la determinará solo y exclusivamente el ISO de nuestra cámara. Esta es una de las razones por las que recomiendo las cámaras de sensor completo, que dan mejores resultados a ISOs altos.

            Una vez que tenemos la luz del fondo que queremos, vamos a ver qué luz queremos para el sujeto principal. Lo habitual es un flash lateral con un folio como difusor para que resalte el volumen. Pero esto depende de lo que queramos mostrar y es muy versátil. Yo suelo además añadir un flash trasero al lado contrario sin difusor para crear un filito de luz que resalta mucho el motivo principal.
            El tema de la luz es amplio, pues podemos hacer la iluminación que queramos. Aquí mis consejos se os quedarán cortos, pues lo maravilloso es experimentar hasta dejando el motivo en sombra si es lo que queremos.

En la cámara

Con la fotografía en la cámara debemos revisar sobretodo si el punto de enfoque está donde nosotros queríamos, y si ha quedado enfocado con la profundidad de campo que buscábamos o si debemos retocar algún parámetro. Si hemos hecho varias fotografías es mejor no borrarlas en la cámara porque luego el resultado óptimo lo veremos en el ordenador.
Al ver la fotografía, una vez realizada, nos fijaremos en el fondo especialmente así como en la composición, porque se suelen ver cosas que en el visor no aparecen como en la fotografía final, sobre todo en los desenfoques del fondo.

En el ordenador

El procesado va a gusto de cada uno, pero yo recomiendo ajustar un poco las curvas y la saturación. No le deis enfoques innecesarios ni procesados que alteren mucho la fotografía, así nos esforzaremos en ser mejores fotógrafos dejando la fotografía acabada casi en al cámara.

Un último apunte, la pantalla de vuestro ordenador debe estar correctamente calibrada para que el color y brillo que veáis sea el real... pero eso es otra historia.

Un saludo a todos, y preguntad lo que haga falta.

Práctica fotográfica 9 - SESIÓN ESPECIAL de 60 minutos

2011-06-04T18:59:00.000+02:00

Ya está subida la práctica fotográfica 9. Una sesión especial de 1 hora en la que cuento muchas y variadas cosas sobre fotografía de naturaleza.

Espero que disfrutéis:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

Práctica fotográfica nº7 y 8

2011-05-30T12:10:00.003+02:00

Ya están subidas las prácticas fotográficas 7 y 8. Espero que os sirvan de ayuda:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

¿Problemas con la profundidad de campo?

2011-04-18T23:30:00.000+02:00

No voy a definir lo que es la profundidad de campo, porque se puede encontrar en cualquier libro de iniciación a la fotografía, pero sí os diré, que a muchas personas les trae de cabeza, y todo es más fácil de lo que parece.

Dependiendo de la abertura del diafragma de la cámara tendremos la impresión de que todo está enfocado (gran profundidad de campo) o de que solo un lugar concreto está enfocado (poca profundidad de campo). Así a nºf pequeño, como f/2,8 tendremos poca profundidad de campo y a nºf grande, como f/22 tendremos mayor profundidad de campo.

Llegados a este punto podemos pensar equivocadamente: "pues hago las fotos al nºf más alto que tenga cuando quiera que salga todo enfocado y ya está". Sin embrago, la cuestión no es tan sencilla, porque a f/22 la calidad de nuestra fotografía se resentirá bastante en comparación con un f/8, por ejemplo.

Existe un valor llamado distancia hiperfocal, que nos determina, a un nºf determinado, la distancia desde la cual aparecerá todo enfocado hasta infinito. Aquí es donde muchas personas se atascan.

El sistema que yo propongo no es el de la tabla hiperfocal, aunque lo recomiendo si no es un problema para el fotógrafo.

Os explico cómo procedo yo, y os invito a practicar este método.

MI SISTEMA

Por lo general obtendremos la mejor calidad de nuestro objetivo a f/8.

Yo, como norma general, para hacer un paisaje con el gran angular 17-40mm. empiezo a f/8, hago la composición, y si tengo un sujeto en primer plano enfoco unos centímetros más lejos, de manera que maximizo el área que aparecerá enfocada. Compruebo la fotografía y si me interesa dar mayor profundidad de campo cierro dos pasos el diafragma y contrarresto para darle la luz perdida al cerrar el diafragma, o bien haciendo la fotografía dos pasos más lenta o subiendo el ISO dos pasos. Y ya está.

Normalmente casi todo lo que hago en paisaje está a f/8, esto es porque el angular da gran profundidad de campo aún con nºf bajo. Además, debemos saber que muchos fondos no necesitan estar perfectamente enfocados si no son parte protagonista de la fotografía, sobretodo si lo que nos interesa es la luz de un atardecer y no que se vean nítidamente los bordes de las montañas o el horizonte del mar. Nuestro ojo no lo percibirá y la calidad de nuestra fotografía habrá sido la mejor.

En fotografía de paisaje con el 70-200 también empiezo con f/8 salvo que me interese desenfocar totalmente el fondo. En ese caso iré a f/2,8 y subiré si necesito más para sacar perfectamente el sujeto principal.

Es muy importante saber donde enfocar, no necesariamente en el punto exacto donde queremos que empiece el enfoque, sino un pelín después, salvo que enfoquemos animales, ahí sí que debemos enfocar directamente a los ojos.

Con el macro, la profundidad de campo se reduce drásticamente, y en muchas ocasiones necesitaremos f/ 10 o mayores. Cuando pongo el convertidor de focal 2x obtengo los mejores resultados a f/16. Si necesito más, lo subo sin problema.

INCONVENIENTES PARA MANTENER UNA MISMA PROFUNDIDAD DE CAMPO

Los inconvenientes mayores que vamos a encontrar para tener la profundidad de campo que deseemos son, tener que disparar a velocidades excesivamente lentas o demasiado rápidas y a ISOs altos. Aquí una cámara de sensor completo y un buen flash marcarán la diferencia.

Por ejemplo, si tenemos viento tendremos que tirar a velocidades altas como 1/200 o mayores. Si disparamos con flash, y nuestro flash no sincroniza a alta velocidad, no podremos pasar de 1/200 y perderemos muchas fotos.

En ocasiones un solo flash de alta velocidad es insuficiente y necesitaremos 2 o 3. Si nuestro caso es el de que no tenemos flash que sincronice a alta velocidad, tendremos que valernos de ISOs altos. Si el ISO de nuestra cámara no es bueno, perderemos otras tantas fotografías. De ahí mi insistencia en usar cámaras buenas de sensor completo que den buenos ISOs y flashes buenos que sincronicen a alta velocidad.

Si por el contrario no hace viento y no necesitamos grandes velocidades, podremos bajar la velocidad para recoger más luz, pero solo hasta un punto limitado. Si no tenemos trípode yo no bajaría de 1/160, y si lo tenemos dependerá de si el sujeto se mueve. Es muy arriesgado y se pierden muchos momentos irrepetibles. Al final, la profundidad de campo que deseamos la determinará un buen ISO.

Un ejemplo: Tenemos un día de viento, he determinado la profundidad de campo que quiero con un nºf 16 y disparamos a 1/200, a pesar de que estoy disparando el flash a plena potencia, apenas recoge el destello porque le he puesto un difusor, quiero que la luz no sea dura, sino difuminada y no tengo más flashes. Una solución es subir el ISO. Al hacer más sensible el sensor, el destello del flash lo recogerá con más intensidad. Subimos el ISO de 100 a 400. El inconveniente es que ahora entra más luz y debemos compensar la imagen haciendo la fotografía a mayor velocidad, con lo cual pondremos la velocidad en 1/800. En este momento, si nuestro flash no sincroniza a alta velocidad habremos perdido la foto, a menos que sacrifiquemos el nºf, pero eso cambiaría la foto.

Supongamos que sí tenemos ese flash sincronizado a alta velocidad, pero todavía necesitamos más luz. Subiremos el ISO a 1600 y dispararemos a 1/3200. Aquí, si nuestra cámara no tiene buen ISO habremos perdido nuestra foto.

Esto no os lo digo desde la teoría. Hoy mismo he tenido que hacer varios macros a 1600 ISO, el resultado final ha sido aceptable porque la cámara está preparada para ello y tenía flash sincronizado a alta velocidad.

  Focal: 360mm.
  Velocidad: 1/400
  nºf: 16
  Flash disparado con difusor
  ISO: 1600
  A pulso.

Focal: 360mm.

Velocidad: 1/400

nºf: 16

Flash disparado con difusor

ISO: 1600

A pulso.

Ambas fotografías debían dispararse a f/16 y gran velocidad para compensar el tirar a pulso con el gran peso que supone el Canon 180mm + el convertidor de focal 2x + el flash. Como el destello del flash apenas ilumina, además necesitaba un ISO muy sensible, como el 1600.

   En esta última foto a 1/200 de velocidad, he usado flash a f/16 con difusor, y para captar el destello he tenido que subir el ISO a 1600.

   Como veis, son situaciones que se repiten habitualmente.

   Esta es la manera de trabajar con la profundidad de campo y sus inconvenientes.

   Un Saludo

Práctica fotográfica nº 6

2011-03-30T19:25:00.001+02:00

Ya está subida la práctica fotográfica 6. Espero que os sirva de ayuda:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

¿Filtros Degradados sin degradar?

2011-03-28T18:57:00.000+02:00

Esta mañana, en el foro de Unidos por la Fotografía, leía un comentario de un usuario llamado 'Abelardo' que decía que había encontrado a un fotógrafo que en vez de utilizar un filtro degradado neutro usaba una cartulina negra:

http://hanjies.blogspot.com/2009/10/black-card-photography-part-i.html

Al principio pensé "- se verá la línea negra", pero leyendo el enlace un poco me di cuenta que la técnica se utilizaba en largas exposiciones y podía funcionar.

Cuando he tenido un ratito me he escapado y he comprado cartulina negra. La he recortado con el mismo tamaño de un filtro degradado Lee o Singh-Ray, es decir 15x10 cm. y he empezado a hacer pruebas.

El resultado es más que satisfactorio, pues no se ve la línea de la cartulina. Además, no hay posibilidad de que deje color magenta, puesto que la luz no atraviesa el filtro, ya que es cartulina negra.

He comparado el resultado con fotografías de las habituales que hago con el filtro degradado inverso de densidad neutra y con los degradados normales y no veo diferencias, además no hace falta portafiltros.

TECNICA

La técnica consiste en conseguir que la fotografía tenga varios segundos. Para eso, al 17-40 le he colocado el filtro de densidad neutra (no degradado, el circular), para quitarle 10 diafragmas de luz, y he podido hacer la fotografía a 13 segundos. Como os figuraréis había mucha luz en el ambiente, ya que eran las 12:00 de la mañana.

El objetivo era reducir el exceso de luminosidad en el cielo y en una fábrica blanca cercana.

Pasos a seguir:

- Coloco la cartulina tapando hasta la fábrica. La cartulina se sujeta en todo momento con la mano y se irá moviendo tal como explicaré.
- Hago la fotografía con disparador o con retardo de 2 segundos, para que pueda colocarme bien con la cartulina sujeta. Se sobreentiende que la cámara está sujeta por un trípode fuerte que no transmita vibraciones.
- Pulsamos la foto y contamos los segundos.
- Me interesa oscurecer sobretodo la parte blanca, así que voy subiendo muy lentamente, calculando que a los 8 segundos quitaremos el filtro definitivamente para que también entre la luz del cielo azul por lo menos los 5 segundos que quedan, así que durante 8 segundos, recorremos, subiendo la cartulina, toda la zona de la fábrica y nubes, y al llegar a 8 lo quitamos.
- Yo el filtro lo he pegado totalmente al objetivo, para que no le entren luces parásitas. Hay que tener cuidado de no trepidar la fotografía al tocar por error algo.

Al ser una fotografía tan lenta, no se percibe la cartulina, y conseguimos que entre menos cantidad de luz al reducir el tiempo que le llega la luz al sensor en las zonas de luces altas.

RESULTADO

Por supuesto, que de eso se trata, la fotografía no tiene retoque de Photoshop, sino que es el RAW original.

OBSERVACIONES

La técnica es válida de momento para esta hora del día (luz alta) y estas condiciones.

Para otras condiciones haré pruebas.

CONCLUSIÓN

Si este sistema funciona y es válido para todas las situaciones, puede que muchas personas se ahorren el dinero que cuestan los filtros degradados. Queda por comprobar cuál será el comportamiento de esta técnica en situaciones de amanecer y atardecer.

También he de deciros que tengo en mente un invento que se puede hacer con esta técnica que de funcionar puede ser revolucionario, pero de momento tengo que probarlo, porque probablemente se quede en un fracaso.

Un Saludo.

Desmenuzando a...

2011-03-25T21:13:00.000+01:00

Hoy desmenuzamos a...

RAÚL ESTEBAN

Biografía

Cuando en 1999 empieza con la fotografía digital, Raúl Esteban ya tenía verdadera pasión por la fotografía, y había hecho sus pinitos con la fotografía de emulsión o carrete. En su pequeña biografía se considera paisajista, y es básicamente lo que hace.

Material

No nos dice nada del material que utiliza.

Temática Fotográfica

Su fotografía es básicamente de paisaje, tanto diurno como nocturno, y lo domina a la perfección. Compone perfectamente su fotografía y no tiene errores de viñeteado, tan comunes en fotografía de angular, y tan fáciles de corregir.

Divide su galería en diversas temáticas.

La parte de 'creaciones invernales' está bien, pero no es una maravilla.

En la sección de 'hombre y naturaleza' tiene verdaderas obras de arte, jugando muy inteligentemente con el enfoque selectivo.

En 'Nocturnas' es un verdadero maestro del cual podemos aprender mucho. Su composición y disposición del recorrido estelar está bien pensado y debemos suponer que conlleva un trabajo arduo y pesado.

La sección de 'Detalles' es también muy buena y aprovechable para aprender.

La fotografía de bosques es una de las más difíciles, sobre todo si uno se arriesga a poner una sección solo de bosques, pues, Raúl Esteban tiene una sección nada repetitiva, original y llena de ideas que nos ayudarán sin duda. Es, a mi juicio, la sección que más mérito tiene, pues no es nada fácil componer y enfrentarse a las luces y sombras de un bosque. Magnífico.

La sección de 'Paisajes de montaña' está bien y finalmente la de paisaje costero está muy bien.

Conclusión

Raúl Esteban es un gran paisajista del que debemos analizar su fotografía para aprender de él. Ya sabéis que se aprende no solo saliendo a hacer fotografías, sino viendo mucha buena fotografía. Ésta es buena fotografía y debemos verla con detenimiento, sin ver las fotografías como si vieramos postales, sino analizando donde ha compuesto, porqué, que elementos son los importantes, como juega con los colores, con el enfoque o con las sombras y luces, es decir, todo. Examinemos bien su fotografía, porque merece la pena.

Página web

http://www.naturalimages.com.es/spanish.htm

NOTA

Os pido perdón porque hace mucho que no añadía contenido a esta sección, el motivo es que mi tiempo ha pasado a ser de poco a mínimo. Aún así, no me olvido de ninguno de vosotros y voy guardando fotógrafos buenísimos que voy encontrando tras mucho desechar. Seguiré presentándoos buenos fotógrafos, quizá no con la regularidad con la que quisiera, pero lo seguiré haciendo.

Un Saludo a todos.

Práctica fotográfica nº 5

2011-03-19T18:40:00.000+01:00

Ya está subida la práctica fotográfica 5. Espero que os sirva de ayuda:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

El Balance de blancos en el Blanco y Negro

2011-03-14T18:16:00.001+01:00

En Fotografía Digital, ya sea de naturaleza o no, no existe un procesado específico para hacer fotografía en blanco y negro. Hay ciertas recomendaciones que se sabe funcionan mejor, com la de hacer la fotografía directamente en color y luego procesarla a blanco y negro mediante software. Hay programas específicos para hacer virados a blanco y negro, y diferentes maneras de hacerlo.

En este post no os voy a contar las diferentes maneras, si queréis saber cómo hacer distintos procesados a blanco y negro os dejo esto:

http://www.caborian.com/20100726/conversiones-caborian-a-blanco-y-negro/

Sin embargo, este no es el asunto que quiero tratar con vosotros hoy.

Hoy quería enseñáros cómo el balance de blancos que pongamos en una foto afecta al procesado posterior que hagamos. Para eso os explico cómo proceso yo a blanco y negro:

1) Hago una foto en color.
2) Le pongo los valores que creo convenientes de contraste, saturación y curvas desde el RAW con Photoshop.
3) Todavía desde el RAW pulso en la cuarta pestañita del Camera RAW (que es el programa que se nos abre automáticamente cuando abrimos un RAW), que se llama HSL / Escala de grises, y pulso sobre el botón 'convertir a escala de grises'.
4) Jugando con el aumento de luminosidad de los colores (pues el procesado se hace sobre el color real de la fotografía, aunque tu no lo veas), le doy el aspecto que deseo. Aquí hay que tener un cuidado exquisito, pues no se puede hacer lo que uno quiere, sino que los cambios en el color tienen que ser seguidos de cerca por nuestro ojo, y ver el cambio que producen. Es muy fácil que caigamos en el error de dejar un efecto que nos gusta, y pasar por alto que han quedado bordes blancos en las líneas o que ha quedado un aspecto granulado en ciertas zonas o que se han perdido tonos fundamentales del degradado de un objeto. Para evitar eso debemos hacer cambios pequeños y revisar el resultado final con la foto al 100%

Lo que quiero explicaros hoy, es que el balance de blancos que pongamos influye mucho en el resultado final, por eso no debemos restringirnos al balance que nosotros vemos como correcto en color, sino jugar también con un balance frío y con uno cálido.

Para este ejemplo he usado una misma fotografía con un balance normal, es decir, en el que la fotografía en color queda como yo quiero; con un balance frío y con un balance cálido.

Estas son las fotografías en color con los diversos balances:

Y ahora os pongo los correspondientes virados a blanco y negro de la imagen normal, del balance cálido y del balance frío respectivamente:

Como veis, se aprecian bastante las diferencias en lugares como el cielo o las plantas del primer plano. Dependiendo de lo que queramos, no olvidemos poner varios balances de blancos en una misma fotografía que queramos procesar en blanco y negro.

Como apuntes, os recuerdo que se debe eliminar siempre el viñeteado de los objetivos todo lo que se pueda. En las fotografías en blanco y negro que os he presentado lo he eliminado prácticamente.

Y también os recuerdo que en los procesados que os he puesto en el enlace primero, muchos de los autores usan un procesado por zonas. Cada uno debe elegir lo que quiere, si hace un procesado por zonas y altera la imagen a su gusto, o si hace un procesado a la totalidad alterando ligeramente la imagen. Como siempre, cada uno que elija lo que más le conviene a su fotografía. Mi preferencia, como sabéis, es siempre reflejar lo real, dentro de lo que se puede llamar real al blanco y negro.

Un Saludo, y nunca descartéis el blanco y negro de vuestra fotografía... es otro mundo.

Nuestro Equipo fotográfico

2011-03-10T12:44:00.001+01:00

Hay algo que todos debemos hacer al principio:

Debemos pensar bien y con calma hasta donde vamos a llegar con la fotografía.

Yo soy un aficionado y no está entre mis fines ser fotógrafo, pero entre mis planes está la fotografía de aves, la nocturna, realizar exposiciones, presentarme a concursos, crear un estilo fotográfico que cuente historias mediante la fotografía (para esto cualquier cámara vale) e incluso vender mi trabajo. Para eso necesito un material de muy alta calidad, sobretodo para vender mi trabajo y crear exposiciones de gran calidad. Esto hace que necesite una cámara de sensor completo, que me va a dar más calidad y versatilidad en ISOs altos y me proporcionará imágenes grandes para poder imprimirlas en exposiciones.

Si uno no va a realizar exposiciones de gran calidad o a vender su trabajo en formatos grandes que requieran lo mejor, o no necesita un equipo a prueba de lluvia y polvo, no tiene porqué ir al sensor completo o a cámaras profesionales de alta gama, salvo que necesite los ISOs altos para la fotografía que va a realizar.

Conozco buenos fotógrafos que hacen exposiciones al tamaño normal de exposición teniendo formatos de sensor APS-C, como el que tiene una Canon 7D, una Nikon D300, una Olympus E-5, una Pentax K5 (que tiene un sensor peculiar de alto rango dinámico), una Sony Alpha 580, etc. Estas cámaras requerirán objetivos que ya no tienen que ser necesariamente lo mejor, e incluso se abre el campo de las marcas. También depende del límite de calidad que te pongas.

Si no se van a hacer fotos de aves o sujetos en movimiento, no necesitamos enfoques ultrasónicos. Si nuestra fotografía de paisaje está destinada a tener nuestras fotos en el ordenador o a imprimirlas para nosotros o amigos o mostrarlas en internet, una APS-C te sobra. O incluso si vas a hacer macro con buena luz y no se va a usar flash a menudo puede llegar a ser demasiado una APS-C. Para esto yo recomendaría una EVIL, es decir una cámara de micro 4/3 (Olympus E-P2, Pansonic Lumix GH2, Sony NEX 5, aquí recomendar una es insuficiente, hay que ver las características de todas las EVIL y ver qué necesitamos).

Las EVIL tienen calidad, son reflex, todo es mucho más barato, pesan muy poco y dan una calidad muy aceptable. Hace unos días vi a un usuario de Flickr que disparaba con una micro 4/3 y hacía una fotografía macro impresionante.

Todas estas decisiones surgen de haber resuelto bien la pregunta ¿Hasta donde voy a llegar con la fotografía? Debemos pensarlo bien. La respuesta condicionará la cámara y el objetivo a comprar, y así no tiraremos el dinero.

Un Saludo a todos.

Tu Foto Comentada

2011-03-10T12:41:00.000+01:00

Autor: JAVIER PEÑA

Web: http://fotografiasdeuruenas.blogspot.com/

http://www.flickr.com/photos/botijo/

Cámara: Olympus E-300

Objetivo: Zuiko 12-60mm. f/2,8-4

Focal: 12mm.

Abertura: f/3,5

Velocidad: 1/4000

ISO: 100

Sin trípode

Lugar: Valle del Lozoya (Madrid)

COMENTARIO

Esta fotografía que presento hoy es la elegida por Javier, de un conjunto de 4 composiciones diferentes.

Quiero comenzar dando la enhorabuena a Javier Peña, porque estoy viendo en él una evolución muy interesante en su fotografía, no solo por su fotografía de naturaleza, sino por toda su fotografía, algo que podemos constatar si visitamos su página de Flickr.

La fotografía de hoy tiene unas condiciones externas que no se ven pero que es bueno describir. Me cuenta Javier que para hacer esta fotografía tuvo que parar el coche, con la familia dentro, hacer las fotos y seguir. Estas son las condiciones normales en la fotografía cuando somos aficionados, muchas veces tenemos que hacer la fotografía bajo presión, y eso implica que tenemos que conocer muy bien los entresijos para una buena composición, dado que no tenemos tiempo más que para hacer una fotografía más o menos donde estamos. Para esto debemos tener un 'Kit mental' de preguntas importantes y rápidas que tenemos que hacernos en apenas unos segundos:

1) ¿Vertical u horizontal? Debemos recordar que si queremos dar la sensación de mayor profundidad, una composición vertical nos ayudará. Si la fotografía es de paisaje, la composición horizontal mostrará más paisaje aún perdiendo sensación de profundidad.

2) ¿Qué tiene interés en la foto? ¿Qué puede quedar fuera de nuestro encuadre?

Estos 2 puntos son un kit de supervivencia para hacer la fotografía y que luego al verla podamos quedar satisfechos.

Javier, en vez de hacer esto solamente, puesto que le surgían dudas, ha hecho los 4 encuadres posibles y se los ha llevado en la cámara, así, la decisión, la toma no en el momento, sino en el ordenador cuando vuelva a casa. Esta es una opción muy buena. Con la práctica, uno acaba viendo al composición casi al instante.

El ambiente de la fotografía es un ambiente soleado después de una nevada, con lo cual, el rango dinámico de la escena será grande. Javier a expuesto correctamente, aún cuando algunas partes de la nieve están sobrexpuestas, pero se aprecian poco, y no molestan para nada en el conjunto.

El enfoque también es correcto. Ha enfocado al primer plano, y aunque se pierde nitidez a medida que nos alejamos, no dificulta la visión del conjunto.

La saturación del color es buena, sin excesos.

MEJORAS

Yo hubiera bajado un punto la exposición y luego hubiera adecuado las curvas para conseguir la luz adecuada, porque prefiero dejar la nieve bien expuesta si se puede. La vegetación me habría quedado muy oscura, pero ya os digo que corrigiendo las curvas se puede alzar la luz de esas partes.

La apertura del diafragma a 3,5 creo que no es adecuada del todo, algo que ya me advierte Javier y que comenta que cuando a uno le están metiendo prisa por detrás, se le olvidan algunas cosas (...los problemas de la fotografía familiar, je, je).

Javier dispara con una Olympus E-300, es decir, una cámara con sensor de 4/3, es decir, la mitad más o menos de un sensor de tamaño completo. Esto hace que aunque ha disparado a f/3,5, la fotografía tiene más profundidad de campo, pero no la suficiente. Yo suelo recomendar f/8 para paisaje si no se necesita más, porque da la mejor calidad del sensor. En este caso, se podría haber puesto, dado que la fotografía está hecha a 1/4000, con lo que hay margen suficiente. Un f/8 enfocando a donde están los primero pinos aislados, nos habría permitido ver con mayor nitidez los árboles pelados de las montañas, que en la toma se ven algo borrosos. Comparando una foto con otra, veríamos que aumentaba la calidad y nitidez.

La composición está bien, pero el primer plano queda algo confuso, ya que se ve una valla que no acaba de atraer a la vista al no haber un sujeto principal y que da la impresión de que se ha colado en el encuadre. Esto no quiere decir que siempre tenga que haber un sujeto principal, pero en las fotografías en las que puede haber cierta monotonía en los elementos, algo que rompa puede ser un factor muy interesante para añadir belleza al conjunto.

¿Qué es lo más interesante en esta fotografía? Cierto es que el conjunto es bonito, pero a mí me atraen mucho esos cruces de diagonales que forman las montañas como si fuera una cremallera. Eso es a lo que yo hubiera dado preferencia, porque no perderíamos nada del resto, se puede sacar el cielo, la nieve, la profundidad. Una de las 4 composiciones de Javier me parece que es perfecta para ilustrar lo que os cuento:

Incluso yo la hubiera acercado un poco más, porque la zona de la derecha no nos aporta mucho. Aclarando un poco las sombras, ese primer pino de la izquierda cobra protagonismo, se ve la 'cremallera' formada por los montes, el embalse, el cielo, los pueblos... y el conjunto tiene gran profundidad. Es cierto que me sobra algo de campo del primer plano, pero esta es la que más me gusta de las 4 tomas.

Las otras 2 tomas son la misma imagen pero sacando el cielo del encuadre. ¿Porqué? Porque el cielo no estaba muy allá, y Javier, acertadamente buscó una composición sin el cielo para ver cómo quedaba:

En este caso, prefiero las que tienen el cielo, pero no desprecio para nada estas tomas, especialmente la vertical, que tiene mucho de fotografía moderna y compositivamente me parece interesante, pues juega con las líneas de los montes, ha eliminado ese primer plano que molestaba y solo nos deja el pino para crear interés y profundidad, y además se ve el embalse al fondo, factor que añade interés. En esta última, el pino no está a foco y se nota que falta profundidad de campo, pero el resto me gusta.

Me comenta Javier que tiene todos sus objetivos Olympus y le encarecería mucho cambiarse a Canon o Nikon, por eso su cámara nueva será la Olympus E-5.

La opción que toma Javier me parece la más acertada. Debe exprimir su equipo al máximo.

Un Saludo a todos

Práctica fotográfica nº 4

2011-03-09T15:06:00.000+01:00

Ya está subida la práctica fotográfica 4. Espero que os sirva de ayuda:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

¿Qué objetivo me compro?

2011-02-17T21:50:00.001+01:00

   Ante la necesidad de comprar un objetivo, uno no sabe qué hacer. Se oyen opiniones de todo tipo. Unos hablan bien de un objetivo del que otros hablan mal, y así podemos llegar a cometer grandes errores en la compra de nuestros objetivos, simplemente porque no sabemos cuál es un buen consejo y cuál un eco que corre por la red.

   Mucha gente ni se da cuenta de que lo que tiene entre sus manos es una mala focal, porque no conocen otra lente mejor y presumen de la calidad de su objetivo a diestro y siniestro. En estos casos yo recomiendo antes informarse y formarse, y sobre todo, no divinizar nuestros objetivos, sino reconocer lo que es bueno y lo que es mejor.

¿QUÉ TIPO DE FOTOGRAFÍA VOY A HACER?

   Lo primero que debemos saber es el tipo de fotografía que voy a hacer. Cada objetivo vale para una o varias cosas, pero no hay un objetivo que merezca la pena y que además sirva para todo. Los objetivos angulares nos servirán para paisaje y nocturna, los teles medios para retrato y paisaje o para extracciones de detalles, los objetivos macro para sacar naturaleza muy pequeña y los teleobjetivos para fauna principalmente, posiblemente la fotografía más compleja.

   Lo mas habitual en quién empieza es el paisaje. En este tipo de fotografía necesitamos un objetivo angular y un teleobjetivo medio. En el caso de tener una cámara con sensor completo empezaremos desde los 16mm y en caso de tener una cámara con factor de multiplicación empezamos desde los 10mm.

   Los objetivos angulares son los de más difícil construcción. Sus lentes son curvas para abarcar un gran espacio de paisaje y esto produce muy fácilmente aberraciones del color, difracciones o reflejos de la luz, efecto flare y una pérdida muy considerable de nitidez a medida que nos alejamos del centro de la lente. Esto quiere decir, que invertir en un angular fijo de alta calidad o en un buen zoom angular es acertar siempre.

   Lo más probable es que tengamos un 18-55, más conocido como "el pisapapeles", por su poca calidad. Este tipo de objetivos da una calidad muy inferior a la que puede captar el sensor de nuestra cámara, por lo que hay que cambiarlo en cuanto se haya decidido cuál será nuestro objetivo de paisaje... y podamos pagarlo.

   Normalmente os hablo de la marca Canon, que es la que conozco más de cerca, pero los mismos ejemplos se pueden extrapolar a Nikon. De otras marcas no me responsabilizo a hablar de su calidad por mucha fama que tengan. Sony esta intentado estar a la altura de Canon o Nikon, pero desconozco una comparación adecuada entre marcas para hablar con rigor. De objetivos Sony he visto alguna MTF muy buenas y no me extrañaría que de aquí a algunos años estuviera a la altura tanto en objetivos como en cámaras. Pero este es otro tema distinto al que nos atañe.

¿FACTORES A TENER EN CUENTA EN UN OBJETIVO?

   Para comprar un objetivo zoom debemos tener en cuenta que a medida que aumentamos en focal, las lentes van pasando de curvas a planas, con lo que la mejor calidad de un objetivo zoom nos la dará aquél que cubra un rango corto o medio de distancias sin que cubra focales en las que diverjan mucho la curvatura de sus lentes. Por ejemplo: 10-22, 16-35, 17-40. Aquellos que tendrían más dificultad en dar gran calidad en toda su distancia focal serían por ejemplo: 15-85, 17-85, 18-135, 24-105... alguno estará pensando -"Yo conozco objetivos con esa distancia focal que no son malos", efectivamente, no estoy diciendo que sean malos, solo que son peores. Hay que tener en cuenta que en cuestión de objetivos debemos ir a la más alta calidad no solo de imagen, sino de todas sus características. Esto hará que usemos objetivos durante décadas y no cada 5 o 6 años.

   Por supuesto, los "Todoterrenos" no existen. No hay un objetivo que valga para todo. Realmente no vale para nada. Aquellos que cometen el error de comprar un todoterreno, o bien se quedarán con ese, o a la larga acabarán gastándose un dineral.

   Vamos a ver factores que debe tener un objetivo para que sea de alta calidad.

CURVAS MTF

   Nuestro objetivo debe tener la mejor curva MTF dentro de su gama. Esto quiere decir que compararemos objetivos parecidos y no un 17-40 con un 70-200 por ejemplo. Las MTF de los angulares dan peor calidad, porque es más difícil construir estos objetivos dados los problemas que dan las lentes curvas.

   ¿Cómo interpreto una curva MTF? Una curva MTF mide el contraste y nitidez de un objetivo. En la web de Canon, en los ultra-angulares ni siquiera aparece la MTF del 10-22. Se entiende que el que compra este objetivo tiene una cámara APS-C, es decir con sensor no completo, y poco le importan las curvas MTF, sino conseguir un angular que no podría conseguir de otra manera, dado el factor de multiplicación de estas cámaras, que hace que un 10-22 se conviertan en un 16-35. Sin embargo, si aparecen las curvas del 16-35 y del 17-40, que tienen focales muy parecidas y se pueden comparar. Aparecen tanto las MTF a 16 o 17mm. o WIDE, es decir, a máxima apertura de focal, como las MTF a mayor focal del objetivo: 35 y 40mm que se las llama TELE.

   MTF del 16-35

MTF del 17-40

   ¿Cómo interpretar este desbarajuste de líneas?

   Como no os voy a explicar todo con detalle, vamos directamente a lo que nos interesa saber.

   1) Las líneas gruesas continuas y discontinuas nos hablan del contraste, suelen estar más arriba.

   2) Las finas, la resolución.

   3) La izquierda es el centro de la lente, que suele dar los mejores datos, y la derecha el extremo de la lente.

   4) Las negras son a máxima apertura del objetivo y las azules a f/8, que es donde generalmente tiene mejor calidad un objetivo.

   Al grano:

   Cuanto mayor es la separación entre las lineas del mismo grosor y color, se produce más astigmatismo, es decir, mayor diferencia en la fotografía entre las líneas horizontales y verticales y una mayor deformación de las líneas y puntos. Esto nos dará un peor desenfoque.

   A efectos visuales, mejor será la calidad óptica de un objetivo cuanto más arriba estén las líneas gruesas y finas del mismo color.

   Si usamos una cámara con sensor más pequeño que el completo. Deberemos fijarnos solo hasta el nº 15 en el eje X de la gráfica, ya que el resto hasta el 20 es para cuando el objetivo se usa en cámaras de sensor completo.

   Las curvas anteriores que os he puesto son 2 de los mejores ultra-angulares de Canon, y ya veis como varía. Esto es por ser angulares. Si os pongo una MTF de un buen teleobjetivo veréis que la calidad es considerablemente mejor.

   MTF del 300 f/2,8L IS

Como podéis ver, la calidad está rozando la perfección. Todas las líneas están arriba. Yo he visto fotografías de aves con este teleobjetivo y se ve cada pelillo de las plumas. Es increíble.

Si volvemos a las MTF de los ultra-angulares de Canon, vemos que tiene mejor rendimiento el 17-40 que el 16-35. Esto se debe principalmente a que la línea negra del 1º es a f/4 y la del 2º a f/2,8, que siempre da peor calidad.

LUMINOSIDAD

Nuestro objetivo tiene un margen de luminosidad que toma de la escena: 5,6-6,3; 4,5-5,6; 2,8; Cuando un objetivo zoom mantiene la misma luminosidad en todo su rango focal estamos hablando de mejor calidad que si variara. Por ejemplo, será mejor un 24-70mm. f/2,8 que un 24-85mm. f/3,5-4,5.

A número fijo de luminosidad en principio cuesta más eliminar las aberraciones de un f/1,4 que las de un f/2,8, porque el diámetro de la lente debe ser mayor para coger más luz, y aumentan los problemas. Si encontramos uno bueno, lo más probable es que no lo podamos pagar. Por ejemplo, un 400 f/5,6 es más asequible económicamente que un 400 f/2,8, porque éste último es muy difícil de construir para que de una calidad mejor que el 400 f/5,6.

Tenemos que pensar qué luminosidad vamos a necesitar. Para paisaje normalmente yo no bajo mucho de f/8, pues me interesa tener gran parte de la fotografía enfocada (es decir con gran profundidad de campo) y para eso necesito números altos de nºf.

En el caso de que nos guste la fotografía nocturna, debemos saber que un nºf más pequeño hace que la fotografía requiera de la mitad de tiempo, pero la calidad sea peor. En esta fotografía se utiliza mucho el 17-40 de Canon. Pero un objetivo con luminosidad f/2,8 o menos reducirá el tiempo de nuestras exposiciones. Si uno quiere sacar las estrellas como puntos captando mucha luminosidad sin necesidad de motores externos ni gaitas, necesitará el carísimo objetivo f/1,4. Si quieres sacar las estrellas como líneas, con el f/4 te bastará.

En el caso de un teleobjetivo, la mayoría de las veces buscamos la luminosidad, porque necesitamos separa al sujeto principal del resto de la escena mediante el desenfoque. En este caso los objetivos de mejor calidad son los de f/2,8, que en muchas ocasiones no podremos pagar, pero que merecen la pena.

En fotografía macro no necesitamos un nºf muy bajo de 1,4 o 2,8, al contrario de lo que se piensa, pues a diafragmas muy abiertos, tenemos escasísima profundidad de campo. Utilizaremos la máxima abertura en ocasiones, pero no habitualmente. El estabilizador puede ayudar si fotografiamos a mano, pero resta calidad al resultado final. Como mi fotografía macro siempre es con trípode, no uso estabilizador. No suelo bajar de f/8 en mis macros, salvo que quiera desenfocar mucho el fondo, y en muchas ocasiones utilizo nºf mayor.

ENFOQUE

En muchas ocasiones necesitaremos enfoques rápidos y precisos. Para un paisaje no nos hará falta, pero para una escena en movimiento sí.

Los sistemas de enfoque ultrasónicos (USM) son los mejores. Sin este sistema podemos encontrarnos con que nuestro objetivo es tan lento que no cogemos la escena que queremos nunca.

Además, un buen objetivo mantiene siempre activo el enfoque manual, es decir, que tú en cualquier momento puedes reenfocar manualmente simplemente girando la rueda de enfoque, sin tener que pasar de automático a manual.

COLOR

El objetivo que compremos debe dar un color real, con el menor número de aberraciones cromáticas de azules, verdes, amarillos y rojos.

VIÑETEO

   Muchas veces se producen esquinas negras en nuestras fotos, a eso se le llama viñeteo. En cámaras con sensor completo sucede más a menudo, pero las propias cámaras ya vienen preparadas para eliminarlo en gran medida. Aquí el uso del software es imprescindible.

   Este efecto se incrementa a menor focal y nºf.

   Cuanto menos viñeteo produzca nuestro objetivo mejor será.

LENTES TRATADAS

   Las mejores lentes llevan cristales de materiales antireflejos, y que producen un nº mínimo de aberraciones, con baños especiales para protegerlos del polvo y las inclemencias. Debemos asegurarnos de la calidad de la lente que compramos.
   Mucha gente, influenciada por lo que lee en internet comete el error de poner un filtro protector en su objetivo. Esto hace que aparezcan nuevas aberraciones, reflejos y que empeore el conjunto de la calidad. Es como ponerle ruedas de madera a un Ferrari para no tener pinchazos.
   El mejor modo de proteger la lente frontal del objetivo es no quitar la tapa del objetivo hasta que la cámara esté colocada en el trípode y vayamos a componer. Se hace la foto, se pone inmediatamente la tapa y después se quita la cámara del trípode.

DISTORSIONES

   Tenemos que tener en cuenta las distorsiones que producen las lentes tanto en barril como en cojín. A menor distorsión, mejor es el objetivo. Las mayores distorsiones se producen siempre a menor focal.

MOVIMIENTO INTERNO

   Los mejores objetivos realizan todos sus movimientos de zoom y enfoque internamente. Esto quiere decir que los objetivos que se alargan y encogen son de peor construcción y más proclives a la rotura y a que entre suciedad o se atasquen, así como la holgura o la entrada de arenilla.

SELLADO Y CONSTRUCCIÓN

   Un buen objetivo tiene una construcción exquisita para evitar que entre cualquier pequeña cantidad de polvo en el interior de la lente o que pueda entrar humedad. Las ruedas de enfoque y zoom deben ser suaves y ubicadas exactamente donde son fáciles de girar en un movimiento rápido.

   Un objetivo debe ser robusto, con algo de peso. Que al tacto uno pueda reconocer que es sólido, no que parece de plástico. Debe tener todas las ranuras bien selladas para evitar los granitos de arena que se cuelan por el viento fuerte en la playa o en la montaña. Botones de fácil acceso y suaves de manejo.

DISTANCIA MÍNIMA DE ENFOQUE

   Es importante saber la distancia mínima de enfoque de nuestro objetivo. Nos permitirá acercarnos más al sujeto y ampliar la escena.

LAMINAS DEL DIAFRAGMA

   Cuanto más láminas tiene el diafragma para hacer su función, mejor suele ser el objetivo, y mejor desenfoque produce. Sobretodo en las luces.

ESTABILIZACIÓN

   Los objetivos estabilizados se usan cuando uno está en movimiento haciendo fotos o cuando en bajas condiciones de iluminación sin trípode uno quiere sacar la fotografía como sea. Para este caso si sirve, pero hemos de saber que con la estabilización en un objetivo aumenta el peso, el gasto de la batería, el coste del objetivo y la calidad del objetivo disminuye.

   En muchos lugares de internet os recomendarán el objetivo con IS (sistema de estabilización). Ya veis que esto no tiene mucho fundamento salvo para las condiciones puntuales que os he comentado. En naturaleza se dan pocas condiciones para que se necesite el IS.

USO DE CONVERTIDORES Y TUBOS DE EXTENSIÓN

   Es muy recomendable que los objetivos que compramos sean compatibles con los multiplicadores de focal de 1,4x y 2x y con los tubos de extensión para aumentar el aumento macro y disminuir la distancia mínima de enfoque.

USO DE FILTROS

   Hay que tener en cuenta que en fotografía de paisaje se usan filtros degradados. Para un buen uso de los filtros degradados necesitaremos un mínimo de 77mm. de diámetro en nuestra lente. Con menos, se pierde gran parte del degradado y nuestra capacidad de mover el filtro en movimiento queda muy limitada.

IGUAL DIÁMETRO DE LAS LENTES

   Otro factor a tener en cuenta es que nuestras lentes tengan igual diámetro de lente, para poder usar los mismos filtros y anillos en las lentes en las que usemos filtros. Esto nos ahorrará dinero y nos quitará peso de la mochila.

OBJETIVOS MACRO

   Si te gustan las cosas pequeñas y quieres fotografiarlas necesitarás un objetivo macro. Su focal puede ser de 100mm o 180mm. nunca menos, porque eso implica que estarás encima del bicho. A focal más larga, estaremos más lejos y evitaremos que el animal se asuste. Además conseguiremos fondos más desenfocados, algo que se usa mucho en las buenas fotografías macro.

   Además es altamente recomendable que a nuestro macro se le puedan colocar multiplicadores de focal como el 1,4x o el 2x, así conseguiremos duplicar el tamaño de lo que vemos. El 100 macro no lo permite, pero el 180 si. Para este tipo de objetivos es necesario el trípode y otros aparatos como un disparador por cable, un plato micrométrico, etc...

¿ME SUICIDO YA O LO DEJO PARA LUEGO?

   Ante tantos factores a tener en cuenta uno puede decirse: "¿Y si en vez de hacer fotografía me busco otro hobby?". Pero ¡Alto! ¡Qué no cunda el pánico! Para eso estamos aquí, para ayudar.

   Si tu decisión es buscar la calidad y ahorrar el máximo dinero a la larga, debes comprar objetivos de máxima calidad. Un ultra-angular y un tele-medio para paisaje. Si te gustan las cosas asequibles, es muy probable que te interese la fotografía macro, con lo que necesitarás un macro de calidad, y si además, con el tiempo quieres fotografiar fauna, necesitarás un teleobjetivo. Es decir, 2, 3 o hasta 4 objetivos si quieres disfrutar de la mayoría de situaciones en la fotografía de la naturaleza.

   Si tu aspiración no llega a tanto, puede que con el 24-105 de Canon te sirva. No es lo mejor para naturaleza, pero tampoco es malo. Aún así yo no lo recomiendo.

   También hay gente que para evitar comprarse el 70-200 y un 400 fijo, se compra el 100-400 IS. Este es un objetivo muy versátil, pero a partir de 250mm. pierde bastante nitidez respecto al 400 fijo. No es lo mejor, pero es una opción. Yo tampoco lo recomendaría para naturaleza.

   Mi recomendación es como angular el Canon 17-40mm. f/4L USM, como tele medio el Canon 70-200 f/2,8L USM, como macro el Canon 180mm. f/3,5L USM y como teleobjetivo el Canon 400 f/5,6 o incluso si se puede conseguir el dinero, el Canon 300mm. f/2,8L USM, aunque ya es mucho. Salvo el 17-40, el resto de estos objetivos que recomiendo son compatibles con el multiplicador de focal 1,4x y 2x, con lo que se duplica su focal. Cuando el nºf es 2,8 o menor, podemos utilizar el convertidor con el autofoco. En el macro no lo necesitaremos. Con el 400mm. f/5,6 no podemos tener autoenfoque con el convertidor, una pena, pero mucha gente lo usa manual sin problema.

   En Nikon podemos recomendar el 14-24 o el 16-35 para paisaje. Como tele medio el 70-200. Como teleobjetivo de fauna asequible, el 300 f/4 y menos asequible pero recomendable el 300 f/2,8. Y finalmente como Macro el 200 f/4 micro.

   Respecto a otras marcas, Sony está ofreciendo muy buenas cámaras y objetivos, está sacando objetivos de gama profesional, incluido un 300 para fauna, aún así todavía tiene pocos objetivos profesionales, y debemos pensar no solo en objetivos, sino en accesorios y versatilidad, duplicadores... Por ejemplo, si queremos un macro de focal larga de gran calidad, solo lo encontraremos en Nikon y Canon. Con cualquier otra marca deberemos ir a 100 macro o a la calidad no profesional del Sigma 180 o del 150 macro, al cual habría que ver si se le puede colocar un duplicador y qué resultado de aberraciones y nitidez da, todo esto suponiendo que este objetivo esté para nuestra cámara. Esto ya nos determina que si nos salimos de Canon o Nikon no podremos disfrutar de un 180 macro de gran calidad o de un 360 macro, que es en lo que se convierte al acoplarle el duplicador. Este factor puede ser muy importante para el resultado final. La mayoría de las veces, irse a otras marcas todavía no te asegura versatilidad.

   Otras marcas como Sigma, Tokina, Tamron, etc... tienen objetivos que ya no se pueden considerar profesionales, sino buenos. Muchos de ellos tienen buena nitidez pero fallan en algo, o bien el enfoque es lento, o producen mucho viñeteo o muchas aberraciones o su construcción no es precisa... Por esta razón es bueno elegir lo mejor si uno tiene paciencia para ahorrar. Así nos aseguramos la mayor calidad y versatilidad con nuestro equipo, porque uno puede ser buen fotógrafo con una compacta, pero si nos faltan medios, muchas fotografías no se podrán hacer o no podremos obtenerlas con la máxima calidad.

REVISIONES

   Existen algunas páginas de internet con revisiones de objetivos, os pongo algunas.

     http://www.dpreview.com/

     http://www.photozone.de/Reviews/overview

     http://www.slrgear.com

     http://www.photodo.com

     http://www.the-digital-picture.com/

     http://www.dxomark.com/index.php

EN RESUMEN: ¿POR DONDE EMPIEZO?

   Os mostraré un proceso normal de adquisición de objetivos y artilugios necesarios. ¡Por favor, no agobiarse!

   Aquellos que queráis seguir estas recomendaciones deberíais ahorrar hasta poderos comprar el Canon 17-40mm. f/4L USM. Este objetivo se puede tener con una cámara normalita APS-C como la 500D (con la gama que os recomiendo más tarde o más temprano tendréis que acabar con una cámara de sensor completo, en el caso de Canon la EOS 5D Mark II, pero no corre prisa, porque es cara. Esta será la manera de sacar el mayor provecho a estos magníficos objetivos).

   Lo mejor es, mientras se ahorra para el siguiente objetivo, exprimir al máximo esta focal, haciendo no solo paisaje, sino experimentos cercanos, ya que este objetivo es casi macro, o haciendo tomas a ras de suelo, que la imaginación corra. Yo estuve 1 año entero solo con este objetivo y así aprendí mucho. También conviene tener un buen trípode como la serie 055 de Manfrotto y una rótula normal de 3 ejes. No es por agobiar, pero más tarde o más temprano caerás en la cuenta de que necesitas filtros buenos degradados, inversos, polarizadores, de densidad neutra... en fin, todo un mundo que hay que tomarse con tranquilidad.

   Cuando se ahorre lo suficiente vendrá el Canon 70-200 f/2,8L USM y un mundo nuevo se abrirá.

   Lo siguiente en adquirir creo que sería el convertidor de focal 2x, para conseguir los 400mm. con el 70-200, que no es lo ideal, pero da mucho juego.

   La compra del Canon 180mm. f/3,5L USM Macro depende de si queremos hacer macro o no. Esto conlleva la compra de algunos artilugios como un cable disparador y un plato micrométrico. También flashes buenos...

   Después vendrá la Canon EOS 5D Mark II, y finalmente, si no te han echado de casa, podrás ahorrar para un buen teleobjetivo como el Canon 400mm. f/5,6 o con tiempo y mucho más ahorro, un 300mm. f/2,8L IS. Ahí seguro que te echan de casa. Por cierto, tanto si te echan de casa como si no, necesitarás una mochila bastante grande y buenas espaldas para llevar todo. Yo uso la Lowepro Vertex 300 y se me queda pequeña.

   Todo esto supone un gran desembolso económico, pero se hace una sola vez en cuanto a objetivos se refiere. El resto, cámara, mochila, artilugios... podrá ser cambiado con el paso del tiempo, pero unos buenos objetivos bien cuidados no tendrán que reponerse. A largo plazo es un ahorro comprando el mejor material, de lo contrario gastarás más en cambiar objetivos cuyo enfoque se ha roto, o que se ha descolocado alguna lente o que da tan poca nitidez que ya no lo aguantas y al final te vas a por el bueno.

   En definitiva ¿Sabes ya qué objetivo te vas a comprar?

Tu Foto Comentada: SESIÓN ESPECIAL

2011-02-16T19:15:00.000+01:00

Hoy vamos a hacer una excepción a la regla en cuanto a esta sección se refiere.

Uno de nuestros fieles seguidores, Antonio, me ha enviado una serie de fotografías de un río, para que le intente ayudar a elegir cuál coger. Al verlas me he dado cuenta de que podría explicar muchas cosas en un solo post, que os pueden venir bien a todos, así que, en vez de coger una fotografía y comentarla, en esta ocasión, voy a ir analizando muy brevemente cada foto para decir finalmente cuál es la que me parece mejor opción.

Comencemos por la primera:

Es una buena composición.

Cuando nos encontramos con un río en movimiento debemos saber elegir si la composición debe ir en vertical u horizontal. Aunque el río vaya en horizontal, se pueden encontrar composiciones en vertical perfectamente. Por ejemplo, siguiendo el curso del río para crear profundidad desde una zona cercana (en la parte de abajo) a una zona lejana (en la parte superior) desde donde vendría el curso del río.

Antonio ha elegido la horizontal para esta toma. El problema que le veo a la composición, es que ha quedado cortada la desembocadura del agua por la derecha. No se ve toda la elipse que forma el agua por la derecha, y eso da sensación de error en el espectador. Otro punto mejorable es que ha quedado demasiada roca por la izquierda que no participa de la composición principal, que se podría quitar, pues no aporta belleza a la fotografía.

Uno de los grandes problemas en invierno, es la oscuridad de las piedras, que carecen de todo tipo de vegetación y musgos, y debido a las inclemencias del tiempo mantienen colores apagados y pobres incluso de sus líquenes. Esto hace que el rango dinámico de la escena, es decir, la diferencia entre la claridad y la oscuridad, sea muy grande, obteniéndose fotografías con muchas partes en sombra y oscuridad y muchas con excesiva claridad. Si nuestra cámara no capta un alto rango dinámico, nuestras fotografías se verán mermadas en calidad. En este caso el agua ha quedado un poco sobrexpuesta en los lugares donde el agua desemboca con fuerza y crea más espuma.

En el curso on-line que os anuncié de "Un Año de Fotografía" estoy aprendiendo muchas cosas nuevas que no sabía (aprovecho para invitaros a que lo veáis, que además de ser de alta calidad es gratuito). Una de esas cosas que no sabía, es que el histograma que nos aparece en la cámara no pertenece al archivo RAW (en el caso de que disparemos en RAW, cosa totalmente aconsejable), sino que pertenece a un JPEG que crea la cámara. Ese JPEG, que es lo que vemos en la pantallita de la cámara, suele aparecer con mayor nivel de exposición del que tiene en realidad, es decir, que aunque nuestra imagen nos dé señales de que ha sobrexpuesto un pelín, no pasa nada. En el caso de esta foto así ha sido, y he podido recuperar el tono original de la espuma del agua.

Para que la diferencia entre luces y sombras no sea tan grande, se suelen utilizar días nublados para fotografiar las cascadas y ríos, como ha hecho Antonio.

Otra cuestión a tratar es ¿Porqué sale el agua tan bonita y sedosa? Eso es porque se ha empleado una velocidad lenta de obturación. En este caso 0,5 segundos. Para eso, Antonio ha puesto un filtro ND8 de Nikon, que quita 3 diafragmas de luz, es decir, que si le das a la rueda de velocidad, podrás girarla 6 veces para hacerla más lenta, ya que los pasos de la cámara van de mitad en mitad.

Respecto a los filtros, me comentaba que también tenía uno de ND10, y me extrañó, porque no sabía de su existencia. Al preguntarle me dijo que el filtro que tiene es el B+W que os he recomendado en alguna ocasión y que quita 10 diafragmas. En realidad sería un ND26 o 30, aunque no se le conoce por esta denominación, se le conoce por 1000x. Con este filtro maravilloso conseguimos fotografías que duran muchísimo más y nos dan un aspecto más sedoso del agua. ¡Ojo! No por quitar más luz es mejor, sino que cambia el efecto respecto del otro que tiene Antonio. Ambos son recomendables.

Para usar este tipo de filtros, como al ponerlos no se ve nada, tenemos que enfocar en manual y dejar la imagen preparada. Una vez puesto se hace una prueba de la luz que necesita, para eso subimos el ISO bastante y medimos hasta que nos salga una fotografía con el histograma a la derecha sin sobrexponer las luces. Cuando tengamos los segundos volvemos a colocarlo en ISO 100 y contamos las veces que ha sonado la ruedecita hasta llegar a ISO 100. El mismo nº de veces tendremos que girar la rueda del tiempo de exposición de nuestra foto para tener el mismo histograma. Al hacer la foto buena ya comprobamos si la medición ha sido buena o tenemos que quitar o dar más tiempo al resultado.

Ha disparado a ISO 100 y a f/8, diafragma suficiente para que salga todo el recorrido importante enfocado y para asegurarnos la máxima calidad del objetivo, que ya sabéis que se da en torno a f/8.

Bien, a partir de ahora me extenderé menos. 2ª Fotografía:

A parte de que está sobrexpuesta y en este caso no tiene buena solución, Antonio parece intentar corregir la composición de la fotografía anterior girándose un poco a la derecha para sacar el lugar donde rompe el agua y sacarlo entero, pero, corta la zona de la izquierda. Esto no es recomendable hacerlo por la misma razón que os comenté antes, de no dar pié a interpretaciones erróneas, sin embargo, lo que no sabéis es que el lugar desde donde está hecha la foto es un lugar complicado para colocarse con el trípode, y además, Antonio solo tienen una focal fija de 35mm. , es decir, no tiene zoom, con lo cual es probable que no pudiera alejarse sin caerse del lugar al que estaba encaramado. Pienso que no se podía hacer más en esta composición.

La 3ª:

Al ver que se corta por la izquierda y derecha hay que buscar otra composición. De todas las vistas hasta ahora, esta es la que me parece más aceptable, porque aunque entra mucha mancha rocosa por la derecha, no estorba, sino que nos da información de cómo es el ambiente que rodea al río. La fotografía está dividida por la diagonal que crea el curso mojado del río. Si hubiera que moverla, habría bajado un poco la cámara para que apareciera mejor la espuma de abajo y restar importancia a la zona superior de rocas que no aporta nada nuevo al conjunto.

Otra:

Este es un intento de vertical, pero como veis, queda cortada a derecha e izquierda, dando la sensación de que la fotografía forma parte de una serie de fotos para hacer una panorámica de verticales. No es una composición acertada. Además, abajo a la derecha se cuela algo extraño que parece la pata del trípode.

Antonio también nos deja el procesado de 2 de estas fotos:

El procesado seguido parece ser tipo HDR de una sola toma, pero se nota demasiado su efecto y aunque son muy bonitas, no representan el aspecto real por su excesivo contraste y nitidez. Aquí depende de lo que queramos conseguir.

Si buscamos plasmar la realidad este tipo de procesado no nos vale, pero si no es ese nuestro objetivo, este procesado estaría bien, de hecho las imágenes quedan impresionantes.

Este tipo de procesados conlleva ventajas y desventajas. La ventaja es que tenemos la capacidad de incrementar sobremanera la belleza y el efecto impactante en nuestras fotografías. La desventaja es que el que descubre esto, normalmente deja de exigirse como fotógrafo y comienza a sacar fotografías impactantes del procesado y no de la cámara, con lo que al final te conviertes en un buen procesador, pero no en un buen fotógrafo. Esta es una etapa por la que todos pasamos, la mayoría de la gente se acaba conformando con Photoshop y abandonando el esfuerzo por dejar la fotografía lo más acabada posible en la fotografía. Otra desventaja es lo que tú sabes, es decir, en el fondo sabes que esa luz no existía, que ese momento nunca existió y eso hace que uno no se valore como fotógrafo. Esto no es precisamente una tontería.

A continuación os dejo la fotografía que más me gusta de todas:

Este es el resultado que yo dejaría.

La toma está un poco sobrexpuesta y ha sido imposible arreglarlo mejor. Esta en la imagen ligeramente procesada. No es tan bonita como la tratada ampliamente con photoshop, pero es la realidad de lo que había. Repito, nosotros debemos elegir un camino u otro, ninguno es mejor, simplemente son 2 caminos. A mí personalmente me parece más interesante buscar la luz, el momento y disparar. La sensación de haber captado algo irrepetible es única. De otra manera, no hay sensación, sino que relegamos el momento al procesado y se pierde esa tensión y momento únicos de la fotografía. Cada uno debe elegir lo que quiere.

Esta composición es la mejor de todas, sin embargo se queda un poco justa por la derecha e izquierda. En este caso un zoom le hubiera venido de perlas a Antonio... pero ya llegará. Yo hubiera alejado un pelín la fotografía para que se viera bien cómo desemboca el agua por la derecha y que no quedara tan pegada la parte izquierda.

Una de las preguntas que me hace Antonio es ¿Cómo se ve la composición? Para ver una composición hay que tener en cuenta muchos factores: Cómo están dispuestas las líneas y curvas, paralelismos, cruces, si hay profundidad, los colores y tonos si los hay, el juego que hace el agua (su recorrido quiero decir), alguna forma curiosa que pueda entrar en el encuadre. Nunca cortar elementos en la medida de lo posible, dejarlos separados simplemente moviéndonos a derecha, izquierda o incluso subiendo la cámara o bajándola. Intentar dar una expresión a la foto (lo más difícil), es decir, crear un mensaje con tu fotografía. ¿Qué quieres que el espectador sienta al ver tu fotografía? En muchas ocasiones estos factores no se dan y es mucho mejor no hacer la foto. Sino, uno puede empezar a exigirse poco. En fotografía, o te exiges un mínimo alto de calidad en tu fotografía o llenas el Flickr de hojarasca. Yo me di cuenta de esto un día y borré todo mi Flickr. Así me impuse un nivel más elevado de calidad y ahora la galería no es tan mala.

En resumen, esto es difícil, pero para nada imposible. Solo necesitamos ayuda. Nuestro esfuerzo dará su fruto. Seguro. Sino no haría este blog.

Un Saludo... y ahora sí, hasta dentro de un par de semanas.

Jean–Léon Gérôme (1824-1904)

2011-02-16T09:32:00.000+01:00

No lo he hecho nunca porque no era la ocasión, pero hoy tengo que informaros de algo que os puede ayudar mucho para la composición en fotografía.

Todos sabéis que la pintura está arraigada profundamente en la fotografía. Si uno quiere aprender fotografía, necesariamente deberá ver antes mucha pintura y analizarla. Ver de donde viene la luz, cuál es el sujeto principal y donde lo ha ubicado el autor, como se tratan los tonos y el color y un largo etcétera que será una clase magnífica de composición para nosotros.

Ayer, 15 de Febrero de 2011 se inauguraba en el museo Thyssen de Madrid una exposición de Jean–Léon Gérôme (1824-1904), pintor francés destacado de su tiempo. Yo no tenía ni idea de quién era, pero buscando en internet exposiciones de fotografía, no sé porqué apareció este nombre. Si copiáis este largo nombre, lo pegáis en Google, dais a buscar y luego a imágenes, os sorprenderá enormemente la calidad y perfección de su pintura. Más si cabe, si hacéis el esfuerzo de ir a la exposición y os acercáis al cuadro real. Allí veréis el exhaustivo detalle con que está hecho todo y más detalles sorprendentes.

Uno de los detalles impresionantes es que a veces nos da información de un objeto simplemente con las sombras o con la luz. Si uno se fija detenidamente verá que hay zonas que quedan fuera del cuadro, pero que influyen en él por su sombra o por el reflejo, o porque se cuela la luz y contornea su forma... En sus cuadros podréis ver sujetos principales que están a la sombra mientras el fondo es todo luz, colores espectaculares, reales, muy reales, y una gama de tonos increíble. Otro detalle, es que hasta la sombra refleja el color del cielo, y los cielos no son ideales, sino que muchas veces presentan la bruma o palidez con que se dan en la realidad.

Esta exposición ha ampliado mucho mis conocimientos de composición y tratamiento de la luz con solo verla. Algo que pienso aplicar a mis fotografías. Por esta razón quería anunciaros esta exposición, porque muchos la vamos a sacar partido.

Estos días estaré perdido en las manos de Dios durante un par de semanas. Ni post, ni fotos. Os dejaré de dar la lata. Para la 1ª semana de Marzo intentaré volver a la carga.

Un Saludo a todos mis seguidores, que hacéis que el blog cobre sentido.

MAS INFORMACIÓN

http://www.jeanleongerome.org/

Práctica fotográfica: VIDEOS 2 y 3

2011-02-11T21:56:00.000+01:00

Ya están subidas las prácticas fotográficas 2 y 3. Espero que os sirvan de ayuda:

http://www.youtube.com/user/CarlosDoradoVideo

Tu Foto Comentada

2011-02-10T16:07:00.003+01:00

Autor: JUAN CESAR JOVER

Cámara: Canon EOS 7D
Objetivo: Canon 17-40 f/4L USM
Abertura: f/8
Velocidad: 1/800
ISO: 100

Lugar: Puerto del Pico (Ávila)

Webs: http://medyr.loquefaltaba.com/top/main.php

http://medyr.loquefaltaba.com/fotos/main.php

http://www.fotolibre.org/index.php?cat=10076

COMENTARIO

La fotografía que nos ocupa hoy es una de esas difíciles tomas de invierno en la que el rango dinámico de nuestra cámara, es decir, el nº de tonos entre el negro y el blanco, que nuestra cámara es capaz de captar, se pone totalmente a prueba.

Si observamos la composición, se basa en tomar la gran nube baja en el centro, aprovechando que está ubicada en la forma en 'V' que hace la montaña. La carretera serpenteante hubiera sido un factor interesante si ocupara más parte en la fotografía, pero al desaparecer por la izquierda, el efecto que produce es de un elemento circunstancial en la toma. El elemento clave de esta imagen es la nube baja central.

A pesar de que la nube es un elemento de interés, la fotografía en general pide algún factor que atraiga la atención en mayor medida. La nieve blanca y las nubes blancas presentan un resultado algo monótono. Si nos damos cuenta, la montaña está a la sombra de las nubes, esto hace que esa zona quede apagada.

Respecto a la exposición, tiene una leve sobrexposición en algunos bordes de las nubes de la parte superior izquierda que no molestan al conjunto.

Dado el amplio rango dinámico que requiere, vemos también que los matorrales quedan muy ennegrecidos, restando belleza a la zona montañosa del primer plano.

La abertura de diafragma a f/8 es correcta, porque no necesitamos más profundidad de campo al no haber elementos cercanos, y nos aseguramos la mayor calidad de la imagen.

SOLUCIONES

Una solución en el momento de hacer la fotografía es usar un filtro degradado neutro o incluso un inverso. Para eso debemos hacer la foto a varios segundos de exposición.

El problema principal que nos encontramos es que hay mucha luz, con lo que deberemos utilizar un filtro de densidad neutra circular de 10 diafragmas. Esto nos proporcionará algunos segundos de luz. Usaremos ISO 100. En la medida de lo posible no bajaremos a ISO 50, porque perdemos algo de rango dinámico y en esta toma no es aconsejable. A esto le añadiremos un portafiltros con un filtro degradado de densidad neutra que bien podría ser un inverso de 2 diafragmas de Singh-Ray (esto habría que verlo en el momento), y lo aplicaremos en movimiento en el tiempo que dure la exposición. Se aplica en movimiento para que no se note la línea degradada del filtro. Este es un sistema que requiere de práctica.

Solo podremos hacerlo si tenemos un trípode muy estable, pues al mover el filtro no debemos hacer movimientos en la cámara, pues saldría la imagen ligeramente trepidada.

Todo esto rebajará la intensidad de luz en el cielo y así podremos exponer algo más para ganar en luminosidad en la montaña. Sin embargo no está exento de inconvenientes, pues lo más probable es que ya no podamos usar 17mm. de focal, como en esta foto, pues puede que viñetee algo. En el caso de la 7D no es probable porque tiene un factor de multiplicación de 1,6 y la zona de viñeteo queda fuera del alcance del sensor, pero en una cámara de sensor completo nos viñeteará casi seguro al introducir un filtro circular y el portafiltros.

Esta misma solución se puede hacer con la fotografía que tenemos ya, pero nos ocasionará algunos inconvenientes. La imagen gana en interés. Lo que haremos es subir los tonos en sombra, de manera que el conjunto quede mas luminoso e impactante. Esto conllevará la pérdida de interés (por pérdida de volumen) de las nubes. Este es el resultado:

Si se hubiera usado el filtro, el resultado sería parecido a esto:

Como veis hubiera ganado algo en interés.

No es facil la fotografía de montaña. Conseguir una toma interesante requiere que en la composición existan distintos puntos de interés, pues uno solo difícilmente nos cautiva en la foto.

Juan, al que tuve el honor de conocer el martes pasado, pues me acompañó en mi salida semanal, me ha dejado además un par de tomas del mismo lugar. Una foto de hace ya algún tiempo cuando tenía una 400D:

   Vemos que está muy subexpuesta y no se aprecia bien la belleza del conjunto ni el color. Recordemos que para una buena exposición, el histograma debe estar a la derecha sin sobrexponer y luego en el procesado bajaremos la exposición si nos ha quedado muy clara. Esta es la única manera de exprimir al máximo la calidad en la fotografía que tomamos.

   El sistema para una buena exposición es exponer en manual con medición puntual en la cámara. Nos vamos al punto más claro que vaya a aparecer en la foto, lo medimos y lo llevamos a la derecha del histograma sin sobrexponer jugando con la velocidad, el diafragma y el ISO.

   Juan la procesó después con un tratamiento por zonas y el resultado es el siguiente:

Como veis, la imagen ha ganado mucho en interés, sin embargo, la zona de las nubes ha acabado sobrexponiendo, y las sombras siguen muy oscuras. El contraste del conjunto es excesivo

El tratamiento a seguir sería utilizar un filtro degradado inverso en la toma original. Así conseguiríamos luminosidad en el primer plano.

Con la imagen que tenemos, habría que levantar un poco esa oscuridad en los niveles y oscurecer el cielo para que la toma ganara en interés. Os dejo el ejemplo:

Espero que nos haya servido a todos para aprender algo nuevo.

Un Saludo a todos.

El proyecto fotográfico más importante en España

2011-02-03T00:05:00.001+01:00

Sé que os lo comunico un poco tarde, pero con todo el jaleo del canal de vídeo no he podido decíroslo a tiempo.

Uno de los problemas básicos que nos encontramos cuando aprendemos fotografía es lograr aprender bien. Uno acude a los foros de fotografía y ahí todo el mundo opina tenga o no criterio, y eso nos hace aprender mal y tomar decisiones sobre la compra de equipo, la toma de fotografías y el procesado, que la mayoría de las veces nos confundirán.

Una de las soluciones a plantearse es la compra de un buen libro de fotografía que te enseñe, pero ¿Qué libro comprar? Si das con uno adecuado, el siguiente paso es hacer un curso de fotografía, pero ¿Cuál? Hay muchos fotógrafos y no todos saben lo mismo. Puede incluso que algunos errores de los que cometen los transmitan a otras personas por equivocación.

Esta inquietud que todos tenemos estaba también en la mente de José B. Ruiz, que alguna vez os he dicho que es uno de los referentes a nivel mundial en lo que a Fotografía de Naturaleza se refiere, y por eso ha emprendido un proyecto con 3 ramas bien diferenciadas que tiene como objetivo ayudar y formar a fotógrafos profesionales y aficionados de toda España.

La primera rama de ese proyecto es "Un Año de Fotografía", que es un espacio patrocinado por la Caja de Ahorros del Mediterráneo y que consiste en un curso de fotografía on-line con los mejores fotógrafos de todo el panorama internacional totalmente GRATIS. Se puede seguir en directo los viernes a las 17:00, y si no se puede, se puede ver en diferido o incluso descargártelo. Además, todos los materiales de formación se cuelgan en PDF para que también puedan ser descargados.

El curso ha comenzado desde los rudimentos del principio, como debe ser, y ya está hablándose mucho de ello por todo internet. El objetivo es mejorar mucho el nivel de la fotografía en España, pues la cultura fotográfica en España deja mucho que desear frente a otros países europeos.

La segunda rama de este proyecto es "Unidos por la Fotografía" que es un espacio de internet que pretende unir a todos los fotógrafos profesionales y aficionados así como certámenes, cursos, exposiciones, salidas y eventos fotográficos en España. Para ello, todos los fotógrafos debemos registrarnos en la página y empezar a participar de todo lo que comprende, y por supuesto es GRATIS. También tiene foro, y resulta muy interesante de leer.

La tercera y última rama comprende solo a los fotógrafos de naturaleza y es la renovación total de la Asociación Española de Fotógrafos de la Naturaleza (AEFONA), que emprende un nuevo camino y pretende aunar a todos los fotógrafos de naturaleza de España, ya sean profesionales o aficionados para que puedan conocerse, compartir inquietudes, mostrar sus trabajos, hacer salidas conjuntas, exponer por España y un largo etcétera. Hacerse socio cuesta 70€ al año, algo que puede parecer caro si se compara con las asociaciones de las distintas comunidades autónomas, pero el nivel y el alcance de AEFONA es tan importante, que incluso pretende establecer las bases y normas para el buen uso de la Fotografía de la Naturaleza. Creo que es una oportunidad única para aprender de los grandes e incluso compartir con ellos salidas a la naturaleza.

ENLACES

Para ver el curso On-line y descargarte los materiales:

http://www.tucamon.es/contenido/sesiones-anteriores-365-dias-de-fotografia

Para unirte a la Web de Unidos por la Fotografía:

http://unidosporlafotografia.com/

Para pertenecer a AEFONA:

http://www.aefona.org/

No perdáis la oportunidad de apuntaros a estas iniciativas, por lo menos a las 2 primeras.

Fotografía de la Naturaleza de Carlos Dorado: AHORA EN VIDEO

2011-01-27T13:16:00.002+01:00

Os presento mi último proyecto para este Blog:

Carlos Dorado Video

Consiste en un canal de vídeo en el que podréis ver mis salidas fotográficas y en el que explicaré las técnicas en el momento justo de hacer la fotografía. Sabréis realmente cómo hago las fotografías, el material que se lleva, las precauciones a tomar, las dificultades que encuentro, la emoción del momento y lo mal que me expreso en cada vídeo.

El primer vídeo o práctica fotográfica es una salida al Embalse de Beleña (Guadalajara) España, que he realizado en Enero del 2011.

A día de hoy está subida la 1ª de las 3 partes del vídeo. En unas horas estará subida la 2ª y puede que la última parte.

Lo mejor es suscribirse en el canal para recibir las notificaciones de nuevos vídeos.

Creo que con esta nueva iniciativa damos un paso más en lo que a conocimiento y práctica de la Fotografía de la Naturaleza se refiere. Lo que muchas veces se explica con palabras, ahora se podrá ver y de esta manera todos vamos a aprender el doble de rápido.

El enlace es el siguiente: Carlos Dorado Video

Un Saludo a todos y espero que el nuevo canal sea de vuestro agrado.

Fotocam 2010: Ganadores

2011-01-20T20:31:00.001+01:00

El prestigioso concurso de fotografía de la naturaleza FOTOCAM de la Caja de Ahorros del Mediterraneo ha dado a conocer los premios del certamen de su XVI Edición, la del 2010.

Os dejo el enlace con las fotografías ganadoras y la información de la página oficial:

http://www.tucamon.es/contenido/“the-caravan”-fotografia-ganadora-del-premio-especial-fotocam-2010

Las fotografías en flickr:

http://www.flickr.com/photos/cajamediterraneo/sets/72157625740632305

Y un video sobre las fotografías:

http://www.youtube.com/watch?v=8NyBwcGqLWo

Disfrutemos y aprendamos.

Tu Foto Comentada

2011-01-12T13:11:00.000+01:00

Autor: HORACIO MARIN

Cámara: Olympus SP-565UZ (Cámara compacta)
Abertura: f/5
Velocidad: 1/40
Iso: 100

Sin trípode

Lugar: Mar de Plata (Rep. Argentina)

COMENTARIO

Es curioso para nosotros, los que vivimos en Europa, pero esta foto está tomada en Abril, que es el otoño en Argentina.

La fotografía está bien compuesta. En este caso no se puede decir que haya un motivo principal. Se podría decir que es la ventana, pero ¿Porqué no las hojas? De alguna manera la fotografía en sí llama la atención por la diversidad en los colores y también porque la ventana rompe la alfombra de hojas. Ambos motivos están bien puestos y la fotografía cumple su objetivo de impactar y satisfacer a la vista.

Respecto a la luz natural, en algunas hojas se puede ver que la luz ha quedado sobrexpuesta. Quizá la fotografía debía haberse realizado con una menor exposición.

En el reflejo de la ventana no sabría qué decir, porque por un lado no embellece la foto, pero por otro lado posibilita que se vea la madera interior.

Es una fotografía que está bien, tampoco se podría mejorar mucho.

UNA PETICIÓN

Aunque con esta fotografía he hecho una excepción para poder explicar esto que hago ahora, os pido que en las sucesivas fotos no aparezcan motivos hechos por el hombre e intentemos buscar más la fotografía en la naturaleza. Así fomentamos más las salidas al campo y la búsqueda de sujetos en el medio salvaje.

UNA SUGERENCIA

Y ya que me pongo, deciros que una cámara compacta nos va a servir para mejorar la composición, pero las capacidades que tiene son muy limitadas. Si me enviáis una fotografía con una cámara compacta, las mejoras que os puedo recomendar son muy pocas, salvo de exposición y composición. Las posibilidades de una reflex son muy superiores y me permiten hacer más valoraciones y ofrecerás más consejos, pero con una compacta me restringe mucho lo que puedo aconsejaros y mi ayuda acaba siendo muy poca.

Un saludo a todos.

AEFONA se renueva

2011-01-11T23:03:00.000+01:00

La Asociación Española de Fotógrafos de la Naturaleza (AEFONA) ha renovado su página web y está en Facebook. Merece mucho la pena pasar por la web y empaparse de los artículos que de momento hay, sobre todo de los de José B. Ruiz.

http://www.aefona.org/

Usos maravillosos de nuestra cámara

2011-01-09T09:22:00.001+01:00

A veces no nos damos cuenta de lo que tenemos entre manos hasta que se nos ocurre. Lo que os voy a contar hoy es una tontería, pero puede que no se nos haya ocurrido.

Los que tienen afición a las aves suelen llevar caros telescopios terrestres de gran alcance para identificar la especie que ven. Pues hay un sencillo truco que muchos vais a poder aplicar para ver aves sin telescopio terrestre y con un alcance muy superior.

Si tenéis la opción Live View en vuestra cámara, es decir, la pantalla de visión directa, es probable que podáis aumentar la imagen para poder enfocar un punto concreto pulsando el botón con el símbolo que aparece como una lupa y un signo '+' dentro. Si pulsas una vez aumenta 5x la visión del objetivo que hayas puesto, y si pulsas otra, aumenta 10x. No hace falta que os diga que a mejor objetivo, mejor imagen, porque lo que hace la cámara es un zoom digital, es decir, acerca lo que ya ves, con lo cual empeora la imagen a 5x y un poco más a 10x, sin embargo se identifican perfectamente las especies.

Lo suelo probar con el 70-200mm. y es espectacular, no puedo ni imaginar cómo será con un 400mm. Con la opción 10x serían... 4000mm.

Inconvenientes

Como no, tiene inconvenientes, y es que, a parte de que gasta más batería que si no lo usamos, la pantalla del Live View se apaga automáticamente al cabo de unos segundos si no se usa el botón de ubicación del enfoque que aparece en el centro de la pantalla, para que no se caliente la cámara y afecte al sensor, sin embargo, es una opción que podemos usar muchas veces a lo largo de una observación.

Conclusión

Con el Live View podemos convertir nuestra cámara en un telescopio de baja calidad pero de muy largo alcance. Todo en una sola cámara.

Probadlo y contadme vuestra experiencia. Un Saludo

Experimento

Os propongo como experimento que conectéis la cámara al portátil y probéis este método. Puede que la calidad mejore considerablemente. Yo no lo he probado, pero en cuanto pueda lo hago.

Fotografía y Análisis

2011-01-05T16:25:00.001+01:00

Porque no todo es Fotografía de la Naturaleza, he creado un nuevo blog de Fotografía General en el que voy a enseñar aplicaciones prácticas para nuestras fotografías y en la que voy a analizar distintos trabajos de autores actuales.

Os invito a todos a seguir el blog y a darle vida con vuestros comentarios que tanto agradezco siempre.

Fotografía y Análisis

Un Saludo a todos.

Desmenuzando a...

2011-01-04T22:53:00.002+01:00

Hoy desmenuzamos a...

PATRICK DI FRUSCIA

Biografía

Nos dice lo justo para saber que su infancia fue determinante en su pasión por la naturaleza. Así como la enseñanza de sus padres. Su padre fue fotógrafo durante un tiempo y su madre pintaba y le transmitió el gusto por el arte. Su deseo es mostrar la belleza de la naturaleza en momentos impactantes y expone habitualmente en galerías alrededor del mundo entero. Es decir, no es precisamente un aficionado que en sus ratos libres busca una buena luz que fotografiar, sino que va en busca de momentos especiales.

Material

Canon EOS 5D Mark II
Zeiss 21mm. Distagon T* f/2,8
Canon 17-40mm. f/4L USM
Canon 24-70mm. f/2,8L USM
Canon 70-200mm. f/2,8L USM
Canon 100-400mm. f/4,5-5,6L USM
Canon 15mm. f/2,8 Fisheye
Portafiltros, polarizador
Filtros degradados de densidad neutra de 1, 2 y 3 diafragmas
Filtros degradados de densidad neutra de transición suave de 1, 2 y 3 diafragmas
Filtros de densidad neutra de 1, 2 y 3 diafragmas
Trípode Gitzo GT1541 de carbono
Rótula de bola Gitzo G1780QR

Bien de todo este material debo hacer una aclaración, porque uno puede pensar que tiene que tener todo esto para hacer fotografías como las de Patrick Di Fuscia y no es así.

De todo este material el Zeiss 21mm. en principio le sobraría teniendo el Canon 17-40 salvo que con este hiciera fotografía nocturna.

El Canon 15mm. es un "Ojo de pez" que se usa en contadísimas ocasiones, pues cubre un ángulo de 180º y como Ojo de pez que es no es un objetivo que se use para la fotografía común.

El 24-70 es un objetivo que, si bien se usa a menudo no tiene una calidad comparable al 17-40 y 70-200, y no me refiero tanto a las curvas MTF como al acabado y extensión del objetivo. ¿Qué quiero decir? Que teniendo el 17-40 y el 70-200, el 24-70 es un objetivo prescindible totalmente. Más aún si tienes que cargar con los 3 por la montaña.

Respecto al Canon 100-400, es conocida su pérdida de calidad a partir de 250mm. Teniendo el 70-200mm. se le puede poner perfectamente un convertidor de focal 1,4x que no le quitará calidad aparente.

Si uno necesita 400mm. Puede comprarse el Canon 400 f/5,6. Y si quieres quitar el peso de otro objetivo más siempre se puede añadir un convertidor de focal 2x al 70-200, que es la peor opción, pero no es descartable.

Respecto a los filtros, me quedaría con el degradado de densidad neutra de 3 diafragmas. los otros 8 filtros realmente no modifican casi en nada el aspecto de la fotografía final debido a que su efecto es muy pequeño. Comprarlos sería dinero malgastado.

Un degradado neutro de 3 diafragmas está bien. No necesitaremos otro 'soft' o suave, y respecto a los de densidad neutra lo vamos a utilizar básicamente para sacar el agua movida. Yo uso el de 10 diafragmas y da unos resultados fenomenales. El de 3 diafragmas de queda muy corto en muchas ocasiones.

Temática Fotográfica

Su temática fotográfica y especialidad es el paisaje. No hace otro tipo de fotografía, pero es un autentico experto. No se pueden ver sus fotografías en unos segundos, es imposible no quedarse totalmente alucinado con cada una de sus fotografías. Tanto su composición, como el momento elegido, así como el procesado posterior son impecables. Fotografía principalmente en América, pero también tiene fotos de Europa y Africa.

Me gusta mucho que no repite fotografías. Hace un viaje y como resultado pone las 3 o 4 mejores fotografías y muy distintas. Es super selectivo con su trabajo, por eso es tan bueno.

Conclusión

Patrick Di Fuscia es probablemente uno de los mejores paisajistas que conozco. Merece la pena pasarse buen tiempo viendo y estudiando sus fotografías porque sin duda aprenderemos mucho. Además su fotografía es muy variada.

Página web

http://www.DiFrusciaPhotography.com/

No dejéis de verla con detenimiento, es una obra de arte.

Tu Foto Comentada

2011-01-04T21:15:00.002+01:00

Autor: FRAN ÁLVAREZ

Cámara: Sony A330

Objetivo: Sony 55-200mm. DT SAM

Abertura: f/18

Velocidad: 18sg.

ISO: 100

Bolsa de semillas sobre una roca.

Lugar: Encamp (ANDORRA)

COMENTARIO

Tenemos hoy una típica postal invernal que podemos encontrar en muchos lugares de nuestra geografía. Esto debe animarnos a todos a intentar conseguir este tipo de tomas que se suelen dar en zonas montañosas.

Nos encontramos ante un río que se ha helado en algunas partes y mezcla así el estado sólido y líquido del agua, aportando belleza al conjunto. Uno de los atractivos que nos proporciona el agua en movimiento es intentar plasmar ese movimiento ya sea con fotografías a altas velocidades de obturación, que nos proporcionará instantes únicos con las gotas en el aire y formas de agua muy curiosas, o bien podemos utilizar velocidades muy lentas que nos proporcionarán aguas con aspecto de nube muy atractivas, que dan gran belleza a las imágenes. En éste último caso necesitaremos un trípode o sujetar la cámara de alguna forma para que pueda quedarse en la misma posición durante todo el tiempo que dure la toma. En esta ocasión, Fran a usado una 'Been Bag' o Bolsa de semillas, que son bien baratas y dan un excelente resultado en tomas a ras de suelo u otras posiciones.

La fotografía de ríos depende mucho de la época del año, así que nos ceñiremos al invierno. En esta estación del año encontramos habitualmente nieve y tierra y troncos húmedos, que quedan ennegrecidos por el exceso de agua. Esto hace que en invierno nos encontremos ríos con fondos de caudal muy oscuros, piedras mojadas muy oscuras y tierras y bordes de río muy oscuros salpicado de nieve, que como todos sabemos es muy blanca. Esta peculiaridad invernal hace que el rango dinámico de la escena supere la capacidad de las cámaras, es decir, que la diferencia entre lo más claro y entre lo más oscuro sea tan grande que, o bien sacamos la nieve bien expuesta y el resto oscuro, o bien sacamos todo con buena luz y la nieve sobrexpuesta. Como norma general, intentaremos no dejar nada sobrexpuesto a menos que sea nuestra intención. En el caso de la nieve no suele quedar nada bien.

Podríamos pensar en aportar luz de flash en las zonas oscuras, pero es una medida que no funciona, pues la luz también llega a la nieve y se sobrexpone igual. La única solución es exponer bien la nieve y dejar el resto oscuro. Si tenemos la suerte de que la zona oscura no quede excesivamente oscura, podremos 'levantar' un poco esos tonos con Photoshop, pero no excesivamente, pues quedarán píxeles sin información de tonos que quedarán previsiblemente mal.

En la foto que nos ocupa hay algunas zonas sobrexpuestas, pero son tan pequeñas que no dificultan la percepción de 'buena exposición' del conjunto. Podríamos decir que la luz ha sido llevada al límite a pesar de que la apariencia general da la impresión de que esté algo oscura. Si en la fotografía original estas zonas están bien expuestas y el archivo es RAW, puede que se puedan recuperar para una mejor exposición e incluso las zonas de sombra puede que se puedan alzar en luminosidad y el resultado final sea bueno. Habría que probar.

La fotografía tiene un leve pero perceptible tono azulado en el agua que suele aparecer por diversas razones (calidad de la cámara, aberraciones de los objetivos, reflejos del cielo o de la sombra,...). La solución es fácilmente aplicable bajando un poco el tono cian en el procesado.

La nitidez de la toma no es muy buena, cosa que no depende en este caso del fotógrafo sino de la cámara y el objetivo. En la medida en que tengamos mejor material notaremos que se ven más cosas en la foto y con mejor nitidez y resolución.

Respecto a la composición vemos que no hay un motivo principal que no sea el río. El resto de elementos es añadido al principal. Podríamos decir que la fotografía nos muestra un río que fluye.

Estas composiciones siempre son difíciles. Podemos ver que Fran ha ubicado en la parte superior izquierda el cauce en forma de pequeña cascada del que procede todo el caudal que vemos. En esa parte hay una zona helada que hubiera sido mejor no cortarla por la izquierda ni por arriba.

Es una foto que siendo bonita, quizá carece de impacto visual. Llama la atención el aspecto sedoso del agua del primer plano que ha conseguido con una exposición de 18 sg., pero no hay más elementos que permitan mantener una especie de "diálogo visual" con el espectador que lo ve. Terminamos de verla casi al instante de empezar.

MEJORAS

Como mejora intentaría hacer la foto más lejos, de manera que entrara en el encuadre el resto del ecosistema y buscaría desesperadamente 'algo' que llamara poderosamente la atención, porque estas fotos son muy muy difíciles si queremos tener un resultado final impactante. Ese 'algo' puede ser un cauce de agua que cae, pero tiene que ser un gran cauce que impresione verlo romper. Repito que conseguir una buena foto de impacto en estas condiciones de nieve, hielo y agua en invierno es muy difícil. Yo nunca lo he conseguido y no recuerdo haber visto alguna realmente buena. Esto no quiere decir que no lo intentemos, sino que tenemos un campo abierto para experimentar. Si pensabais que todo estaba hecho, no es así, aquí se nos abre un reto a todos.

Otra mejora sería intentar que los elementos que aparecieran no quedaran cortados, por lo menos los que no fuera estrictamente necesario. Los elementos cortados siempre dan aspecto de descuido del fotógrafo, a menos que quede muy clara la intención de hacerlo.

La abertura del diafragma a f/18 ha posibilitado que todo esté bien enfocado, sin embargo os recuerdo que las mejores calidades de un objetivo suelen estar cerca de f/8, por lo que todo lo que esté por encima o por debajo de f/8 empeorará la calidad de la fotografía, ya sea por nitidez, difracciones, aberraciones, viñeteos... A esto se le llama sobrediafragmar y es una práctica muy común que tenemos que ir desechando por el bien de nuestra fotografía. Ahora bien, sé que Fran estará pensando "¡Pero no tenía más remedio!". Efectivamente, la única manera de conseguir los 18sg. de exposición y sacar el agua con efecto nube era cerrar el diafragma todo lo que se pudiera, por eso Fran ha hecho lo que necesitaba hacer y lo ha hecho bien.

¿Cuál es entonces la práctica correcta para conseguir el agua de esta manera?

Esta fotografía no necesita más de f/8 para que todo salga enfocado, con lo cual necesitaríamos un filtro de densidad neutra que nos quitará luz del conjunto para poder conseguir los 18sg. de exposición o más. Con el filtro habríamos podido hacer la fotografía con una abertura más adecuada y a bastantes segundos.

Los filtros de densidad neutra que se suelen usar, sobretodo por los primerizos en fotografía son los de 3 diafragmas (así lo hice yo). Ya os digo que no los compréis, porque su función es muy pobre. Yo uso un filtro que resta 10 diafragmas.

En el caso de Fran, que su objetivo tiene 55mm., necesitaría éste filtro de 10 diafragmas:
http://www.fotoboom.com/pagina2.php?id=32735&comienzo=0 (lo pongo en esta tienda, pero se puede pedir en cualquier tienda profesional).

Aunque este es el peor. Hay otros dos de mejor calidad de la misma marca y solo subiría 11€ más: De 52€ que cuesta el malo a 63€ que cuesta el de gran calidad. Yo os recomiendo el mejor, porque elimina los posibles errores de dominantes raras de color que aparecen en largas exposiciones algunas veces.

Por último deciros que es muy aconsejable usar un disparador para tomas largas o conectar la función de disparo retardado para que la cámara no tiemble con nuestra mano al oprimir el botón y la toma salga movida.

Bien, espero haberos ayudado algo con todo este lío que os he explicado.

Un Saludo a todos.